“Along the way, there are piano-led melodic swells, a couple of surprisingly serrated edges and sparingly used percussion veering between the bombastic and more emotionally charged. Between each of the compositions, there’s an overarching sense of sadness or resignation while carefully woven refrains point to the simple beauty one derives from staring at a night sky or the sun’s rise or setting over a serene sea apparently untouched by man. Sophisticated yet unostentatious, this is music that’s bold, minimal and utterly deserving of the attention of the film that will doubtlessly play out in your head as you lock yourself in to everything it promises. While we await the day when Michael’s work is hopefully accorded the recognition of the cinematic treatment it deserves, we can at least satisfy ourselves with everything he is producing along the way” (Fourth Dimension). Cashmore selbst bezeichnet “The Ninth Circle Beyond the Sun” als sein bislang wichtigstes Werk. Es erscheint als CD, die Edition ist auf 300 Exemplare limitiert.

@ Fourth Dimension 

„Until The End Of Vibration“ ist, was schon an der Form liegt, etwas anders als die oben angesprochenen Arbeiten ausgerichtet, weist aber dennoch eine gewisse Verwandtschaft auf. Cashmore will das aus insgesamt (bezeichnenderweise) 23 kurzen Stücken bestehende Album als „one piece“ verstehen, das Label Lumberton Trading Company spricht von „vignettes“, von einem „soundtrack to a drama seeped in melancholy “. Letztlich spiegelt das Album verschiedene Facetten des musikalischen Schaffens Cashmores wider. Prinzipiell ist sicher insbesondere das frühere Werk des Briten durchzogen von einer melancholischen Grundstimmung, von diesem „angeschwärzte[n] Gefühl“ (U. Horstmann), wenngleich die späten Alben auch vor dem Hintergrund von Cashmores Selbstheilungsversuchen mit „divine audio frequencies“ doch oft etwas “positiver” klingen; insofern mag ein Titel wie „Escaping Negativity“ (auf “Until The End Of Vibration”) durchaus programmatisch zu lesen sein. Cashmore war schon immer interessiert an konzeptionell dichten Veröffentlichungen. Man schaue sich etwa diese eher obskure Veröffentlichung aus dem Jahr 1987 an.

Der Opener „The Eternal Universal Vibration“ eröffnet das Album mit sphärisch-elektronischen, leicht bombastischen Momenten, „The Sacred Swallow Is Born Bathed In Sacred Sunlight“ ist ein aus mehreren Teilen bestehendes Stück, auf dem minimalistische Pianopassagen und elektronische Streicher überraschend mit einer wuchtigen E-Gitarre und Schlagzeug kombiniert werden. Eine Reihe Stücke ergänzen das dezente Klavierspiel Cashmores mit Streicherpassagen (wie etwa „To Journey Home Infinitely“; „Through The Mystery Of Miracles“ ist ein besonders gelungen-ergreifendes Beispiel). Stücke wie „In Which We All Will Be Found And Lost“, „As We Return Home Once More“, „Immortal, Innocent And Free“ oder „We Shall All Feel The Warm Grass Under Our Childhood Feet Once Again“ erinnern dann mit ihrem zurückhaltenden Klavierspiel und den Geigen auch auf Cashmores in unvollständiger Form  veröffentlichtes Nature And Organisation-Album „Death In A Snow Leopard Winter“ oder aber, wenn man Anknüpfungspunkte der letzten Zeit sucht, an “The Sword Becomes A Shield”. Dagegen sind  das die Schildmetaphorik gereade erwähnter Symphonie aufgreifende „The Creation Of The Diamond Shield Made From Swords“, „As Both Brutality And Breauty“ oder das von pulsierenden Beats durchzogene „Energy Fills Me As My Body Drops Through Infinite Skies“ viel offensichtlicher elektronisch und von einer positiveren Grundstimmung.

