Bedenkt man, dass And Also The Trees seit Ende der 70er konstant aktiv sind und sich auch in späteren Jahren nie auf vergangenen Lorbeeren ausgeruht haben, zieht man außerdem in Betracht, dass ihre Musik trotz aller stilistischer Bewegungen und Entwicklungen – vom rabiaten Postpunk der ersten Aufnahmen über die “von Melancholie durchzogene, leicht dunkle Rockmusik” der klassischen Alben bis hin zu Ausflügen u.a. in Jazz und Americana – immer einem spürbaren roten Faden folgt, dann kann man bei den “Slow Pulse Boys” um Sänger Simon Huw Jones und Gitarrist Justin Jones durchaus von einer Ausnahmeband sprechen. Die im ländlichen englischen Worcestershire zunächst von zwei Brüderpaaren (neben den Jones-Brüdern waren dies Nick und Graham Havas) gegründeten And Also The Trees sind nicht nur kreative Musiker, die die aus Punk und Wave enrstandenen Genres und ihre Mischformen um eine weniger urbane und von zahlreichen literarischen Referenzen durchzogene Version bereicherten – sie sind in ihren Songs auch großartige Geschichtenerzähler, die den “umherschweifenden Geist von AATT” auf die Reise durch die Zeit schicken, um aufregende Ereignisse an markanten Orten zu erkunden und in poetische Texte zu packen. Um diesen Geist und einiges mehr geht es im folgenden Interview, das wir nach der vergangenen Konzerttour mit Simon und Justin geführt haben.

English Version

Literatur und Poesie hat in eurer Musik in Form von Referenzen immer eine große Rolle gespielt (man denke nur an die Bezüge zu William Cowper oder Robert Burns). Welche Literatur lest ihr zur Zeit? Gibt es Autoren, von denen ihr sagen würdet, dass sie eng mit eurer Musik verbunden sind?

SHJ – Es ist mehr Literatur als Poesie, obwohl ich mich in der Zeit, als wir Cowper zitierten, eher von einzelnen Gedichtzeilen als von ganzen Gedichten inspirieren ließ. Als Lyriker verdanke ich Romanautoren und gelegentlich auch Sachbuchautoren aus allen Epochen sehr viel. Im Moment lese ich Jim Harrison und seit einiger Zeit auch zeitgenössische Romane… Sebastian Barry, Claire Keegan, Colm Toibin, gelegentlich auch Tschechow, Hemingway, Hardy. Ich bin vorsichtig bei dem, was ich lese, denn ich lasse mich von der allgemeinen Stimmung der Lektüre inspirieren, also gibt es keine bestimmten Autoren, die mit unserer Musik in Verbindung stehen – es sind eher alle. Sie sind meine persönlichen Helden.

Eure Musik wird oft als nostalgisch beschrieben und mit Epochen wie der Klassik und der Romantik in Verbindung gebracht, viele Referenzen, das Artwork und die Atmosphäre der Musik deuten ebenfalls darauf hin. Was genau schöpft ihr aus der Beschäftigung mit vergangenen Zeiten?

SHJ – Ich würde sagen, diese Bezüge beziehen sich vor allem auf unsere Alben vor Mitte der 90er Jahre, als wir viel von unserer ländlichen Herkunft und unserem Standort mitnahmen und dessen Vergangenheit erforschten. Das war eine sehr aufregende Zeit für uns, weil wir viele Dinge gleichzeitig entdeckten – wir sahen unsere Umgebung auf eine andere, aufmerksame Art und Weise, wir entdeckten eine Menge Kunst, einschließlich der präraffaelitischen Maler, von denen es viele gute Beispiele in der Kunstgalerie von Birmingham gab, das unsere nächste Großstadt war, und wir begannen, Jazz und klassische Musik zu verstehen und zu schätzen und die Literatur des 19. Jahrhunderts zu lesen.

Diese Entdeckungen werden normalerweise nicht mit Rockmusik in Verbindung gebracht, so dass wir gegen den Strom schwammen, was für viele Kritiker, insbesondere englische, schwer zu verkraften war. Aber das machte es für uns aufregender, und es gab uns Energie. Die Art und Weise, wie wir uns kleideten, hatte auch etwas damit zu tun – das war eigentlich das Ergebnis davon, dass wir unsere Kleidung auf Flohmärkten und in Wohltätigkeitsläden kaufen mussten, weil wir so wenig Geld hatten, aber es war ein starkes Image und einzigartig für uns zu dieser Zeit, und es öffnete die Tür zu diesen Verbindungen zur Romantik und zum Klassizismus.

Seit dieser Zeit haben wir uns der Gegenwart zugewandt – aber dieses Vor- und Zurückdriften in der Zeit ist Teil unseres Ansatzes und wir tun es nach Belieben – manchmal innerhalb der Grenzen eines einzigen Songs.

