Caves were probably necropolises: the dead were taken there and fed with the flesh and blood of an animal divinity that was sacrificed as bearer of unifying strength. Animam pro anima. Cor pro corde. As an intensified, repeated, primary act, it became a rite and consequently a cult. The entire figurative pantheon of Paleolithic man seems intended as a fulfilment of that rite. Man replicated the horror of killing with his signs and his pictures on the cave walls, freeing himself from the terror. Art then really did come to grips with the world, a laceration bearing the memory of the violence done to existing creatures. It was desire, prayer, wound, sore, sign produced on the simulacra of the bodies of animals and, at times, of men. What have we done, what will we do in the years to come if not to try to repeat, to relive this act of our beginning?”. Ein weiteres Stück ist ein Score Pupillos zu Ballems frühem Kurzfilm Ill Wind (1972). Das Album ist auch digital erhältlich.

@ Unsounds

“‘The Great Central Sun’ is an album of experimental music that contains only two long tracks with enigmatic names, suggesting an introspective or even mystical sound experience, where the listener seems to be called upon to explore hidden or mysterious aspects of himself and the universe: ‘Per speculum in aenigmates’: (Through a mirror, in a riddle) and ‘Radiating rainbows’. This choice to offer only two tracks is a prolongation of their previous compositions, where each album offers only two very long tracks, between 18 and 25 minutes.

‘The Great Central Sun’ is an album oscillating between drone and ambient, in a mysterious and hazy atmosphere, evoking images of interstellar travel or mental explorations. It should be perceived as a real sensory journey, immersing the listener in a dense and complex sound universe. These two long pieces seem eternal and take us from another space-time, the elaborate textures and hypnotic sounds of Thighpaulsandra on synthesizer, create a captivating atmosphere. This new URUK record (CD & Digital) results in a work where every detail is worked out with remarkable precision, a transcendental experience, the vision of a world beyond reality. “

@ Bandcamp

@ Ici d’ailleurs

Als kürzlich Årabrot ihr Cover von „Going Up“ veröffentlichten, hieß es auf ihrer Instagramseite selbstreflexiv: „One should never cover Coil. Never. It’s artistic suicide. Not even God touches Coil. Why did we do it? Well, sometimes people take crack heroin too. It’s not a good idea. You either end up as William Burroughs or dead under a bridge. I aim and hope to think we end up the former.”

This Immortal Coil nehmen unter den Coilinterpreten allerdings eine besondere Stellung ein. In einem Interview, das wir vor etlichen Jahren mit Sleazy führten, meinte dieser: „Nach einer Sache solltet ihr später im Jahr auf jeden Fall die Augen aufhalten und das ist eine Kompilation auf einem französischen Label, die ‘This Immortal Coil’ heißen wird, und auf der einige wirklich beeindruckende akustische Neuinterpretationen von klassischen COIL-Songs sein werden, und zwar von vielen Künstlern, von denen Jhonn selbst ein Fan war, wie z.B. Bonnie Prince Billy (Will Oldham) und viele andere mehr. Die Rohmixe, die ich gehört habe, waren umwerfend.“  Und tatsächlich hatte die Herangehensweise des mit ihrem Namen auf 4ADs Hausband anspielenden Künstlerkollektivs etwas durchaus Überzeugendes: So wurde die doch dominant elektronische Musik Coils mit rein akustischen Instrumenten (neu) interpretiert, was zum Teil zu fantastischen Resultaten führte. Oldhams Version des Coilklassikers „Ostia“ war tatsächlich eine beeindruckende wie ergreifende Neuinterpretation. Hier zeigte sich auch, dass Coil nicht nur begnadete Experementierer waren, sondern eben auch tolle Songs schreiben konnten.

Schaut man sich jetzt den etliche Jahre später entstandenen Nachfolger an, fallen Gemeinsamkeiten auf: Wurde der Erstling „The Dark Age Of Love“ nach dem geplanten und nie fertiggestellten Nachfolger von „Horse Rotorvator“, dem geplanten „Zwilling“, benannt, verweist der Name des neuen Albums auf den Titel, unter dem zwischenzeitlich das „Backwards“-Material veröffentlicht werden sollte.

