Kuunatic, bestehend aus Fumi Kikuchi (Keyboards), Shoko Yoshida (Bass) und die auch als Noise-Performerin bekannte Yuko Araki (Drums) lassen hier eine fiktive Welt voller prophetischer Figuren, ritueller Handlungen und transkultureller Verflechtungen entstehen. Die acht Stücke markieren jeweils einen Schlüsselmoment innerhalb eines 45stündigen Sonnenumlaufs des fiktiven Planeten Kuurandia, wodurch das Album einen dramaturgisch kohärenten Fluss erhält. Musikalisch erweitert die Band ihr Stamminstrumentarium merklich und setzt auf eine Mischung aus psychedelischem Rock, rituellen Rhythmen und traditionellen japanischen Elementen, wobei insbesondere historische Instrumente wie die Sho-Flöte oder Zimbeln aus der höfischen Gagakumusik dem Album einen einzigartigen Charakter verleihen.

Das Werk beginnt mit dem knapp achtminütigen Opener “Yew’s Path”. Ein akustisches Instrument eröffnet den Song mit einer hellen Melodie, bevor monumentale, raue Riffs einsetzen. Dazwischen sorgen metallen schimmernde Klänge für eine fernöstliche Anmutung, und das Zusammenspiel von knarrendem Bass, hymnischem Gesang und einer orientalisch geprägten Melodieführung erinnert an bestimmte Momente bei OM. Das Stück steigert sich zum Ende hin, das Tempo zieht an, und es entsteht fast ein kleiner musikalischer Klimax. Besonders eindrucksvoll sind hier die wiederkehrenden Zeilen “Follow the path, embrace the unknown”, die die rituelle Grundstimmung des Albums unterstreichen und zugleich die Reise in eine mythische Zukunft ankündigen. Generell scheinen mir die Songs von einem deutlichen Bewegungs-Charakter geprägt und erinnern immer wieder an eine kraftvolle Fahrt. “Mavya at The Lacus Yom” entfaltet eine filigrane, schwebende Atmosphäre, die zunächst hell und lichtdurchflutet wirkt wie eine von frischen Düften durchwehte Morgendämmerung. Doch unter der Oberfläche braut sich eine kraftvolle Energie zusammen, unterstützt durch sich verdichtende mehrstimmige Gesänge, die fast a cappella anmuten. Schließlich intensivieren sich Tempo und Dynamik, der Song nimmt einen rituellen Charakter an und vermittelt das Gefühl einer spirituellen Zeremonie, bei der Worte wie “The water speaks in echoes” wie ein Portal in eine ungekannte Dimension anmuten.

Einen Kontrast dazu bildet “Disembodied Ternion”, das mit einem aufweckenden Flötenton beginnt und sich rasant zu einem fast punkig geprägten, treibenden Stück entwickelt. Der Rhythmus ist ungestüm, die Basslinien knarzen, das Schlagzeug pumpt druckvoll nach vorne. In der zweiten Hälfte löst sich das Arrangement in einen diffusen Klangnebel auf, aus dem kämpferische Shouts herausbrechen – ein Moment, der die hymnischen Gesangslinien des Albums in eine fast bedrohliche Intensität überführt. “No shape, no form, yet I arise” – diese Zeile betont nicht nur das körperlose, geisterhafte Moment des Songs, sondern auch die zyklische Wiederkehr, die sich als Motiv durch das ganze Album zieht. Mit “Myth of Klüna”, dessen Titel eine Brücke zum Vorgängeralbum schlägt, lassen die Drei einen radikal anderen Ton anklingen. Dieses nur rund eine Minute lange Stück besticht durch seine elektrisierende, mantraartige Gesangsstruktur, die an eine rezitative Darbietung repetitiver, sakral anmutender Silben erinnert. “Whispers of old, voices untold” scheint hier wie eine Beschwörung zu wirken, ein Echo halbvergessener Geschichten, deren Widerhall in der Erzählgegenwart zu hören ist. “Yellow Serpent“ ist von japanischen Instrumenten geprägt und kombiniert den Klang eines psalterienartigen Saiteninstruments mit zurückhaltenden, aber groovigen Basslinien. Der Gesang ist fließend und tranceartig, während sphärische Synthies eine entrückte Atmosphäre erzeugen.