Die Titel der instrumentalen Stücke kreieren eine Welt, in dem man mit „Energie“ gefüllt ist, man von der „illusion of time“ befreit wird und sich mit dem „Eternal mystery of miracles“ konfrontiert sieht. Das klingt manchmal schon arg nach New Age (“Suffering Is The Essential Path to Divine Love” könnte sich auch als Titel der in Legionen existierenden Ratgebern finden), aber man kann als Hörender sicher dieses Album goutieren ohne diese Ideen vollends zu teilen. (MG)

Label: Lumberton Trading Company

Trotz dieser räumlichen Trennung entstand ein Werk von intensiver atmosphärischer Geschlossenheit. Almonds langjährige Auseinandersetzung mit der Ästhetik der Dekadenz, die sich bereits mehrfach in früheren Werken zeigte, findet auf “Feasting With Panthers” eine konsequente Fortführung. Der Bezug zu Stenbock, einem im viktorianschien London lebenden Dichter mit Hang zu Okkultismus, Alkohol und inszenierter Exzentrik, entstand durch David Tibet (Current 93), der Almond mit dessen Werk bekannt machte. Als erstes hatten Almond und Cashmore mit der EP “Gabriel and the Lunatic Lover” erste Stenbock-Vertonungen veröffentlicht, die den Grundstein für dieses Album legten. Mit der neuen Edition erscheint “Feasting With Panthers” erstmals auf Vinyl und enthält neben einer Variante des Original-Artworks auch vier Bonus-Tracks: zwei neu orchestrierte Instrumentalversionen von “Gabriel” und “The Man Condemned to Death” sowie zwei offizielle Live-Bootleg-Aufnahmen. Die Wiederveröffentlichung bringt ein mittlerweile länger vergriffenes Album zurück in den Katalog und unterstreicht seinen besonderen Platz in der gerade für Almond wichtigen diskografischen Schnittmenge von Kunstlied, Dark Folk und dekadenter Lyrik. Marc Almond hat vor einigen Monaten ein weiteres furioses Album mit Coverversionen einiger seiner Lieblingssongs des 20. Jahrhunderts herausgebracht, von Michael Cashmore erschien eine erweiterte Neuauflage seines Albums “The Snow Abides” unter Mitwirkung u.a. von Anohni und David Tibet.

@ Cherry Red

Er selbst reaktivierte Nature And Organisation mit dem 1995 erschienenen Album „Beauty Reaps The Blood Of Solitude“, eingespielt mit zahlreichen Personen aus dem World Serpent-Umfeld und sicher eines der besten Apocalyptic Folk-Alben aller Zeiten. Als dann 1998 der Nachfolger „Death In A Snow Leopard Winter“ erschien, zeigte sich allerdings etwas, das bedingt symptomatisch für die dann folgenden Jahre sein sollte. Das Album wurde in einer unvollständigen, instrumentalen Version mit Klavier- und Streicherparts veröffentlicht (die geplanten Bläser- und Gesangsbeiträge fehlten). „I had to abandon work on this album for various personal reasons“, konnte man in den Linernotes lesen. Sein einige Jahre später unter eigenem Namen veröffentlichtes Album „Sleep England“, eingespielt mit E-Gitarre und Bass, war in seinem Understatement durchaus sympathisch, wirkte aber verglichen mit dem grandiosen Fingerpicking, das sich etwa auf einem Current 93-Album wie „Of Ruine Or Some Blazing Starre“ fand, etwas unspektakulär.

Cashmore arbeitete in all den Jahren immer wieder mit anderen Musikern zusammen (u.a. mit Marc Almond auf „Feasting With Panthers”). In den letzten Jahren war er als Solokünstler wieder aktiv(er), wenn auch mit anderer, oftmals elektronischerer Ausrichtung (etwa hier) und seinem gedanklichen Überbau The Hidden Throne, den er in dem Buch mit dem bezeichnenden Titel „Transformation Through Love“ darlegte. Im Vorwort schrieb David Tibet, es handele sich bei diesem Buch um „a journal of a journey out of Michael’s sadness and suffering and darkness to a new vision of his inner and outer worlds“.

