Through continually refining and maturing their vision as a band, Grails have stumbled upon a reprogramming of their internal logic – and come out the other side with a new defining statement”. Zum bislang ausgekoppelten “Sad & Illegal” sagt Drummer Amos: “After a band has existed for 20 years, there are things you’ve always wanted to try on the back burner that you’ve never had the room to approach. We all have a bizarre lust to try and not sound like ourselves at times… which is usually the first and last thing you fail at. But with ‘Sad & Illegal’ maybe Grails got a little closer to getting outside ourselves. There are emotions represented in film music that just aren’t things one experiences in a normal day. Like the immense suspicion baked into music from a repelling scene in a diamond heist film… the way the hi-hat simmers, the filthy fretless bass and an out of tune piano that skitters around the beat.

This is the dimension where Sad & Illegal was born in… out of a sense-memory we never got to experience, but that film music told us was real.” Kurz darauf kommen Grails für eine ausgedehnte Tour nach Europa, bei der – siehe Flyer – mit Berlin, Hamburg, Bocum, Linz und Wien auch eine Handvoll Adressen im deutschsprachigen Raum auf dem Programm stehen. Das Album erscheint in zwei Vinyl-Editionen und in den gängigen digitalen Formaten bei Temporary Residence.

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@ Temporary Residence

In den letzten Jahren hat er immer wieder mit anderen gearbeitet, etwa mit Lawrence English oder auf einer Reihe von Alben mit Richard Chartier. Auf dieser Arbeit mit Janek Schaefer, dessen Discographie ähnlich umfangreich ist, griffen beide auf diesen zwischen 2015 und 2020 entstandenen und passenderweise Harold Budd gewidmeten Aufnahmen auf Archivmaterial zurück.

Die lapidar durchnummerierten Tracks bestehen weitgehend aus sich wiederholenden Klavierfiguren, die mit Feldaufnahmen kombiniert werden, so hört man etwa auf „…on reflection (one)“ Vogelzwitschern und ein Geräusch, das an eine Dampflokomotive denken lässt. Auf dem zweiten Teil fährt ein Auto vorbei, Stimmen sind zu vernehmen. Teil drei entfernt sich etwas, ersetzt das das Klangbild der anderen Teile dominiernede Klavier durch flächig-verrauschte Sounds und Knistern, als ob der Arm eines Plattenspielers in der Auslaufrille gefangen sei. Irgendwann setzen dann auch im Hintergrund wieder Pianomelodien ein. Teil vier dominiert wieder das Klavier und man meint, Regen falle, Wasser tropfe.

Wie auch andere Alben, man denke etwa an das adäquat betitelte “Melancholia”, über das Steve von Till kürzlich noch meinte, es sei „hauntingly sad but beautiful“, gelingt Basinski und Schaefer hier eine Art von Musik zu erzeugen, die den Hörer in eine kaum fassbare Stimmung versetzt.

Label: Temporary Residence Limited

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Sind die meisten seiner Werke – ob solo, ob bei den Aufnahmen mit anderen (Chartier oder Lawrence English) – oft Albenseitenfüllend (wie etwa bei seiner Hommage an David Bowie oder wie noch im vergangenen Jahr auf „On Time out Of Time“, bei dem er als Klangmaterial Aufnahmen zweier verschmelzender schwarzer Löcher verwendete) und können auch schon mal bis zu einer Stunde lang sind, gibt es nur selten so kurze Stücke wie die Pianominiaturen auf „Melancholia“.

Auf „Lamentations“ ist das verwendete „Instrumentarium“ variationsreich, besteht das Album doch aus zwölf zwischen eineinhhalb und elf Minuten langen Stücken, die sich durchaus von Stimmung und Klangmaterial unterscheiden. „For Whom The Bell Tolls“, mit dem das Album eröffnet wird, ist eine düster dräuende, verrauschte Klangfläche, bei der man als Hörer tatsächlich besorgt ist, wessen Stunde denn nun schlägt. Dagegen hat „The Wheel of Fortune“ mit seinem fast schon hymnischen Melodieloops eine wesentlich optimistischere Grundstimmung. Da ist „Paradiese Lost“ mit seinen leicht dissonanten Bläserloops, „Tear Vial“ mit den für Basinski so typischen verhallenden Klaviertönen. Für mich ist „O, My Daughter, O, My Sorrow, auf dem langsam inmitten des Loops eine Stimme , ein Klagegesang, einsetzt, das vielleicht stärkste Stück. Auch auf „All These, Too, I Love“ wird eine Stimme eingesetzt, wobei man hier fast den Eindruck hat, als höre man das Kinstern der Nadel auf dem Plattenspieler, die Materialität des Ausgangsmaterials betonend. Auch auf dem plötzlich die Sprachebene wechselnden „Please, This Shit Has Got To Stop“ ist ein Vocalloop im Zentrum. „Punch and Judy“, „Silent Spring“ und “Transfiguration” sind  verrauschte Klangflächen, in denen sich Melodien nur erahnen lassen. Beendet wird das Album von dem kurzen, fragmentarischen „Fin“, auf dem man wieder meint, das Knistern einer Nadel zu hören.

