Mieko Suzuki, in Hiroshima geboren und in Berlin ansässig, arbeitet als Klangkünstlerin, Komponistin und DJ mit experimentellen, oft raumspezifischen Soundperformances. Ihre Arbeiten entstehen aus der Kombination von Drones, Field Recordings und manipulierten Vinylfragmenten und bewegen sich zwischen strukturierten Klangflächen und unvorhersehbaren akustischen Momenten. Dead Western, ursprünglich aus den USA, ist bekannt für eine eigenwillige, fast entrückte, oftmals sanft-heisere Gesangsdarbietung, die mit akustischen Instrumenten verwoben wird. Sein Stil vereint laut Programmtext theatralische Ausdruckskraft mit einer schwer fassbaren, zugleich vertrauten wie fremdartigen Klangästhetik, die stets neue Überraschungsmomente enthält.

Donnerstag, 26.03.2025
Beginn 20 Uhr
Neue Zukunft
Alt-Stralau 68
10245 Berlin

@ Facebook mit Tickts und weiteren Infos

Toby Driver, bekannt v.a. durch Kayo Dot und Maudlin of the Well, bringt eine andere Facette des Experimentellen auf die Bühne. In seiner aktuellen Arbeit erkundet er das Songformat mit dunklen, klanglich reduzierten Balladen, die von melancholischer Tiefe und einer hallunterlegten Klanggestalt geprägt sind. Sein neues Album “Raven, I Know That You Can Give Me Anything” setzt diese Entwicklung fort und reiht sich in seine langjährige Suche nach neuen Ausdrucksformen ein. Für Driver ist der Auftritt auch der Auftakt zu einer ausgedehnten Europatour, deren Daten auf Bandcamp (siehe unten) zu finden sind. Das Konzert findet im kleinen Saal der Neuen Zukunft statt.

Mittwoch, 26.02.2025
Beginn 20 Uhr
Neue Zukunft
Alt-Stralau 68
10245 Berlin

@ Facebook

House of Mythology @ African Paper

Eine solche könnte Divus sein, dass Duo bestehend aus dem römischen DJ und Producer Luciano Lamanna und Luca T. Mai, Saxophonist der Jazzcore-Legende Zu und der donnernden Exotica-Combo Mombu. Gemeinsam spielen sie cinematische Soundscapes, bei denen fein ziselierte Elektronik ambienter oder kühl technoider Prägung die Kulisse für die unterschiedlichsten dramatischen Ereignisse bietet, die Mai seinem Instrument zu entlocken weiß – bis sich Handlung und Kulisse zu einer unentwirrbaren Einheit vermengen.

Oft sind solche Fortstezungen dann – wie z.B. bei “Invisible Cities” von Aidan Baker und Gareth Davies – tatsächlich Weiterführungen des anfänglichen Konzepts, so dass man beide Longplayer im Shuffle hören könnte, ohne die einzelnen Tracks sicher einem der Alben zuordnen zu können. Auch Divus’ Zweitwerk knüpft – glücklicherweise – an den Erstling an: Ambiente Soundwellen schaffen eine nächtliche Breitband-Stimmung, zusammen mit dem manchmal wie aufgeklebt wirkenden Saxophonan an einen Darkjazz erinnert, der nicht ganz so smooth und phlegmatisch wie üblich daherkommt. Wie beim Vorgänger fehlen aber auch hier die disharmonischen Seiten nicht: Kernig rumorende Hintergrund-Landschaften bilden die Kulisse nicht nur für das Saxophonspiel, sondern auch für hochfrequente Feedback-Loops, und auch ersteres brattelt sich imemr mal in ungeahnt alarmistische Höhen empor.

Spätestens aber beim Geknüppel des verzerrten Rhythm Noise einiger Passagen beschleicht einen der eindruck, dass der Widerstreit zwischen der eingängigen, fast sanften Seite des Albums und ihrem räudigen Gegenpart diesmal mehr zugunsten letzterer ausfällt. Darin freilich, mehr noch aber im völligen Fehlen von Längen erkennt man ein Potential, das locker für einen dritten Longplayer reichen würde. (U.S.)

Label: Boring Machines

Freitag, 22.03.2019
Einlass: 18 Uhr
cassiopeia Berlin
Revaler Str. 99
10245 Berlin

Event @ Facebook

Nach einer längeren Periode des Schweigens kehrte der Waliser 2015 mit einem wieder einmal kaum zu kategorisierenden Doppelalbum namens “The Golden Communion“ zurück und knüpfte damit an sein Debüt an und auch das vergangenes Jahr veröffentlichte Album von UUUU (u.a. mit Wires Graham Lewis und Matthew Simms) war ein Tonträger voller “unerwartete[r] Wechsel[...] und Soundideen”, wie es auf diesen Seiten hieß. Im Gegensatz (oder als Ergänzung) dazu nimmt Thighpaulsandra seit 2016 zusammen mit Massimo Pupillo (u.a. ZU) als Uruk auf. Der auf die Stadt im Zweistromland verweisende Name des Projekts lässt an etwas Archaisches, Ursprüngliches denken und ist vielleicht programmatisch zu lesen, ist vielleicht der Versuch den Drone als ursprüngliche Musik, als Ur-Musik zu definieren.