Die Aufnahmen zu „The Snow Abides“ entstanden weitgehend in den Jahren 1999-2001. Das Konzept des Albums war/ist durchaus interessant: Anohni (damals noch Antony) sang von David Tibet geschriebene Texte, Tibet selbst rezitierte Texte von Cashmore. Erst 2006 erschien als „The Snow Abides“ auf Durtro Jnana ein Teil der Aufnahmen: zwei Instrumentaltracks sowie die drei von Anohni gesungenen Stücke. Cashmore schreibt in den Linernotes der nun unter dem Titel „The Snow Abides Completely“  mit Artwork von Kathy Aponi versammelten vollständigen Aufnahmen, er habe während der Kompositionen unter schweren Depressionen gelitten, aus mangelndem Selbstwertgefühl seien ihm seine Texte peinlich gewesen und daher habe er die Aufnahmen nicht veröffentlichen wollen, erst jetzt fühle er sich dazu in der Lage – was sehr gut ist, denn die hier zu hörende Musik gehört sicher mit zum Stärksten, das der seit Jahren in Berlin lebende Cashmore bisher veröffentlicht hat.

Das Album wird eröffnet mit dem von getragenen Streicherpassagen (Cello, Geige, Bratsche) dominierten instrumentalen „My Eyes Open“, auf dem eine sanft melancholische Stimmung erzeugt wird, die auf dem gesamten Album dominiert. „As The Sun Disappears Into Water“ beginnt mit einer langen instrumentalen Passage – das dezente Pianospiel Cashmores wird von Streichern begleitet –, bevor Tibets Stimme rezitierend einsetzt. Am Ende hört man „the silence/alone/the silence“. Das kurze „I Cradle Future Graves In My Innocent Hands“ erinnert, wie auch einige der weiteren Stücke, etwas an „Soft Black Stars“  oder auch oben erwähntes „Death In A Snow Leopard Winter“. Der Titel „And All I Understand Is Nothing“ illustriert vielleicht die Stimmung, in der Cashmore damals war („final emptiness“). Diese Stimmung wird auf „You Knew I Could Never Hold On“ mit der Reduktion auf Piano und Text fortgeführt, wenn Tibet vom „Slowly animated cycle of dying“ spricht. Auf „For The Sun Is My Shield Eternally“ kommt eine traurige Flöte dazu. Die dritte Seite des Doppelalbums beginnt mit dem instrumentalen „Before The Light Has Gone“, auf dem das Piano von dramatischen Streichern begleitet wird. Das Titelstück ist ein perfektes Zusammenspiel von Klavier, Streichern und Anohnis Gesang. Wenn sie singt „My heart arose – ecstatic butterfly“, dann möchte man begeistert zustimmen, denn was man als Hörer empfindet, kommt dem sicher nahe. Auch „How God Moved At Twilight“ und „Your Eyes Close“ sind ähnlich starke Songs. Nach Anohnis letzten Worten “I look at my hands/And count the Sun/Making another scar across my sky/And I Close my eyes” kommt noch das Instrumental “Snow No Longer” sowie das mit Bill Fay aufgenommene Stück “My Eyes Open Into Eternal Sunlight Forever”, das zum Rest der Aufnahmen passt.

Das ist teilweise todtraurige Kammermusik mit Momenten des Sublimen und Erhabenen und vielleicht eine der besten (Wieder-)Veröffentlichungen des Jahres 2024. (MG)

Label: Svart Records

Das Material erscheint auf Doppelvinyl in verschiedenen Fassungen.