Seit ich das erste Mal ein Album von William Basinski besprochen habe – das dürfte inzwischen knapp 20 Jahre her sein – habe ich bemerkt, dass all seine Werke von einem Spannungsfeld durchzogen sind, in dem einerseits dem Hörenden bei diesen Meditationen über das Wesen der Zeit und der Darstellung des Vergehens immer wieder die eigene Begrenztheit und Endlichkeit vor Augen geführt wird, andererseits wird man in einen Zustand versetzt, in dem man meint, man sei kurzzeitig der Tyrannei eben dieser Zeit entrissen. Basinski selbst sprach in einem Interview, das ich vor Jahren mit ihm führte, davon, dass man seine Musik auch als „amniotic fluid“ verstehen könne. Auch all dies trifft auf „Lamentations“ zu, eines der ergreifendsten Alben des Jahres 2020. (MG)

Label: Temporary Residence

Auch wenn “Continuous Portrait” seine rhythmischen und stimmbasierten Seiten hat, bilden anheimelnde Klangflächen doch meist das Fundament – ein Fundament bei dem sich Pathos und Weite die Waage halten und im Zusammenspiel von Waberteppichen, Bimmeln und geschrammelten Gitattenakkorden bisweilen (“Hints and Omens”) fast an typischen Neofolk denken lassen. Dann (“Calico”, kein Townes van Zandt-Cover) überraschen verwehte, hintergründige Kinderchöre, die gerade aus einem alten Gialloscore gefallen sein könnte, den Umberto Lenzi für einen verschollenen Aldo Lado-Streifen gemacht hat – sie kehren wieder im abschließenden “Saw You in a Movie” und klingen da viel weniger kindlich, was nicht nur an dem unverblümten Spoken Words-Dialog liegt.

Monotonie wird subtil im Interesse ihrer hypnotischen Wirkung eingesetzt und ist v.a. eines nicht: trocken und gemütsarm. Gesamplete Sounds aus Wald, Feld und Zivilisation setzen das Ganze hörspielartig in Szene und erschaffen in Tracks wie “Continuous Portrait” eine oberflächlich betrachtet abstrakte, aber letztlich hochemotionale Heterotopie, bei der nur die verfremdeten Takte den Hörer vom kompletten Abrutschen in romantischen Eskapismus bewahren. Beschwingte Leichtfüßigkeit und sanfte Wehmut sind keine Gegensätze und kreieren zusammen ein zum Teil nur schwer greifbares Stimmungsgemisch, wie es einem Titel wie “Outlook for the Future” (der Song wurde bereits als Single herausgebracht) gut zu Gesicht steht.

Mit ins Kosmische entrückten Elektronikstücken wie “Spirit Refinement Exploder” erreichen Inventions trotz halsbrecherischer Takte und dramatischer Streicherparts ihre größtmögliche Tiefe – denktman, doch die erneut ungemein besänftigende Melodie in “The Warmer the Welcome” mit ihrem asiatischen Touch steht dem in nichts nach. (A.Kaudaht)

Label: Temporary Residence

release @ Temporary Residence

release @ William Basinski

Ultrasonic @ Temporary Residence

Stuart Hyatt und Field Works @ National Geographic

„On Time Out Of Time“ basiert diesmal nicht auf Tapeloops aus Basinskis extensivem und scheinbar unerschöpflichem Archiv, sondern das klangliche Ausgangsmaterial, das er bearbeitete, kam diesmal von sehr weit her, handelt es sich doch um das Geräusch zweier miteinander verschmelzender schwarzer Löcher oder wie Basinki es etwas salopp formuliert: „I imagine this piece is about what happens when two black holes fuck.“

Die Arbeit war ursprünglich konzipiert für eine Installation der beiden Künstler Evelina Domnitch und Dmitry Gelfand im Rahmen einer im Berliner Gropiusbau stattfindenden Ausstellung, in der es um die Grenzen des Wissens ging. Der Begriff „unvorstellbar“ wird zu häufig und zu inflationär gebraucht, oftmals um sein Entsetzen darüber zum Ausdruck zu bringen, was der Mensch gerade wieder einmal dem Menschen angetan hat, wobei dabei bewusst übersehen wird, dass solch etwas “Unvorstellbares” eben stattgefunden hat, weil es sich ein Mensch vorstellen konnte.