Der Titel des nach „I Leave A Slver Trail Through Blackness“ zweiten Albums spielt an C.G.Jungs gleichnamiges Werk an, in dem es um die “Untersuchung über die Trennung und Zusammensetzung der seelischen Gegensätze in der Alchemie” geht. Das erste Stück, „Spagyria“, verweist auf Paracelsus. Musikalisch wird man entfernt an Alben wie Coils Time Machines erinnert, insgesamt aber sind die beiden 20-minütigen Tracks etwas unruhiger und weniger meditativ. Drones schwellen an und ab, Melodien tauchen kurz auf, bevor sie im Klangsud untergehen. Eine Gattungsbezeichnung wie Dark Ambient greift bei dieser enorm vielschichtigen Musik viel zu kurz. Dazu passiert zu viel und dazu ist die hier mit elektronisch wie auch akustischem Instrumentarium evozierte Düsternis bar jeden Klischees.

Über die Arbeit(en) Francis Meslet, aus dessen Mind Travels-Serie die das Cover und Inlay zierenden Fotos eines verfallenen und verlassenen Gebäudes stammen, heißt es: „In these deserted places, no more than the rustling of the wind can be heard through a broken window or the sound of water dripping from a dilapidated ceiling. These silences nonetheless invite the spectator to slip into these well-guarded and mysterious places captured by the photographer and attempt to bring to life that which has been forgotten. “ Das sind Sätze, die auch die Musik auf „Mysterium Coniunctionis“ sehr gut beschreiben könnten. (MG)

Label: Ici d’ailleurs / Mind Travels

ZU, die auf anderen ihrer zahlreichen Veröffentlichungen durchaus brachial klingen können, spielen dazu eine originelle Form von Kammermusik und die behutsame Instrumentierung lässt passagenweise an die Current 93 der 90er denken. Der Opener „The Coming Of The Mirror Emperor“ mit seinem Zusammenspiel von fingerpepickter Gitarre und Cello lässt sofort Erinnerungen an die Cashmore-Phase aufkommen. „Confirm The Mirror Emeror“ist mit seinen Bassspuren karger; die Cellos klingen dissonanter und untermalen den bis an die Grenze zur Hysterie sich steigernden Gesang Tibets angemessen. Dagegen ist das von dunklen Cellopassagen durchzogene „Enters The Mirror Emperor“ ein Moment des Innehaltens. Das Zusamenspiel von Akustikgitarre und Cello auf „To The Mirror Emperor“ lässt kurz Erinnerungen an das „Black Ships Ate The Sky“-Album aufkommen. Dann setzt eine verrauschte E-Gitarre ein, bevor das Stück mit dramatischen Streicherpassagen ausklingt. Expermenteller ist „The Heart Of The Mirror Emperor“, das mit Stimmsamples beginnt, Drones setzen ein und Tibets Vortrag wird nur von einzelnen Tönen untermalt.  „(The Absence Of The Mirror Emperor)“ ist vielleicht mit dem Strumming und Tibets Gesang das zugänglichste Stück des Albums. „Before The Mirror Emperor“ ist ein fast schon pastorales Stück, während  das instrumentale „(The Mirror Emperor Is Absent)“ aus Knistern und Windgeräuschen besteht.

Tibet hat jüngst in Cathode Love einen Einblick in die Genese der vor einigen Jahren erschienenen „Birth Canal Blues“-EP gegeben: „[H]ow the words gather together in my head and heart, and how they fall onto the page“. Man hat zum Teil den Eindruck, dass die Anmerkungen, die sich dort finden – ähnlich wie bei Eliots “The Waste Land” – das Verständnis sowohl erhöhen als auch gleichzeitig eine weitere (schwer durchdringbare) Bedeutungsebene hinzufügen. An anderer Stelle habe ich einmal geschrieben, dass Tibets Texte manchmal so klingen, als habe der „späte(re) Pound sich an Blakes prophetischen Büchern versucht“ und auch “Mirror Emperor” ist voller opaker Chiffren, bei der auch die Syntax in Auflösung begriffen ist, um etwas komplett Eigen(willig)es zu (er)schaffen: „I loved you foreign above me down star/Tell me night tight do not end/Waltz passing by in the Hamburg fret/Hallu starts hallu above me confirm/The Mirror Emperor/No: till wheat tomorrow till corn dove“. Es tauchen bekannte Themen und Motive auf: „MagicK Cats“, antike Städte/Stätten („Uruk“) und natürlich findet man auch hier wieder das Zusammentreffen von Erhabenem und Profanem, etwa denn wenn am Ende von „(The Absence Of The Mirror Emperor)“ fast schon lapidar gefragt wird: „Hey, was that the apocalypse?“