Man könnte sagen, dass es in der Musik und den Texten von And Also The Trees eine Art Übersetzung historischer Inspirationen in den Code unserer Zeit gibt. Falls ihr dem zustimmt, ist diese Übersetzung etwas, das ihr bewusst macht, oder geschieht es eher automatisch?

SHJ … genau, gut ausgedrückt. Es ist meistens eine instinktive Sache. Manchmal bringe ich absichtlich Modernität in einen Text ein … wie Autowracks oder flimmernde Fernsehbildschirme, um den Geist, das Lied, dorthin zurückzubringen, wo wir jetzt sind, aber meistens kommt es von selbst. Schließlich sind die meisten unserer beeindruckendsten Emotionen nicht gerade neu in der Welt.

Reizt euch die Vorstellung, in einer anderen historischen Zeit zu leben?

JJ: Ich glaube, die meisten Menschen würden gerne in der Zeit herumspringen. Ich habe kürzlich wieder HG Wells’ Roman Die Zeitmaschine gelesen, und es ist faszinierend und ein wenig beunruhigend, was aus uns wird.

Wenn ihr einen roten Faden finden würdet, der sich durch alle eure Alben zieht, von eurem selbstbetitelten Debüt bis zu “The Bone Carver”, welcher wäre das?

JJ: Das ist eine gute Frage, aber für mich ziemlich schwer zu beantworten. Während das erste Album eine Sammlung von Songs war, die von Teenagern geschrieben wurden, nehme ich an, dass man sehen/hören kann, wie sich ein lyrischer Stil bildet, der (hoffentlich) mit den musikalischen Ideen übereinstimmt. Die Besetzung der Band hat sich seit den Anfängen einige Male geändert, ich habe 10 verschiedene Versionen von AATT in unserer Geschichte gezählt. Es sind Simon und ich, die der konstante Kern geblieben sind, also kannst du das wahrscheinlich hören.

In letzter Zeit gab es einige Bücher über (die Geschichte des) Gothic. Habt ihr das Gefühl, dass es in irgendeiner Weise Gemeinsamkeiten zwischen eurer Musik und Bands gibt, die (fälschlicherweise) als “Gothic” bezeichnet werden?

JJ: Post Punk ist eine viel genauere Beschreibung dessen, woher AATT kam, ich mag den Begriff “Goth” nicht wirklich. Ich erinnere mich, dass ich ihn 1984/85 zum ersten Mal hörte und dachte, er hätte keine Relevanz für AATT. Vielleicht ist es “Haarspalterei” zu sagen, dass es eine Überschneidung mit “Gothic” gab, da sich das auf die Literaturbewegung des 19. Jahrhunderts zu beziehen schien, mit der AATT meines Wissens nach in Verbindung gebracht wird.

Ich glaube, dass AATT in Lol Tolhursts Buch (mit dem Titel “Goth”) einen Auftritt haben werden. Ich habe ein kurzes Interview mit Lol für sein neues Buch gemacht, wusste damals aber noch nicht, wie das Buch später heißen würde… Es ist ziemlich lustig, weil es ein paar Bands gibt, die eigentlich ziemlich weit weg von diesem Genre sind, die aber sehr gerne auf den Zug aufspringen, vielleicht weil es in letzter Zeit in Mode gekommen ist…

Es gab eine Zeit, in der ihr einige Alben aufgenommen habt, die enger mit (einer bestimmten Periode in der Geschichte) der USA verbunden waren. Könnt ihr ein paar Worte dazu sagen, wie es dazu kam, und würdet ihr sagen, dass es eine Art schrittweise Entwicklung war?

SHJ – Es geschah erst allmählich, dann plötzlich… wenn das Sinn macht. Was wir als den “umherstreifenden Geist von AATT” betrachteten, tendierte mit Songs wie ‘Red Valentino’ und ‘Sickness divine’ zu einer moderneren, urbanen Welt, dann wagten wir… oder besser gesagt Justin, mit ‘Angelfish’ den Sprung, und angeführt von der Veränderung seines Gitarrensounds hin zu einem twangigen, 50er-Jahre-beeinflussten Stil, bewegten wir uns in eine Art phantasierte, Americana-beeinflusste, Jazz-Welt… und versuchten, irgendwie mit dem in Kontakt zu bleiben, wer und was wir immer waren. Es war ein allgemein erfolgreicher Versuch, unser pastorales, romantisches Image hinter uns zu lassen. Wir hatten das Gefühl, zu sehr in eine Schublade gesteckt worden zu sein, und wollten uns davon befreien. Natürlich gefiel das nicht allen unseren Fans, denn der Grund, warum sie uns folgten, war, dass sie uns so mochten, wie wir waren… aber wir wollten kreativ bleiben.