Das Verschmelzen zweier schwarzer Löcher mag man sich visuell – gespeist aus dem Bild- und Zeichnrepertoire zahlreicher Filme – noch irgendwie vorstellen können, was allerdings tatsächlich unvorstellbar, diesmal im wahrsten Wortsinne unbegreifbar ist, ist die Zahl der 1,3 Milliarden Jahre, vor denen dies geschehen ist. Die Gefühle, die sich bei solch einer ungeheuren Zahl einstellen, können natürlich unterschiedlichster Natur sein: Man kann von der Schönheit des Universums fabulieren, aber wenn man ehrlich ist, sollte man es eher mit Pascal halten: “Ich sehe überall nur Unendlichkeiten, die mich wie ein Atom und wie einen Schatten einschließen. Alles, was ich erkenne, ist, daß ich bald sterben muß; doch was ich am wenigsten begreife, ist gerade dieser Tod, dem ich nicht entgehen kann.“ Es ist auch sicher kein Zufall, dass der “Einsiedler aus Providence”, der zu einem Chronist menschlicher Insignifikanz wurde, von Astronomie fasziniert war, seit er zwölf Jahre alt war.

Es wäre interessant, wenn man das von Basinski bearbeitete Ausgangsmaterial hören könnte, um zu sehen, wie der seit einigen Jahren in Los Angeles lebende Komponist damit umgegangen ist. Wie auch immer: Das Endresultat ist ein weiteres beeindruckendes Mosaikstück in seinem Werk: Das 40-minütige Titelstück besteht aus hohen, sehr melodischen Drones, die das Stück wie eine kosmische Symphonie klingen lassen, die im weiteren Verlauf reduzierter wird. Nach der Hälfte scheint eine traurige Melodie aufzutauchen. Kondensiert findet sich das auf dem verhältnismäßig kurzen zweiten Track „4(E+D)4(ER=EPR) “. (MG)

Label: mmlxii / Temporary Residence

Basinski hat in den letzten Jahren neben seinen (häufig auf Tapeloops basierenden) Soloarbeiten aber auch eine Reihe von Alben mit Richard Chartier aufgenommen. Nun erscheint mit „Selva Oscura“ eine Zusammenarbeit mit dem australischen Ambientmeister Lawrence English.

Der Titel des die erste Plattenseite füllenden Stücks „Mono No Aware“ verweist auf die Vergänglichkeit aller Dinge und ist eine verrauschte Klangfläche, in die melodische und repetetive Passagen eingewoben sind. Man meint leichte (Ver-)Änderungen zu hören, aber die Komposition hat auch durchaus einen Moment des Zyklischen. Hier fühlt sich der Hörer von einer leichten Melancholie ergriffen, die weit entfernt ist von der tiefschwarzen Verzweiflung, die manche Vertreter des Dark Ambient zu evozieren suchen. Das Titelstück ist kompositorisch ähnlich angelegt, klingt aber dunkler, die melancholische Grundstimmung des ersten Tracks wird (etwas) tiefer geschwärzt. Insofern ist die aus Dantes Inferno entlehnte Phrase „Selva Oscura“, die den „dunklen Wald“ bezeichnet, in dem Dante sich zu Beginn seiner Reise befindet, durchaus treffend und es passt, wenn es von Künstlerseite über den Albumtitel heißt: „it metaphorically speaks to both those who find themselves on the unfamiliar path and more explicitly the nature of losing one’s way in place and time.“ (MG)

Label: 2062 / Temporary Residence

Experimentierfreudig waren die Portlander seit eh und je, und in vieler Hinsicht sind sie sich auch nach einer Pause von über sechs Jahren treu geblieben. Unabhängig von der Länge sind die ausschließlich instrumental gehaltenen Tracks episch, entfalten stets in sich abgeschlossene, umfangreiche Erzählstränge, die hier und da durchaus komplex ausfallen können, auch wenn man das aufgrund der harmonisierenden Stimmigkeit nicht immer sofort bemerkt. Auch dem Stimmungsgemisch von Verspieltheit bis mystischer Ergriffenheit, von gelegentlich doomiger Schwere bis hin zu erdiger Americana und nerdigen Trashfilm-Anleihen bleiben sie treu. Doch es kam etwas Unberechenbareres hinein in das hier und da von Jazz und Funk aufgelockerte Psych Rock-Gerüst, so als ob die gerade von ihren Exkursen heimgekehrten Musiker das Abschweifen und Zusammenführen nun auch auf der Binnenebene zu einer Tugend gemacht hätten.