Hier werden wirklich Welten erschaffen, diese „knuckle cracks into space“ (er)öffnen einen Kosmos, in dem man sich nicht immer zurechtfindet bzw. zurechtfinden kann, der aber in seiner Eigenwilligkeit und Originalität seinesgleichen sucht. (MG)

Label: House of Mythology

Wer glaubt, das Namedropping wäre hier zuende, hat noch nicht mitbekommen, dass Pupillo längst ein weiteres Kind aus der Taufe gehoben hat, namentlich Creta, bei dem es sich um ein gemeisames Projekt mit dem Electronica-Spiezialisten Luciano Lamanna (über dessen Divus-Projekt mit dem Zu-Saxophonisten Luca Te Mai wir berichteten) und dem an vielen Saiteninstrumenten geschulten Folkmusiker Roberto Zanisi handelt. Das alles klingt nach einem ziemlich gewagten Hybriden, und ein solcher ist bei dem Debüt auch herausgekommen.

Etwas in seiner Unbestimmtheit bedrohliches liegt in der Luft, wenn “…And Everything That Shines”, wie es sich für einen auslandenden Ambient-Auftakt gehört, wie ein großes, dunkles Objekt durch einen hallenden Raum auf einen zuschwebt. Das Spannungsgefüge aus klanglicher Wärme und beigemischten glockenartigen Details setzt auf subtile Veränderungen, und an der beunruhigenden Stimmung ändert auch der Downtempo-Beat nichts, der sich irgendwann dazugesellt. Das coole, relaxte, an Slideguitar erinnernde Saitenspiel tritt ganz plötzlich auf den Plan, und doch hat man das Gefühl, als hätte es genau auf seinen Moment gewartet. Schwül und leicht dem Blues zugeneigt, bringt es ein Moment des Erdigen, Folkigen hinein, bis es von dischtem Rauschen und allerlei digitaler Vibration verschluckt wird und sich in das Mosaik der Soundscapes fügt.

In ihrer Selbstbeschreibung nennen Creta auch Coil als Bezugspunkt, und bei dem mysteriösen Gluckern am Ende des Tracks hatte auch ich diese Assoziation, gleichwohl Creta zunächst klarer, weniger “psychedelisch” ansetzen. Noch mehr konnte ich den Bezug beim zweiten Stück “Babe in the Egg of Blue” heraushören, denn in den analogen Spielereien mag man das Echo abgespaceter Coil-Arbeiten wie “Sex with Sun Ra” hören. Dieses Stück verdient die etwas überstrapazierte Vokabel “vielschichtig” voll und ganz, denn hier scheinen sich verschiedene Strukturen mit ihrem jeweils eigenen Tempo zu überlagern, und die tastenden, zirkulären und nach vorn strebenden Bewegungen der Synthies, Bässe und Fingerpickings, die sich so leicht in die Quere kommen könnten, greifen bestens ineinander. Das abschließende “Future Humans In Form Of Aur” entpuppt sich als noch atonaler und schräger, ein völliges Hin und Her verschiedener Geschwindigkeiten, Kontrapunkte aus spacigen Drones und stimmungsvollen Geigen und ein furioses Lautenspiel lässt eine Gleichzeitigkeit in der Veränderung entstehen, der man sich irgendwann einfach nur ausliefert.

Creta hat m.E. tatsächlich zwei besondere Stärken, nämlich zum einen ihr ungewöhnlich vielschichtiger Umgang mit Zeit, zum anderen die gekonnt zwischen Kontrast und Verschmelzug interagierende Verwendung elektronischer und folkig-mediterraner Instrumentierung, wobei Zanisis Repertoire aus italienischen, griechischen, türkischen und albanischen Saiteninstrumenten viel Abwechslung einbringt.

Ich musste bei der Beschreibung, aber auch an manchen Stellen des Albums, an Leo Maury denken, der unter dem Namen Niedowierzanie schon seit einem Jahrzehnt mit einer Mischung aus ambienter Elektronik und mediterraner Akustik brilliert und damit – weit unter der Wahrnehungsgrenze der hohen Herren von The Wire und CTM – kleine Bars und Clubs verzaubert. Doch ein solcher Stilmix ist wertvoll genug, um durchaus von weiteren Musikern mit geprägt zu werden. Creta machen dies auf ganz eigene überzeugende Art, und es ist nicht das ersten Projekt mit Pupillo, bei dem ich offen auf eine Fortstetzung hoffe. (U.S.)