Eröffnet wird das Album von „Corybantic Ennui“,  was im Original auf „Stolen And Contamintated Songs“ lediglich ein kurzes auf der Oboe gespieltes Solo war (wie schon der Alternativtitel „Oboe Cop“ verdeutlichte), die Version von This Immortal Coil fügt  dem Original wenig Relevantes hinzu. Das minimalistische „Where Are You“ , vom zweiten Teil von „Musick To Play In The Dark“, bestand im Original aus digitalem Knistern, einem Loop, Rose McDowalls gesampleter Stimme und Balances Textrezitation. Hier wird der Text von Matt Elliott gesprochen, dazu kommen einige dezente perkussive Momente und getragene Cellopassagen. „Titan Arch“, das im Text Lovecraft und Kenneth Grant zitierende, auf „Love’s Secret Domain“ von Marc Almond gesungene Stück, wird hier von Kristoffer Rygg von Ulver gesungen, dazu kommen ein paar Töne Akustikgitarre und einige Sounds, die dem Stück das passend Mysteriöse bei der Beschwörung der unterirdischen Monarchen geben. Das vom gleichen Album stammende instrumentale „Dark River“ wird hier mit Hörnern, Cello und Hackbrett intoniert. Das Changieren zwischen Düsternis und Licht gelingt auch in dieser Version. Das auf einem Gebet russischer Gefangener basierende „A Cold Cell“ ist hier – wie im Original – ein getragenes trauriges Stück. Fast die komplette Winter Solstice-EP wird gecovered: „A White Rainbow“, mit Shannon Wrights melancholischem Gesang, „Magnetic North“ mit fast geflüsterter Textrezitation Elliotts und einigen E-Gitarren-Sounds, das Traditional „Christmas Is Now Drawing Near“, ursprünglich von Rose McDowall gesungen, überzeugt hier mit verwaschenen Harmoniumklängen und Ryggs Vocals. Zu „Fire Of The Mind“, mit Orgel, Cello und Hurdy Gurdy, gibt es ein etwas symbolüberfrachtetes Video.  Abgeschlossen wird das Album von dem oben schon erwähnten „Going Up“. Sich daran zu wagen, ist tatsächlich nicht unproblematisch, ist es doch das letzte je von Coil live gespielte Stück, das danach das posthum veröffentlichte Album „The Ape of Naples“ abschließen sollte. Es ist ein Stück, das zeigt, wie Coil aus scheinbar disparaten Elementen ihre ganz eigene, letztlich englische Musik machten: Aus dem Profanen des Titelstücks der Sitcom “Are You Being Served”, auf dem die in den jeweiligen Etagen eines Kaufhauses zu findenden Produkte aufgezählt werden, machten Coil einen emotional aufwühlenden Klagegesang, der auch ohne das Video des Auftritts zu Tränen rührt. Insofern kann dieses Cover kaum dem Original gerecht werden, was aber natürlich nur bedingt gegen This Immortal Coils Interpretation spricht.

Um auf obiges Zitat zurückzukommen: This Immortal Coil befinden sich mit diesem Album sicher näher am Mann in Tangier, am “hombre invisible” als an einer Leiche unter einer Brücke.

Label: Ici d’Ailleurs 

Während nach dem Ende Coils zahllose oft eher weniger gelungene Tributes erschienen, war „The Dark Age Of Love“ eine beeindruckende Zusammenstellung. In einem Interview, das wir vor vielen Jahren mit Peter Christopherson führten, sagte dieser: “Nach einer Sache solltet ihr später im Jahr auf jeden Fall die Augen aufhalten und das ist eine Kompilation auf einem französischen Label, die ”This Immortal Coil” heißen wird, und auf der einige wirklich beeindruckende akustische Neuinterpretationen von klassischen COIL-Songs sein werden, und zwar von vielen Künstlern, von denen Jhonn selbst ein Fan war, wie z.B. Bonnie Prince Billy (Will Oldham) und viele andere mehr. Die Rohmixe, die ich gehört habe, waren umwerfend.”

Von Titelgebung knüpft das neue Album etwas an den Vorgänger an: War “The Dark Age Of Love” der Titel des Albums, das urspünglich auf “Horse Rotorvator” folgen sollte, sein “Zwilling”, verweist “The World Ended A Long Time Ago” auf einen der vielen Arbeitstitel des “Backwards”-Materials. Die Auswahl der Titel, die interpreteiert werden, reicht von “Love’s Secret Domain” (“Titan Arch”, “Dark River”) über “Stolen and Contaminated Songs” (“Corybantic Ennui”) bis hin zu einer Reihe von Stücken aus der Spätphase Coils: So findet man fast alle Stücke der “Winter Solstice”-EP  (“A White Rainbow”, “Magnetic North”, “Christmas Is Now Drawing Near ), “Where Are You?” und mit “Going Up”, das letzte Stück, das Coil je live spielten.