Eine besondere Facette des Albums zeigt sich in “Kuuminyo”, das in Zusammenarbeit mit der Ainu-Sängerin Rekpo entstand. Ihr hochtönender Gesang, begleitet von Handtrommeln, Klatschrhythmen und hölzernen Percussions, erschafft ein Bild archaischer, zeremonieller Musik. Es ist vielleicht das heiterste Stück des Albums, durch seine Wiederholungen fast beschwörend und aufweckend zugleich. “Halu Shanta” ist typisch für Kuunatic: Mehrstimmiger, hymnischer Gesang, bei dem ich ein weiteres Mal die österreichischen Postpunkerinnen von Astaron in Erinnerung rufen muss, trifft auf rituelle Percussion, doch nach und nach verschieben sich die musikalischen Hierarchien. Was zunächst als klangliche Kulisse erscheint, rückt mehr und mehr an den vorderen Bühnenrand, während sich der trancehaft-erhabene Gesang – “Chanting the stars, weaving the night” heißt es da, wie um das Schöpferische der eigenen Darbietung metapoetisch zu betonen – und die Instrumentierung immer stärker zu einer organisch anmutenden Klangmasse verweben.

Den Abschluss bildet “Syzygy and A Counter Truth”, ein Stück, das verspielt und gerade in seiner elektronischen Gestalt fast barock anmutet. Zunächst instrumental und von einer psychedelischen Offenheit geprägt, setzt schließlich verfremdeter, nach hinten gemischter Gesang ein. Das Stück bleibt bis zum Schluss offen und vermittelt den Eindruck eines musikalischen Cliffhangers. “Wheels of Ömon” zeigt eindrucksvoll, wie Kuunatic traditionelle japanische Elemente mit einem psychedelischen, rituellen Sound verbinden. Dabei gelingt es den Dreien, eine Balance zwischen archaischer Tiefe und futuristischer Weite zu schaffen – ein Konzept, das sich nicht nur musikalisch, sondern auch in der thematischen Gestaltung des Albums widerspiegelt. Die fiktive Welt Kuurandia ist durchdrungen von Prophezeiungen, zyklischen Strukturen und mythischen Figuren.

Diese Verknüpfung von Scifi-Elementen mit archaischen, spirituellen Motiven findet sich wie gesagt auch in anderen Werken mit Konzepten einer Zukunft, die nicht von technologischer Dominanz, sondern von verschleiertem Wissen, Ritualen und mythischen Zyklen geprägt ist. Kuunatic stehen somit in einer langen Tradition experimenteller Musik, die Zukunftsvisionen nicht als linear-technologischen Fortschritt, sondern als Wiederkehr uralter Strukturen begreift. Mit “Wheels of Ömon” setzen sie diese Linie konsequent fort und erschaffen eine Klangwelt, die gleichermaßen hypnotisch, erhaben und tief verwurzelt in einer Mythologie ist, deren fitive Stoffe sicher auch auf die eine oder andere historische Vorlage zurückgreift.

Label: Glitterbeat

In einem Video zu hören ist ebenfalls der getragenere, von klassischen japanischen Referenzen durchzogene Song “Yellow Serpent”, über den es bei Glitterbeat heißt es: “The track features a unique mix of atmospheric floating organ sounds, dubby bass lines, and hypnotic three-part singing—elements that blend together to create a mesmerizing vibe. Kuunatic is known for their experimental approach and ‘Yellow Serpent’ draws from a wide range of influences, ranging from traditional Japanese sounds to experimental rock and atmospheric electronics”. Mit dem kommenden Album setzen Kuunatic die mythologische Erzählwelt ihres Debüts “Gate of Klüna” fort. Die acht neuen Stücke sind laut Begleittext inspiriert von Prophezeiungen, geheimnisvollen Kräften und sagenhaften Orten wie bspw. magischen Heilseen. Musikalisch kombinieren Fumi Kikuchi (Keyboards), Shoko Yoshida (Bass) und die auch als Soundart- und Noise-Produzentin bekannte Yuko Araki (Drums) einmal mehr rituelle Rhythmen, treibende Bässe und atmosphärische Orgelklänge mit vielschichtigem, mehrstimmigem Gesang. Zusätzlich setzt das Trio diesmal eine Vielzahl traditioneller japanischer Instrumente ein, darunter Sho, Ryuteki, Kagurabue, Ougidaiko und Wadaiko. Der Sho, ein aus 17 Bambuspfeifen bestehendes Instrument der höfischen Musik Japans, eröffnet und beschließt das Album.