Reale oder fiktive Orte spielen in euren Texten immer eine große Rolle, von Landschaften bis zu bestimmten Adressen. Zusammen mit der Stimmung der Musik kann dann schnell die Idee einer imaginären Filmszene entstehen. Ist ein solcher Effekt beabsichtigt und könnt ihr euch eure Musik in einem filmischen Kontext vorstellen?

JJ : Als ich jünger war, wollte ich Filmkomponist werden. Das hat sich aus vielen offensichtlichen Gründen nicht ergeben, aber es scheint ein Teil des Gerüsts der AATT-Musik zu sein.

Als ich aufwuchs, war ich am meisten von Filmmusik oder TV-Musik dieser Zeit, der späten 60er und frühen 70er Jahre, bewegt.

Simon schreibt (Texte) auf eine bestimmte Art und Weise, die sich für einen “Soundtrack”-Ansatz anbietet. Mit den aktuellen Musikern von AATT funktioniert das sehr gut. Wir schreiben nicht so oft konventionelle ‘Songs’, weil ich darin nicht so gut bin. Unser Stil scheint also eher einen ungewöhnlichen Weg zu gehen. Wir sind ziemlich ‘visuell’, und so sehe ich jedes Werk als einen Minifilm an. Ich kann mir nicht vorstellen, über 200 Songs zu schreiben, die im ‘Pop’-Modus sind, das wäre die Hölle.

Inwieweit prägen eure Erfahrungen auf Tournee und das Feedback des Publikums eure musikalische Entwicklung?

SHJ – Tourneen sind eine große Lebenserfahrung für uns und haben uns zu dem gemacht, was wir heute sind, sowohl musikalisch als auch menschlich. Die positive Reaktion des Publikums ist auch wichtig, weil es zeigt, dass wir mit den Leuten in Kontakt kommen – was ein großer Teil dessen ist, worum es beim Musikmachen und -spielen geht.

Ihr habt in verschiedenen Ländern gespielt, unter anderem in Japan, und eine der treuesten Fangemeinden gibt es wahrscheinlich in Griechenland. Wie unterschiedlich sind die Erfahrungen in den verschiedenen Ländern?

JJ: Natürlich ist es anders. Aber nicht so unterschiedlich, wie Sie vielleicht denken. Es gibt einige kulturelle Nuancen, wie man erwarten würde. Aber abgesehen von einigen Teilen Italiens, wo die Leute die ganze Zeit reden, scheint unser Publikum überall auf der Welt fasziniert zu sein. Wir haben Glück, dass wir diese Verbindung zu den Menschen haben. Das kann sehr bewegend sein.

Welche Kriterien habt ihr, wenn es darum geht, ältere Stücke für Konzerte auszuwählen?

SHJ – Wir müssen immer noch die Energie der Songs spüren und verstehen – egal, ob es die ursprüngliche Energie ist oder eine, die sich entwickelt hat, und auf praktischer Ebene beurteilen wir, ob es ein Song ist, den unser Publikum besonders mag und ob wir ihn gut genug spielen können, um ihm gerecht zu werden. Nicht alle Songs funktionieren auf der Bühne, was frustrierend sein kann.

Bei eurem Konzert in Köln fragtet ihr das Publikum, ob jemand da ist, der euch noch nicht gesehen hat, und dann habt ihr “Virus Meadow” mit den Worten eingeleitet: “Das ist für euch.” Würdet ihr sagen, dass dies eine Art Signature Song für euch ist?

SHJ – Ich habe das auf der letzten Tournee ein paar Mal gesagt, um zu sehen, wie hoch der Prozentsatz derer ist, die uns zum ersten Mal sehen. Der Anteil war nicht sehr hoch, aber es waren immer welche da. Und ich nehme an, man könnte “Virus Meadow” als eine Art Erkennungsmelodie bezeichnen, es ist das Stück, das mich am meisten an das kleine Dorf erinnert, in dem wir aufgewachsen sind und die Band gegründet haben – wir haben es jetzt hunderte Male gespielt und es ist ein gutes Gefühl zu wissen, dass es einige im Publikum gibt, die es zum ersten Mal live hören.

Kommt es manchmal vor, dass ihr euch von einem bestimmten Punkt an mit dem einen oder anderen Song nicht mehr identifizieren könnt?

SHJ – Überraschenderweise nicht so oft… vielleicht, weil so wenige unserer Songs textlich direkt mit persönlichen Erfahrungen verbunden sind und nicht speziell aus einer jugendlichen Quelle stammen.

Wenn ihr ein bestimmtes Album jemandem empfehlen solltet, der eure Musik gerade erst kennenlernt, welches würde es sein?

JJ: Es wäre wahrscheinlich “The Bone Carver”. Ich denke, der Weg zurück ist recht interessant, mit einigen merkwürdigen Entscheidungen, die auf diesem Weg getroffen wurden.