Das Album wird als Download, auf CD und Vinyl in einer Reihe von Versionen erscheinen. Am Album beteiligt waren Shannon Wright, David Chalmin, Matt Elliott, Christine Ott, Aho Ssan, Gaspar Claus, Aidan Baker, Franck Laurino, Kristoffer Rygg, Ole Alexander Halstensgård, Stian Westerhus, Massimo Pupillo, Mattia Cipolli, Elisa Bognetti, Stefano Michelotti, Francesco Bolognini, Márton Csókás, Ivan Chiossone, Eric Aldéa.

@ Bandcamp

Donnerstag, 25.04.2019
Einlass: 20:30 Uhr
arkaoda Berlin
Karl-Marx Platz 16
12043 Berlin

Event @ Facebook

Nach einer längeren Periode des Schweigens kehrte der Waliser 2015 mit einem wieder einmal kaum zu kategorisierenden Doppelalbum namens “The Golden Communion“ zurück und knüpfte damit an sein Debüt an und auch das vergangenes Jahr veröffentlichte Album von UUUU (u.a. mit Wires Graham Lewis und Matthew Simms) war ein Tonträger voller “unerwartete[r] Wechsel[...] und Soundideen”, wie es auf diesen Seiten hieß. Im Gegensatz (oder als Ergänzung) dazu nimmt Thighpaulsandra seit 2016 zusammen mit Massimo Pupillo (u.a. ZU) als Uruk auf. Der auf die Stadt im Zweistromland verweisende Name des Projekts lässt an etwas Archaisches, Ursprüngliches denken und ist vielleicht programmatisch zu lesen, ist vielleicht der Versuch den Drone als ursprüngliche Musik, als Ur-Musik zu definieren.

Der Titel des nach „I Leave A Slver Trail Through Blackness“ zweiten Albums spielt an C.G.Jungs gleichnamiges Werk an, in dem es um die “Untersuchung über die Trennung und Zusammensetzung der seelischen Gegensätze in der Alchemie” geht. Das erste Stück, „Spagyria“, verweist auf Paracelsus. Musikalisch wird man entfernt an Alben wie Coils Time Machines erinnert, insgesamt aber sind die beiden 20-minütigen Tracks etwas unruhiger und weniger meditativ. Drones schwellen an und ab, Melodien tauchen kurz auf, bevor sie im Klangsud untergehen. Eine Gattungsbezeichnung wie Dark Ambient greift bei dieser enorm vielschichtigen Musik viel zu kurz. Dazu passiert zu viel und dazu ist die hier mit elektronisch wie auch akustischem Instrumentarium evozierte Düsternis bar jeden Klischees.

Über die Arbeit(en) Francis Meslet, aus dessen Mind Travels-Serie die das Cover und Inlay zierenden Fotos eines verfallenen und verlassenen Gebäudes stammen, heißt es: „In these deserted places, no more than the rustling of the wind can be heard through a broken window or the sound of water dripping from a dilapidated ceiling. These silences nonetheless invite the spectator to slip into these well-guarded and mysterious places captured by the photographer and attempt to bring to life that which has been forgotten. “ Das sind Sätze, die auch die Musik auf „Mysterium Coniunctionis“ sehr gut beschreiben könnten. (MG)

Label: Ici d’ailleurs / Mind Travels

Wer glaubt, das Namedropping wäre hier zuende, hat noch nicht mitbekommen, dass Pupillo längst ein weiteres Kind aus der Taufe gehoben hat, namentlich Creta, bei dem es sich um ein gemeisames Projekt mit dem Electronica-Spiezialisten Luciano Lamanna (über dessen Divus-Projekt mit dem Zu-Saxophonisten Luca Te Mai wir berichteten) und dem an vielen Saiteninstrumenten geschulten Folkmusiker Roberto Zanisi handelt. Das alles klingt nach einem ziemlich gewagten Hybriden, und ein solcher ist bei dem Debüt auch herausgekommen.

Etwas in seiner Unbestimmtheit bedrohliches liegt in der Luft, wenn “…And Everything That Shines”, wie es sich für einen auslandenden Ambient-Auftakt gehört, wie ein großes, dunkles Objekt durch einen hallenden Raum auf einen zuschwebt. Das Spannungsgefüge aus klanglicher Wärme und beigemischten glockenartigen Details setzt auf subtile Veränderungen, und an der beunruhigenden Stimmung ändert auch der Downtempo-Beat nichts, der sich irgendwann dazugesellt. Das coole, relaxte, an Slideguitar erinnernde Saitenspiel tritt ganz plötzlich auf den Plan, und doch hat man das Gefühl, als hätte es genau auf seinen Moment gewartet. Schwül und leicht dem Blues zugeneigt, bringt es ein Moment des Erdigen, Folkigen hinein, bis es von dischtem Rauschen und allerlei digitaler Vibration verschluckt wird und sich in das Mosaik der Soundscapes fügt.