Label: Karlrecords

Doch zunächst von vorn, denn Uruk hat insofern eine Vorgeschichte, dass es sich hier nicht um ein Duo unbedarfter Ambientdröhner handelt. Hinter dem Namen der wohl ältesten Stadt der Menschheitsgeschichte verbergen sich keine geringeren als Massimo Pupillio (Zu, Laniakea, Triple Sun) und Tim Lewis a.k.a. Thighpaulsandra (solo, Spiritualized, Coil, UUUU), die gerade in jüngster Zeit immer wieder in neuen Konstellationen auftreten, und fast meint man, den noch warmen, immer wieder aktualisierten Erfahrungsschatz der beiden hier mit Händen greifen zu können.

Dabei beginnt alles erst einmal recht sanft und übersichtlich: Flächige, angenehm vibrierende Klänge von leicht angerauhter Beschaffenheit breiten sich wolkengleich in einem großen, leeren Raum aus, scheinen langsam dessen Wände auszumalen. Streckenweise gerät der Sound so dünn und filigran, dass er an kleine Geräusche gemahnt, die sich in vermeintlicher Stille Gehör verschaffen. Genau dies intensiviert sich nach einigen Minuten, zusammen mit der stärker werdenden Vibration, und irgendwann bemerkt man, dass in der ganzen Gemächlichkeit von Beginn an etwas Unaufhaltsames steckte, das sich alsbald entlädt: in Bassknarren und Saitengekratze, in rumpelnden Objekten, die durch den Raum fliegen, in dunkles, coiliges Rumoren. Immer konkreter werden die Details, kantige, klirrende Ereignisse entpuppen sich als rotierende Propeller und Peitschenknallen, nicht zuletzt als trashige Gewehrsalven aus einem Computerspiel. Aus all dem ein klares Setting oder ein griffiges Narrativ herauszudeuten, bleibt unmöglich, zumal all die zahlreichen Details immer wieder vom Fluss der flächigen Klangbewegung mitgerissen und veredelt werden. Bei all dem sind Uruk keine Freunde der Monotonie, denn auch wenn sich hier und da kurze repetitive Muster ergeben, löste sich doch alles schnell wieder im Unbestimmten und Unberechenbaren auf.

Wenn das Debüt von UUUU wie ein wilder, ungestümer Wechselbald von Thighpaulsandras letztem Album klingt, dann ist Uruk so etwas wie sein dunkler, mysteriöser Wiedergänger, der einen des Nachts heimsucht und auf eine magische Klangreise mitnimmt. Auch Pupillios Handschrift ist deutlich zu erkennen, wenn man die ungewohnt rituelle und ambiente „Jhator“ von Zu bedenkt oder sein droniges Zusammenspiel mit Oren Ambarchi. (U.S.)

Label: Consouling Sounds

Mit Divus haben die beiden eine gemeinsame musikalische Sprache entwickelt, die auf cinematische Soundscapes setzt, und trotz eines stilvoll reduzierten Klangdesigns auch an allen Ecken und Enden Raum für kleine Ausbrüche lässt. Zu Beginn, beim ersten der vier nummerierten Tracks, könnte die Reise noch beinahe überall hinführen – Techno, Improv, Ambient, IDM, Noise, wer weiß? Zu Behaupten, die anfängliche Frickelei habe von all dem etwas, wäre vielleicht ein bisschen übertrieben, illustrierte die Offenheit des Ansatzes jedoch ganz gut. Erst mit der Zeit kommt auch etwas Groove in die Gemengelage, und die quietschenden Bläserparts tragen immer mehr Mais Handschrift, wenngleich sein gar nicht räudiges Spiel hier klassischer wirkt als bei allen mir bekannten Arbeiten des Musikers: wie der smoothe Score zu einem dunkel ausgeleuchteten Neo Noir-Streifen.

Irgendwann holen einen die plastischen Sounds und so etwas wie verfremdetes Froschquaken aus der Träumerei in die raue Wirklichkeit zurück, doch der zweite Track ist weitaus dynamischer, als der Anfang vermuten lässt. In seiner statischen Rhythmik und der Aufgeräumtheit des Saxophonspiels erinnerst die Musik manchmal an das Debüt von Mais anderer Band Mombu, mit dem Divus auch das stetige Aufgreifen und Transformieren einzelner Motive gemein hat, doch das synthetisch verfremdete Saxophon und kleine, kantige Metallsplitter in der Oberfläche sprechen eine ganz eigene Sprache.

Was die insgesamt vier Stücke gemeinsam haben, ist das heimliche Spiel mit versteckten Details in der Oberfläche der grobkörnigen Struktur, mehr noch der subtile Widerstreit zwischen Chaos und Form, wobei letzteres hier ganz klar den Sieg davon trägt. (U.S.)

Label: Boring Machines