Im Laufe der Jahre habt ihr zwei Alben mit akustischen Interpretationen einiger eurer Songs veröffentlicht. Könntet ihr euch vorstellen, ein rein akustisches Album mit komplett neuen Songs aufzunehmen?

JJ: Zu diesem Zeitpunkt konnte ich mir nicht vorstellen, dass wir an einem neuen “akustischen” Projekt arbeiten würden. Das war ein Kapitel in unserer Existenz, das wir meiner Meinung nach hinter uns gelassen haben, zumindest im Moment. Wenn ich auf diese akustischen Aufnahmen zurückblicke, bin ich mir nicht sicher, wie erfolgreich sie “künstlerisch” waren. Es war ein gutes Projekt, das im Wesentlichen ein Live-Erlebnis für die Bühne war oder wo auch immer wir auftraten. Einige dieser Shows gehören zu den aufregendsten Veranstaltungen, die ich je gemacht habe. Aber die Aufnahmen … da bin ich mir nicht so sicher.

Was seitdem passiert ist, ist, dass wir die ‘Brothers of the trees’-Shows kreiert haben, die in ihrer Herangehensweise elektrisch sind und ein starkes Element der Improvisation enthalten. Zu Beginn nannten wir sie ‘Brothers of the Trees’, da nur Simon und ich auftraten. Seitdem hat sich die Gruppe manchmal erweitert und manchmal verkleinert, je nach Veranstaltung oder Bühne/Lokal. Diese Shows waren meist verschiedene Versionen von bestehendem AATT-Material, das auf neue Weise gespielt wurde. Nachdem wir eine Reihe dieser Aufführungen gemacht hatten, dachten wir, es wäre eine gute Übung, neue Werke zu schaffen. Dies ist also ein aktuelles Projekt, das parallel zu anderen Projekten läuft, und eines Tages werden wir ein Album mit neuem Material schreiben, aufnehmen und veröffentlichen, das auf diese Weise gespielt wird, unter dem Namen And Also The Trees, aber mit dem Hinweis, dass es von oder in der Denkweise der Brüder ist.

Nachdem es euch nun schon seit Jahrzehnten gibt, schafft ihr es immer noch, neues Material zu schreiben, aufzunehmen und zu veröffentlichen, während andere Bands einfach nur ihre alten Songs wieder und wieder spielen. Wie entstehen eure Songs normalerweise? Entwickelt ihr sie manchmal gemeinsam, oder ist es eher so, dass, nur weil ihr an verschiedenen Orten lebt, einer eine Idee hat und die anderen darauf reagieren?

SHJ – Justin beginnt alles mit einer Gitarrenidee und der Rest von uns arbeitet darum herum. Ich glaube, die Aufnahme von “Further from the truth” im Jahr 2003 war wie ein Neuanfang für uns, und wir haben darauf aufgebaut, mit dem, was wir in den vergangenen Jahrzehnten gelernt hatten. Wir lernen ständig dazu.

Habt ihr öfter mal daran gedacht, in einem ganz anderen Medium als der Musik zu arbeiten?

SHJ – Ich persönlich bin Fotograf, ein ehemaliger Profi aus der Zeit vor der Digitalisierung, und ich arbeite weiterhin… drucken, entwickeln… auf die alte analoge Weise. Justin arbeitet im Filmbereich und Paul ist auch ein bildender Künstler… wir sind also schon in verschiedenen Bereichen tätig. Wir sagen oft, dass wir eher wie Künstler sind, die Musik machen, als Musiker, die Kunst machen.

Das klingt vielleicht etwas profan, aber habt ihr das Gefühl, dass ihr mit eurer Art zu touren und Platten zu veröffentlichen (auf eurem eigenen Label) einen Weg gefunden habt, in der veränderten Musikindustrie zu überleben?

JJ: Das ist ein sehr ausführliches Thema, das ein ganzes Interview füllen könnte. Aber kurz gesagt: Wir sind seit vielen, vielen Jahren auf dem Weg in die Unabhängigkeit. Es gibt gute Labels und – sagen wir mal – nicht so gute Labels. Es erschien mir logisch, dass “die Band” die Kontrolle über AATT haben muss, um zu überleben. Auch ohne die peripheren Kräfte scheint es immer wieder neue “Herausforderungen” zu geben. Wir haben das noch nicht ganz hinbekommen, aber zumindest sind wir noch da und leben, um an einem anderen Tag zu kämpfen.

Kennt ihr die folkige Version von “Jacob Fleet” von Birch Book und wie gefällt euch die Idee, eure Musik in ein folkiges Gewand zu übersetzen?

SHJ – Nein, das kenne ich nicht. Ich würde es als Kompliment betrachten.

Interview: M.G. und U.S.

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