Entstanden ist “Wheels of Ömon” nach einer Residenz im schweizerischen Bruson, dessen alpine Landschaft und Geschichte die Band, wie es beim Label heißt, tief beeindruckte. Sie beschreibt den Einfluss dieser Umgebung als eine Art Erweiterung ihres musikalischen Universums, in das nun auch naturwissenschaftliche und historische Aspekte eingeflossen sind. Das Zusammenspiel von alten und modernen Elementen, von japanischer Tradition und internationalen musikalischen Einflüssen, prägt das Werk. Ein besonderer Moment des Albums ist der Gastauftritt der Sängerin Rekpo auf einem der Songs. Rekpo ist Teil der Ainu-Community, einer indigenen Ethnie Nordjapans, und Mitglied des Vokalensembles Marewrew, das sich dem Erhalt und der Weitergabe der traditionellen Ainu-Musik widmet. Das Albumerscheint als LP, CD und zum Download.

Foto: Celine Fougerouse

“In the beginning of my solo project, I performed long-form noise drone sets inspired by local noise gigs in Japan. As soon as after starting it in late 2017, a label discovered me, and many DIY noise labels asked me for releases. I realized this was a cultural phenomenon and released some recordings through various labels. However, I eventually stopped releasing improvised noise sets, as I felt it was impossible to make albums better than my own live performances. I also changed from analog synth to Eurorack and became more interested in playing industrial/beats sets, possibly influenced by the lack of noise gigs during the COVID pandemic”. Trotzdem ist diese frühe Phase nie ganz in die Schublade einer abgeschlossenen Geschichte gerutscht, und so geht sie

mit “Zenjitsutan”, trotz der Kürze der enthaltenen Tracks, auf eine Zeitreise in diesen Abschnitt ihres kreativen Schaffens: “However, I’ve been missing performing noise sets, especially when I see noise gigs in Tokyo where I hang out. So this album was inspired from my experiences of local noise gigs in Tokyo”. Das Album erscheint mit Artwork von Daisy Dickingson, der prasselnde Titeltrack in Hash Noise-Manier ist bereits im Stream zu hören. Zudem ist für September eine Tour in Europa geplant, dazu beizeiten mehr.

Foto: Adi Putra

Seit jeher, vor allem aber in den jüngeren Dekaden, gab es innovative Künstlerinnen und Künstler, die die Strukturen des Noise und noisenaher Musik in neue kreative Bahnen lenkten und mit der Zeit auch die entsprechende Aufmerksamkeit von szeneübergreifenden Medien und Hörergruppen ernteten. Da die größeren Medien sich dabei vor allem auf vermarktbare Acts stürzten und diese entsprechend popularisierten, lies die Kritik und der Hipstervorwurf aus den puristischen Schmollwinkeln nicht lange auf sich warten, und aus dem Munde von unbekannteren, vielleicht übergangeneren Künstlern konnte sich diese Kritik dann zumindest dem Anschein nach eine gewisse moralisch-ästhetische Überlegenheit attestieren. Die Frage, ob Noise im gegenwärtigen Moment museal sein will oder aber die Unbestimmtheit eines lebendigen Prozesses für sich beansprucht, wird vermutlich ganz anders beantwortet werden, je nachdem in welcher Bubble man sich aufhält. Aus einer Totalen betrachtet schien all das zuletzt etwas im Sande zu verlaufen.

Die japanische Noise- und Experimentalmusikerin Yuko Araki, über deren bisherige Soloalben wir bereits berichteten und die nebenbei noch in einer schwer klassifizierbaren 5th World Prog-Band spielt, wird sicher nicht die Welt des gepflegten Lärms komplett vom Kopf auf die Füße stellen, ihr neues Album, recht lakonisch “IV” nummeriert und von einer unprätentiösen Kompaktheit, könnte der Diskussion aber durchaus neuen Stoff geben und das Thema wieder auf die Tagesordnung bringen.

Wenn man in “IV” eines ziemlich schnell lernen kann, dann dass Entgrenzung und Intensität nicht von Plan- und Strukturlosigkeit abhängen müssen, denn vieles erscheint in den sechs Stücken als gut abgemessen und genau am richtigen Platz. Beim eröffnenden “‡Magnetar” gerät die von spannungsgeladenen Pauken vorangetriebe verzerrte Klangkulisse nie überbordend, stets wird ein gewisser Minimalismus gewahrt und doch ändert das nichts an der aus allen Ritzen des Soundmaterials quellenden Infernalik, die Arakis forschen proklamatorischen Vocals, die auch in einen HipHop-Refrain gepasst hätten, zusätzliche Energie verleihen. Manche Stücke, wie das folgende “‡Otiron”, scheinen ihre Kraft aus der ständigen Veränderung zu schöpfen: startet das Stück eher mit einen gewissenen Minimalismus wahrenden gebrochenen Rhythmen und evokativen Rextrezitationen, so kippt das ganze irgendwann in eine Orgie aus quietschenden Sounds, die vielleicht ebenfalls auf verfremdeten Stimmaufnahmen basieren. Gebrochene Rhythmen leiten über in ein zerfranstes Szenario, in welchem das Stück unter mysteriösem Stimmengemurmel seine eigene Implosion feiert.