In ihrer Selbstbeschreibung nennen Creta auch Coil als Bezugspunkt, und bei dem mysteriösen Gluckern am Ende des Tracks hatte auch ich diese Assoziation, gleichwohl Creta zunächst klarer, weniger “psychedelisch” ansetzen. Noch mehr konnte ich den Bezug beim zweiten Stück “Babe in the Egg of Blue” heraushören, denn in den analogen Spielereien mag man das Echo abgespaceter Coil-Arbeiten wie “Sex with Sun Ra” hören. Dieses Stück verdient die etwas überstrapazierte Vokabel “vielschichtig” voll und ganz, denn hier scheinen sich verschiedene Strukturen mit ihrem jeweils eigenen Tempo zu überlagern, und die tastenden, zirkulären und nach vorn strebenden Bewegungen der Synthies, Bässe und Fingerpickings, die sich so leicht in die Quere kommen könnten, greifen bestens ineinander. Das abschließende “Future Humans In Form Of Aur” entpuppt sich als noch atonaler und schräger, ein völliges Hin und Her verschiedener Geschwindigkeiten, Kontrapunkte aus spacigen Drones und stimmungsvollen Geigen und ein furioses Lautenspiel lässt eine Gleichzeitigkeit in der Veränderung entstehen, der man sich irgendwann einfach nur ausliefert.

Creta hat m.E. tatsächlich zwei besondere Stärken, nämlich zum einen ihr ungewöhnlich vielschichtiger Umgang mit Zeit, zum anderen die gekonnt zwischen Kontrast und Verschmelzug interagierende Verwendung elektronischer und folkig-mediterraner Instrumentierung, wobei Zanisis Repertoire aus italienischen, griechischen, türkischen und albanischen Saiteninstrumenten viel Abwechslung einbringt.

Ich musste bei der Beschreibung, aber auch an manchen Stellen des Albums, an Leo Maury denken, der unter dem Namen Niedowierzanie schon seit einem Jahrzehnt mit einer Mischung aus ambienter Elektronik und mediterraner Akustik brilliert und damit – weit unter der Wahrnehungsgrenze der hohen Herren von The Wire und CTM – kleine Bars und Clubs verzaubert. Doch ein solcher Stilmix ist wertvoll genug, um durchaus von weiteren Musikern mit geprägt zu werden. Creta machen dies auf ganz eigene überzeugende Art, und es ist nicht das ersten Projekt mit Pupillo, bei dem ich offen auf eine Fortstetzung hoffe. (U.S.)

Label: Karlrecords

Doch zunächst von vorn, denn Uruk hat insofern eine Vorgeschichte, dass es sich hier nicht um ein Duo unbedarfter Ambientdröhner handelt. Hinter dem Namen der wohl ältesten Stadt der Menschheitsgeschichte verbergen sich keine geringeren als Massimo Pupillio (Zu, Laniakea, Triple Sun) und Tim Lewis a.k.a. Thighpaulsandra (solo, Spiritualized, Coil, UUUU), die gerade in jüngster Zeit immer wieder in neuen Konstellationen auftreten, und fast meint man, den noch warmen, immer wieder aktualisierten Erfahrungsschatz der beiden hier mit Händen greifen zu können.

Dabei beginnt alles erst einmal recht sanft und übersichtlich: Flächige, angenehm vibrierende Klänge von leicht angerauhter Beschaffenheit breiten sich wolkengleich in einem großen, leeren Raum aus, scheinen langsam dessen Wände auszumalen. Streckenweise gerät der Sound so dünn und filigran, dass er an kleine Geräusche gemahnt, die sich in vermeintlicher Stille Gehör verschaffen. Genau dies intensiviert sich nach einigen Minuten, zusammen mit der stärker werdenden Vibration, und irgendwann bemerkt man, dass in der ganzen Gemächlichkeit von Beginn an etwas Unaufhaltsames steckte, das sich alsbald entlädt: in Bassknarren und Saitengekratze, in rumpelnden Objekten, die durch den Raum fliegen, in dunkles, coiliges Rumoren. Immer konkreter werden die Details, kantige, klirrende Ereignisse entpuppen sich als rotierende Propeller und Peitschenknallen, nicht zuletzt als trashige Gewehrsalven aus einem Computerspiel. Aus all dem ein klares Setting oder ein griffiges Narrativ herauszudeuten, bleibt unmöglich, zumal all die zahlreichen Details immer wieder vom Fluss der flächigen Klangbewegung mitgerissen und veredelt werden. Bei all dem sind Uruk keine Freunde der Monotonie, denn auch wenn sich hier und da kurze repetitive Muster ergeben, löste sich doch alles schnell wieder im Unbestimmten und Unberechenbaren auf.