Side I

1. My Eyes Open

2. As The Sun Disappears Into Water

3. I Cradle Future Graves In My Innocent Arms

Side II

1. And All I Understand Is Nothing

2. You Knew I Could Never Hold On

3. For The Sun Is My Golden Shield Eternally

Side III

1. Before The Light Has Gone

2. The Snow Abides

3. How God Moved At Twilight

Side IV

1. Your Eyes Close

2. Snow No Longer

3. My Eyes Open Into The Eternal Sunlight Forever

@ Svart Records

@ Temporal Boundary Press

In den vergangenen Jahren, spätestens nach seinen verschiedenen Exkursionen in elektronische Musik, wurde es immer schwieriger, Cashmores Arbeit auf greifbare Stilelemente festzulegen. Mit dem vor kurzem digital erschienenen Album “The Sword Becomes A Shield” hat er sein erstes symphonisch aufgebautes Werk produziert, das er – nicht untypisch für seine Affinität zu sorgsamer Puzzlearbeit, aber sicher auch, um den finanziellen und organisatorischen Aufwand der Arbeit mit einem eigenen Orchester zu umgehen – aus eigenen Instrumentalbeiträgen und gut ausgewählten Zitaten von Archivmusik zusammengebaut hat. Damit liegt nun gewissermaßen ein neues Kapitel von Cashmores Musik vor, gleichsam ist dieses Album das erste seit längerer Zeit, das deutlicher an frühere Arbeiten anknüpft.

Ein kindliches Glockenspiel und eine nachdenklich pastorale Weise auf dem Piano eröffnen die Musik, die sich schon bald im Raum ausdehnt und diesen mit orchestralen Klängen ausfüllt, die die von Beginn an spürbare Besinnlichkeit in etwas trostreiches verwandeln. Das liebliche Glockenbimmeln scheint von Beginn an einer Art Leitmotiv der Musik zu sein und reicht weit zurück in den Erinnerungsfundus von Cashmores Arbeiten, es weckt kleine Deja-vus an seine Kompositionen für Current 93-Alben wie “Of Ruin Or Some Blazing Starre”. Der gut zwölfminütige Opener “Withdraw The Sword Of Mirrors I” ist kein Stück zum nebenbei hören, wenn man den Faden zwischen den unterschiedlichen Abschnitten – besänftigende Streicherparts, die kurzzeitig die Bühne ganz für sich haben, dann tieftönende, ernste, fragende Passagen von einer gewissen Wucht – nicht verlieren will und das Spiel mit Illusionen – wird der Sound mit der Zeit immer voller und breiter oder scheint es nur so? – mitspielen will.

Im Verlauf der Stücke scheinen neben dem Grundgerüst aus Piano, Streichern und Bläsern sowie dezenter Perkussion auch passagenweise Elektronik und – ohne Gewähr – der Klang von Idiophonen seinen Raum zu haben. Viele der damit erzeugten leitmotivischen Details kehren in vertrauter Regelmäßigkeit wieder, bisweilen deutlich, manchmal aber auch subtil in neue Strukturen eingebaut. Auch stimmungsmäßig wird ein gewisser Grundton durch alle vier Tracks hindurch gewahrt, auch dann, wenn zwischendrin eine unterschwellige Heiterkeit, ein Optimismus unter den ernsten Dingen, anklingen darf. Oder in den dramatischen Momenten, in denen wilde Pauken donnern, als ob jetzt noch einmal Gefahr lauere, bevor auch sie wieder wie alles andere in den friedvollen Fluss integriert werden.

Man kann das Album natürlich nicht ohne seinen inhaltlichen Überbau betrachten, gleichwohl die Formel von den Schwertern und den Schilden, die lediglich in den Titeln des Albums (und variiert in drei der vier rein instrumental gehaltenen Tracks) vorkommt, recht offen und andeutungshaft gehalten ist. Eine biblische Assoziationen weckende Bildlichkeit des Schutzes, der Absage an Gewalt (“It’s Blade Could Never Harm You”) und, auch wenn dies zugegebenermaßen eine recht spekulative Deutung ist, Narzissmus (das schon erwähnte “Withdraw The Sword Of Mirrors I”) klingt an und entfaltet mit der sanft-melancholischen Musik eine friedvolle und freundliche Atmosphäre. Und alles scheint in das Licht einer frohen und zugleich endzeitlichen Erwartung getaucht – “Until The Final Dawn” heißt ein weiteres Stück, dessen unterschwellige Inbrunst etwas kraftvolles in die wehmütigen Streicher- und Bläserparts bringt.