Nach den von Eispickeltakten und aufwühlendem Gemurmel durchzogenen Reibeflächen von ”‡Damantoid” geht es in “Gravitational Collapse” zunächst in verzerrte Ambient-Gefilde, die einen zu einer von Noisegebruzzel begleitenden Talfahrt einladen. Doch auch hier ereignet sich wieder ein rasanter Szenenwechsel, wenn rhythmische Strukturen und alarmierende Synthiesirenen das Bild auswechseln. Während “†White Petals” mit seiner monumentalen Rauheit und seinen gebrochenen Takten im Midtempo eine starke Spannung und zugleich eine gewisse Aufgeräumtheit wahrt und dabei das Potenzial zu einem dunklen Clubhit hat, ist “†VCR8″ mit seinen trötenden und schmatzenden Retrosounds schon um einiges näher am Kontrollverlust, der sich im finalen “†Sloshing” dann endgültige Entladung verschafft: Vor der Kulisse eines eher flächig psychedelischen Noise presst der zweite Gastvocalist Taichi Nagura von der zahlreiche extreme Musikarten verknüpfenden Band Endon stoßweise seine infernalischen Schmerzensschreie samt Lunge und weiterer Organe heraus. Dass die Stimme dabei kaum an den vorderen Bühnenrand dringt sondern eher zu einem Teil der Lärmkulisse wird, wirkt fast wie ein finales Statement.

Yuko Araki hat mit “IV” etwas geschaffen, das viele immer noch als paradox betrachten, nämlich einen feinsinnig gestalteten Kraftakt von entgrenzter Intensität, bei dem kein überflüssiges klangliches Material verbraten wird und dem es vergönnt sein sollte, von Freunden des Lärms ganz unterschiedlicher Prägung gehört zu werden. Wer diese Musik in unseren Breiten live erleben will, dem sei diese Tour ans Herz gelegt. (U.S.)

Label: Room40

“This might sound a little antithetical, but I am interested in making noise music that is free from unnecessary noise”, so Araki in ihren Liner Notes. “I do realise how this sounds, but it is absolutely at the core of my new recording. I want to create maximum impact and dynamics in the music through using only the essential elements and materials”. Das Album erscheint als CD und zum Download bei Room40, mehr dazu bald auf unseren Seiten. Unmittelbar danach bricht Araki zu einer mehrwöchigen Tour durch sieben europäische Länder auf, mit

Köln, Linz und Biel sind drei Termine im deutschsprachigen Raum geplant. Bei ihrem Auftritt im Brüsseler Botanique teilt sie sich die Bühne mit Attila Csihar und dessen Projekt Void Ov Voices, in Neapel wird Freddy Murphy (ehemals Father Murphy) die Show eröffnen.

Artwork @ T.Pakioufakis und Funeral Cramp

Interview mit Yuko Araki @ African Paper

03/11/2023 IT Roma Klang: Pangea at Hacienda
04/11/2023 IT Napoli La Casaforte w/freddie Murphy
05/11/2023 IT Bologna DEV
7/11/2023 CH Biel/Bienne Atomic Cafè
8/11/2023 CH Geneva Cave 12
10/11/2023 AT Linz Zur Schiassn
12/11/2023 BE Bruxelles Botanique, w/Void ov Voices
14/11/2023 UK Bristol The Exchange
15/11/2023 UK Newcastle The Lubber Fiend
16/11/2023 UK Middlesbrough Python Gallery
17/11/2023 UK Birmingham Centrala w/Telescopes
18/11/2023 UK London Iklectik
19/11/2023 UK Sheffield Bishop’s house
21/11/2023 DK Odense Studenterhuset
22/11/2023 DK Copenhagen Råhuset
24/11/2023 DE Cologne Eigelstein Torburg