Viele der Stücke starten von einem recht entspannten Ausgangspunkt und setzen zunächst auf wenige, aber effektvolle Details – traurig tremolierende Klangteppiche aus miteinander verschwimmenden Gitarren und Synthies, einfache, unprätentiöse Takte aus dem Fundus Emil Amos’, der, wie er gerade auch bei OM beweist, den entgrenzten Freakout ebenso wie den vitalen Kraftakt beherrscht, aber auch in der Kunst der Zurücknahme bewandert ist. Solche Zutaten prägen oft das Ausgangssetting, das wunderbar in einen verregneten Nachmittag in jeder Jahreszeit passt. Ein zufriedener Fatalismus prägt den Longplayer über viele Strecken und lässt die Hörer wie auf sanften Wellen dahintreiben, und je nach dem, wie gut man sich in dem Setting eingerichtet hat, registriert man vielleicht erst mit der Zeit, wie massiv die unterschiedlichsten neuen Komponenten aus allen Richtungen dazu kommen, die Rhythmen aufgewühlter und auch mal deftiger werden, und sich immer markantere Melodien (wenn man es nicht besser wüsste, würde man das eine oder andere Gitarrensolo für ein Temorsaxophon halten) in den Vordergrund spielen. Irgendwann wird unmissverständlich klar, dass „Chalice Hymnal“ auch durch Opulenz heraussticht.

Was ich „zufriedenen Fatalismus“ genannt habe, entpuppt sich als ein meditativer Zug, der viele divergierende, unterschwellig hektische Details, die v.a. Amos gekonnt von der Hand gehen, zusammenhält. In „Pelham“, einem der stärksten Songs, werden diese vom Gitarren- und Elektronik-Sound wie von einer Welle aus Dunkelheit verschluckt und bis zur Verschmelzung versöhnt – was bleibt, ist eine sanft melancholische Westcoast-Stimmung, die den Song wie ein dezentes Progstück enden lässt. Bei all dem ist in jedem Stück und in jeder der wechselhaften Stimmungslagen die Energie zu spüren, mit denen das Trio zu Werke gegangen ist – es bleibt zu hoffen, dass diese Vitalität nicht vollends aufgebraucht wurde, und das nächste Kapitel Grails nun weniger lange auf sich warten lässt. (A. Kaudaht)

Label: Temporary Residence

William Basinksis Arbeiten konnte man (auch) immer als Meditationen über die Zeit und ihr/das Vergehen lesen, arbeitet(e) er doch häufig mit Momenten der Wiederholung, der Stasis, der leichten Variation(en). Auch seine Art des Komponierens, bei dem er zum Teil auf jahrzehntealtes Archivmaterial zurückgreift, lässt sich so verstehen. Seine Alben sind in ihrer oft zyklischen Struktur vielleicht auch Versuche die Zeit anzuhalten, selbst wenn das natürlich nicht gelingen kann. Versuch und Scheitern sind im Titel seiner wohl berühmtesten Werkreihe vereint: „disintegration loops“.

„A Shadow in Time“ besteht aus zwei gut zwanzigminütigen Stücken: Basinski hatte alte Loops gefunden, die von der Katze eines Mitbewohners angefressen worden waren. Dazu nahm er Aufnahmen von Saxophonexperimenten, die in den frühen 80ern entstanden waren, und komponierte daraus „For David Robert Jones“, seine Eloge auf David Bowie. Das Stück beginnt mit warmen, typisch verrauschten Loops; da hört man wieder die amniotischen Wellen, die klingen, als habe man während der Aufnahmen Watte vor das Mikro gepackt. Nach etwa sechs Minuten setzt ein Saxophonloop ein. Die Wiederholung der immergleichen Tonfolgen, der leicht dissonante Klang des Saxophons – ein Instrument, das David Robert Jones schon früh zu spielen lernte – geben dem Stück einen Moment des Verstimmtseins, der Traurigkeit, verdeutlichen vielleicht, dass inmitten des Arkadischen etwas ganz anderes lauern kann. Die Kombination des Klangmaterials lässt eine dem Sujet angemessene Trauermusik entstehen.

Das Titelstück ist einem chinesischen Freund Basinskis gewidmet, der Selbstmord begangen hat. Nach seinem Umzug an die Westküste der USA war Basinskis alter Voyetra 8-Sytnthesizer, auf dem Alben wie z.B. „Silent Night“ oder die zwei Teile von „Watermusic“ entstanden waren, erst einmal eingemottet. Für “A Shadow in Time” wurde er nun wieder verwendet, um ein ergreifendes aus an- und abschwellenden, übereinandergeschichteten kristallinen Klängen bestehendes Dronestück zu komponieren, das fast schon einen symphonischen Charakter hat. Am Ende setzt ein todtrauriger Pianoloop ein, den Basinski schon auf “Melancholia” verwendet hat. Von der Krankheit der Zeit können einen diese zwei Stücke (natürlich) nicht befreien, aber auf einer dreiviertel Stunde wird der Hörer in einem Zustand versetzt, den nur Arbeiten Basinskis hervorrufen können. (MG)

Label: 2062 (CD) / Temporary Residence (Vinyl)