Ob diese Arbeit ihrem Untertitel gemäß eine Fortsetzung haben wird, steht vermutlich noch in den Sternen. In umgekehrter Richtung der Zeitachse knüpft das Album wie schon erwähnt an Vertrautes aus gerade den Phasen von Cashmores Diskografie an, die sicher einige als seine “klassische” Zeit ansehen – man denke z.B an das “Snow Leopard Winter”- Album von Nature and Organisation oder an einige Instrumentalparts der EP “The Snow Abides”. Von dieser bislang fragmentarischen Veröffentlichung ist für die nähere Zukunft eine vollständige Version geplant, und neben einigen anderen Qualitäten macht das vorliegende Album auch darauf gespannt. (U.S.)

Label: House of Mythology

Anders als heute, nachdem man sich wieder mehr an häufige Stilwechsel gewöhnt hat, konnte “Soft Black Stars”, auch wenn die kurz zuvor erschienene EP “A Gothic Love Song” den Sound des Albums bereits in gebotener Kürze ankündigte, überraschen: Das Gros der Songs basierte auf einem minimalen Gerüst aus von Maja Elliott und Michael Cashmore eingespielten Klavierparts und Tibets Textvortrag, der oft nur ein leicht melodisch eingefärbter Sprechgesang war, der an Downtempo-Reduziertheit die ebenfalls stark rezitativen Stücke der “Of Ruin or Some Blazing Starre” noch um Längen übertraf: “Soft Black Stars” war eine Platte zum Runterkommen und strahlte vom ersten bis zum letzten Ton die Aura einer schwermütigen, aber auch deutlich friedvollen Besinnung aus.

Ähnlich wie die Songs untereinander, die durch wiederkehrende Motive und Stimmungsnuancen zu einer organischen Einheit verwoben schienen, wirkten auch Musik und Texte wie für einander geschaffen und schienen einem kohärenten Stimmungsbild zu entsprechen. Die koboldhafte Exaltiertheit, mit der Tibets Gesang immer mal die Grenzen des Bizarren überschritt, hatte hier keinen Platz, und jedes Drängen, jede Begierlichkeit, die in früheren Arbeiten den eschatologischen Grundtenor mitgeprägt hatten, waren aus den Lyrics und ihrer Darbietung verschwunden, die hier wie wehmütige Bekenntnisse eines Menschen klangen, der seinen Frieden gemacht hat: mit den angsterfüllten religiösen Ahnungen seines früheren Selbst (so in “Moonlight, or Other Dreams, or Other Fields”), mit der Substanzlosigkeit, die Zuneigung im Rahmen subkultureller Klischees annehmen kann (in “A Gothic Love Song”), v.a. aber mit dem immer noch nagenden Verlust nahestehender Menschen (in “Larkspur and Lazarus”, “Mockingbird”, The Signs in the Stars” und dem von besonderer Trauer durchdrungenen “It’s Time, Only Time”, bei dem für kurze Augenblicke die Violine Peter Vastls zu hören ist). Als eine Art Gegenstück zu diesen Bürden der Erinnerung mag man die (romantische) Utopie betrachten, die im Titelsong anklingt: im kindlich-vorsymbolischen Urzustand (“Deliver them from the book / And the letter / And the Word / And let them read the silence”) und in der Hoffnung auf einen Ort, an dem man sich wiedersieht, und an dem die sanften schwarzen Sterne scheinen.

All dies scheint eingetaucht in das Gefühl einer freundlichen Abgeklärtheit und etwas, das sich wie der Wunsch nach Neuerfindung anfühlt. “If I could have one wish / As in the fairy tales / I would unmake my past / And rise like Lazarus / And stand in sunlight / And banish all the dark” heist es in “Larkspur and Lazarus”, “And so I put away / All talk of death’s heads / And a little glimpse is a bloodblossomed force / And all talk of apocalypse” später in “Moonlight”, und auch wenn diese Stellen primär im Kontext der jeweiligen Songs Bedeutung haben, passen sie doch auch zu der Atmosphäre von Besinnung und selbstreflexiver Rückschau, die sich im Kleinen schon seit der “Tamlin”-EP ankündigte, aber hier erstmals zu einer zentralen Eigenschaft wurden. Dass Current 93 sich damals Current Ninety Three schrieben, mag all dies symbolisch unterstreichen, mehr noch, dass Tibet zwar nicht erstmals, aber erstmals im größeren Stil das Artwork mit eigenen Bildern schmückte. Und auch wenn man das als Trivia abtut: Current 93 wurden fortan überwiegend von denjenigen Dark Folk-Fans gehört, die wenig Interesse an einem verengten Szenedasein hatten, später dann vermehrt auch von Hörern mit den unterschiedlichsten Hintergründen.