28/06 Roskilde Festival – DK
29/06 Fusion Festival – Larz DE
30/06 Hafen 2  – Offenbach DE
01/07 Die Bäckerei – Innsbruck AT
04/07 CAFE WOLF – Graz AT
05/07 Gala Hala – Ljubljana SLO
07/07 Festival de la Cité Lausanne – Lausanne CH
08/07 Le Foudre – Tours FR
10/07 Exchange – Bristol UK
11/07 Hare & Hounds Kings Heath – Birmingham UK
12/07 The Tin Music and Arts  – Coventry UK
13/07 Shacklewell Arms  – London UK
14/07 The Green Door Store – Brighton UK
15/07 Valkhof Festival  – Nijmegen NL
30/07 WOMAD Festival – Swindon UK
02/08 – Kuusamo Epäjohdonmukaisten tanssiaiset / Bal des Incohérents  FI

Foto © Juri Hiensch

Kuunatic @ African Paper 

Artwork © Shoko Yoshida

Auf ihrer EP “Kuurandia” (Eigenvertrieb 2017, Extra Noir 2019) präsentierten sie den Sound und die Stimmung ihres Planeten in einer Momentaufnahme, “Gates of Klüna” dagegen erzählt die Geschichte der jüngsten, von Kaiserinnen beherrschten Ära der kurandischen Geschichte. Das bereits vor zwei Jahren auf der Compilation “Seitō” vertretene “Dewbow”, so heißt es im Booklet, läutet den Morgen einer neuen Ära ein – mit gezupften Seiten, entrückt und kämpferisch zugleich, mit donnernden Drums und Kriegsgesängen. Ob es das “asiatisch” anmutende Seitenspiel ist, die fast anheimelnden Flötenparts oder die immer wieder wechselnden Rhythmen, Kuunatic spielen auch hier wieder gekonnt mit Klischees und verbinden alle Zutaten zum Score eines reißerischen Computerspiels.

Eine neue Kaiserin, die mit magischen Kräften ausgestattete Desert Empress, tritt in den beiden nach ihr benannten Stücken ihre Herrschaft an, begleitet von sirenenhaften Bagpipes. Zischelnde Becken, hämmernde Pauken, aggressive Shouts verdeutlichen, dass es keine faule Zeit ist, kakophonisches Feedback sorgt für Grimm in den “castles in the sun”. Trotzdem herrscht eine Zeit des Friedens und der Ausgelassenheit, die sich in den Tracks “Titián” und “Full Moon Spree” niederschlägt, dessen hexige mittelalterliche Kehrreime an die österreichischen Waver Astaron erinnern. Und immer vermutet man Humor, Schalk und augenzwinkernde übertreibungskunst. Ein Vulkanausbruch bringt Chaos in die Welt von Kuurandia, dem die drei mit heroischen Mantragesängen begegnen, doch finstere Eroberer nutzen die Gunst der Stunde und bringen neue Herausforderungen. Nie ist die Musik so spannungsgeladen wie im zwischen entspannten Gesängen, bedrohlichem Bassgewummer und plötzlichen Freakouts wechselnden “Raven’s War”, doch wie es sich für ein Epos mit drei Superheldinnen gehört, gibt es ein gutes, wenn auch kein kitischiges Ende im heiteren Finale von “Para Bennyá”.

“Gates of Klüna” ist so eingängig und kurzweilig, dass man beim Abtauchen in die fantastische Parallelwelt glatt überhören könnte, wie gehaltvoll es ist, und damit ist sowohl die Musik als auch die Art des Geschichtenerzählens gemeint. Kuunatic verknüpfen die unterschiedlichsten Stilelemente populärer und “folkloristischer” Musik, dass man denken könnte, die in vielen Überblendungen und nach episodischen Brüchen kombinierten Details hätten nie ohne einander existiert. Das darin aufblitzende Sci Fi- und Fantasy-Epos, bei dem die drei Überbringerinnen irgendwie auch Teil der (ebenfalls von Frauen regierten) Kultur sind, präsentiert eine Art “female pressure”, die sich nicht um den launischen Spaß eines Mario Bava-Streifens wie Diabolik bringen lässt. Das alles funktioniert deshalb so gut, weil die drei mit einer liebevollen Respektlosigkeit zu Werke gehen. Jetzt fehlt nur noch die Verfilmung. (U.S.)

Label: Glitterbeat

09.12. im PMK Insbruck, am 14.12. im schweizerischen Dudingen, wo Jason Nazary sowie Stephen O’Malley und Kali Malone mit auf der Bühne stehen werden und am 15.12. in Genf. Nordlichter können die beiden zusammen mit Maria W Horn in Kopenhagen sehen. Die Tour wird organisiert von Swamp Booking, auf deren Social Media sich alles zu den entsprechenden Events findet.

Yuko Araki @ African Paper

Yuko Araki | Daisy Dickinson | Swamp Booking