Folkreferenzen gibt es durchaus, “Antichrist und Barcodes” und “Moonlight” basieren von der Melodie her auf dem Traditional “The Rolling of the Stones”, “Mockingbird” und “The Signs in the Stars” auf “O Willow Waly”, den man aus dem Film The Innocents (1961) kennt. Der Titelsong wiederum, der auch durch ein Antony and the Johnsons-Cover bekannt wurde, adaptiert den Renaissance-Klassiker “Une Jeune Fillette” von Jehan Chardavoine, und im in seiner Abgeklärtheit erschütternden Schlusstrack “Chewing on Shadows” tauchen dann einige traditionelle Instrumente aus dem dronigen Sirup auf.

Auf der im letzten Jahr von Michael Lawrence alias The Bricoleur klanglich aufgearbeiteten Neuauflage sind zwei in der Zwischenzeit entstandene Versionen dieses Songs angehängt, und man kann dieses Album, das Current 93 vielleicht von ihrer nachdenklichsten Seite und die rezitativen Vocals noch in voller Frische zeigt, immer noch jedem empfehlen, der die Band kennenlernen will. (U.S.)

Label: The Spheres

Und „Thunder Perfect Mind“ war eine Wegmarke in vielfacher Hinsicht. Es war das erste Album, auf dem der christlich-esoterische Einschlag, der von Beginn an in Tibets Werk präsent war, der oft jedoch einen eher eigenwillig ambivalenten Eindruck erweckte, zur zentralen, eindeutig positiv konnotierten Säule des Grundtenors wurde. Freilich, Zeilen wie „And I believe, Christ is the Son of God“ gab es bereits, aber hier wurde ein ganzes Album nach einem gnostisch-christlichen Text in koptischer Sprache benannt, was auf Tibets später noch intensivere Beschäftigung mit solcher Literatur und der Koptologie vorausweist.

Ebenfalls wurde auf diesem Album deutlich, dass die seit „Swastikas for Noddy“ vollzogene Hinwendung zum Songwriting und zu akustischer, im weitesten Sinne folkiger Musik nicht als kurzlebiges Strohfeuer in die Bandgeschichte eingehen sollte, sondern für viele Jahre ein musikalisches Markenzeichen Current 93s sein sollte, die Mitwirkung von Tibets Heldin Shirley Collins ist in dem Zusammenhang ein symbolisch aussagekräftiges Statement. Auch in persönlicher bis personeller Hinsicht ist „Thunder Perfect Mind“ bedeutsam. Dass es ein identisch betiteltes Nurse With Wound-Album gibt und Stephen Stapleton nach wie vor mit an Bord war, kann als bemerkenswerte Antithese gegen Tibets Abwendung von experimentellen Klängen gelesen werden. Darüber hinaus war „Thunder Perfect Mind“ das letzte Album mit Douglas P. und Rose McDowall, dagegen das erste, auf dem Michael Cashmore der Musik mit seinem pastoralen Gitarrenpicking den Stempel aufdrücken sollte.

Einige der Songs auf dem Album sind heute Klassiker, werden immer mal wieder bei Konzerten gespielt und erfreuen ungebrochen das schwarze Volk in den entsprechenden Clubs. Andere dagegen sind nahezu vergessen, außer natürlich bei denen, die das Album am Stück hören. Zu den ersteren zählen „The Descent of Long Satan and Babylon“, ein mysteriöser Akustiksong mit Anspielungen auf die Offenbarung des Johannes, bei dem Tibets eigenwilliger Sprechgesang, Cashmores sanfte Gitarre und Joolie Woods Flöte einem an Collins erinnernden Folksound sehr nah kommen. Unvergessen „In the Heart of the Woods and what I Found there“, bei dem – in Anspielung auf die Legende des Heiligen Eustachius – zu einer einprägsamen Geigenmelodie Christus erscheint, oder „A Song for Douglas after he’s dead“, eine rührende Hommage an den mittlerweile verflossenen Freund inklusive Trauermarsch. Ebenfalls in die Kategorie zählen Stücke wie „A Sadness Song“, bei dem Tibet mit seiner eigenwillig androgynen Kopfstimme einen der melancholischsten Momente seiner Diskografie entstehen lässt, ferner „Mary Waits in Silence“, das von einer mir unbekannten Renate Birulf gesungene „Riverdeadbank“ oder das wunderschöne Sand-Cover „When the May Rain Comes“.

In diesen und ähnlichen Stücken wirkt der noch frische Folksound der Band nicht freakig oder Stilgranzen überschreitend, sondern auf eingängige Art ernsthaft, und er vermag – durchaus romantische oder nostalgische – Bilder einer pastoralen englischen Fantasiewelt heraufzubeschwören, einer Welt, die allerdings immer noch zu gebrochen erscheint für reinen Eskapismus, die einen Beigeschmack der Bitteren, Grenzwertigen gerade in ihrer unschuldig anmutenden Schönheit um so wirkungvoller zum Zug kommen lässt. Louis Wain, von dem das Artwork zum Original-Cover ist – ebenfalls erstmals im Kosmos der Band – hätte diese Landschaft malen können. Dazu passen dann auch die etwas schrägeren Akustiknummern, die sich zwischen die anderen Songs geschlichen haben, Stücke wie „Rosie Star Tears from Heaven“ oder „All the Stars are Dead now“.

Doch „Thunder Perfect Mind“ ist ohnehin gar nicht als homogenes Werk konzipiert, das musikalisch wie aus einem Guss wirken sollte. Ausgerechnet die beiden Teile des Titelstücks haben keine Songstruktur, mit ihren minimalen melodischen Mustern knüpfen sie aber auch wenig an frühere Soundscapes an. Mit leicht verfremdeter Stimme rezitiert Tibet Passagen über die dualistische Natur der Gottheit, begleitet von der gehauchten Stimme Rose McDowalls. Ebenfalls heraus sticht das textlich kontroverse “Hitler as Kalki (SDM)”: Zu Nick Salomans Gitarrensoli und zum Bassspiel eines Musikers, der sich heute wahrscheinlich lieber die Hand abhacken würde, als sich daran zu beteiligen, wird hier die Katastrophe des Weltkriegs mit aus dem Hindu-Kosmos stammenden Prophezeihungen über das Ende des aktuellen Weltzyklus in Verbindung gebracht. Das Lied ist, wie später ein ganzes Album, seinem Vater gewidmet, der im Krieg gegen Nazi-Deutschland im Einsatz war. Mehr noch als die eher noiserockigen Stücke auf der recht heterogen ausgefallenen “Horsey” ist dieses Stück Current 93s erster Ausflug in psychedelisch konnotierte Rockmusik.

Dieses breite Stilsprektrum zwischen Song und Soundscape, zwischen Folk, Abstraktem und Psychedelischem, das einem sofort ins Auge fallen muss, wenn man den Fokus nicht nur auf die “Hits” lenkt, ist sicher ein Grund, warum “Thunder Perfect Mind” zu den herausragenderen Alben der Band zählt, aber letztlich sind dies ebenso wie der breit gefasste inhaltliche Rahmen Dimensionen, die man mit der einen oder anderen Schwerpunktverschiebung in fast allen Current 93-Alben findet. Es gab in der Bandgeschichte immer Phasen, die von einer besonderen Frische und Aufbruchstimmung geprägt waren, während man anderen Karriereabschnitten anmerkte, dass es wieder einmal Zeit für einen Häutungsprozess war. Ich denke, dass “Thunder Perfect Mind” auch sehr davon lebt, in einer der erstgenannten Phasen entstanden zu sein. Unlängst wurde das Werk in von The Bricoleur remasterter Version und mit neuem Artwork von Ania Groszynska auf Doppel-LP wiederveröffentlicht. (U.S.)

Label: The Spheres