Wenn das Debüt von UUUU wie ein wilder, ungestümer Wechselbald von Thighpaulsandras letztem Album klingt, dann ist Uruk so etwas wie sein dunkler, mysteriöser Wiedergänger, der einen des Nachts heimsucht und auf eine magische Klangreise mitnimmt. Auch Pupillios Handschrift ist deutlich zu erkennen, wenn man die ungewohnt rituelle und ambiente „Jhator“ von Zu bedenkt oder sein droniges Zusammenspiel mit Oren Ambarchi. (U.S.)

Label: Consouling Sounds

Der Begrif „Jhator“ bezeichnet im Tibetischen eine traditionelle Bestattungstechnik, bei der die Körper Verstorbener in Stücke zerschnitten und auf einer Bergkuppe den Elemente und wilden Tieren, primär Raubvögeln, überantwortet werden, die wörtliche Übersetzung des Begriffs lautet „den Vögeln Almosen geben“. Man betrachtet die Vögel als Manifestationen von Dakinis, halbgöttliche Wesen weiblichen Geschlechts, die die Seelen der Verstorbenen – symbolisch in Form von Teilen des Körpers – in den Bardo tragen, in dem sie bis zur Wiedergeburt verweilen. Das die erste Seite füllende Stück heißt dann passenderweise auch „A Sky Burial“.

In den gut zwanzig Minuten des Stücks wird dieser Brauch, eingerahmt durch einen eröffneten und einen abschließenden Gongschlag, mit einer Vielzahl an Elementen ritueller Klangkunst musikalisch vergegenwärtigt. Längere Phasen relativer Stille nach dem Verrauschen der eröffnenden Gongklänge ermöglichen Konzentration, subtile Details wie leises Vogelzwitschern und kleine, undefinierbare Sounds lassen eine Erwartungshaltung entstehen, die wächst, sobald sich die Elemente verdichten. Schon bald kristallisiert sich das flächige Kreisen einer Drehleier heraus, deren kraftvoller, dudelsackartiger Klang etwas Starkes zu untermalen scheint, das vage bleibt und keiner erklärenden Worte bedarf. Im Laufe der Zeit und nach dem einen oder anderen Bruch wird die Musik zunehmend melodischer, metallene Geräusch werden immer mehr von einem Bandsound aus Bass, Drums und Streichern absorbiert, der an die Kollaboration des Bassisten Massimo Pupilio mit Oren Ambarchi erinnet und bei bei dem man um einen profanen Begriff wie Postrock nicht verlegen sein muss.

„The Dawning Moon Of The Mind“ ist um einiges unaufgeräumter als „A Sky Burial“, aber nicht minder erhaben. Die ersten Minuten sind vom Saitenspiel einer Koto dominiert, einem japanischen Instrument, das klanglich der Harfe ähnelt. Dröhnt es im Hintergrund kreisend, werden die Figuren auf dem Instrument immer schneller, rhythmischer, erinnern stellenweise an die Ornamente der Continuous Music. Obwohl sich die Musik in Dichte und Intensität kontinuierlich steigert, mag man den Übergang zum eruptiven Kraut- und Metal-Gedresche immer noch als plötzlich empfinden, und so schnell die angestaute Spannung sich entladen hat, so schnell mündet der Fluss der Klänge in ein entspanntes, dunkles Dröhnen, gekrönt vom lautmalerischen Schamanengesang Luca T. Mais.

Begreift man „Jhator“ primär im Vergleich mit früheren Arbeiten ZUs, fällt die Abwendung vom Noise und allerhand atonaler Strukturen am ehesten ins Auge – dies aber auf die Gefahr hin, dass einem wesentliche Merkmale des Albums entgehen. „Jhator“ ist von einer rituellen Tiefe, die gekonnt zwischen geerdeten und abgehobenen Stimmungslagen zu changieren weiß und im Werk der Band eine bisher unerreichte Qualität darstellt. (U.S.)

Label: House of Mythology

Johnstone hatte vielseitige Interessen, getaltete Cover von Coil und anderen Bands, war außer Künstler noch Imker, zudem sammelte er okkulte Gegenstände und allerlei Kuriositäten, und nach Balance Tod befand sich sicher auch einiges aus dessen Nachlass in seinem Haus. Dieses hatte immer eine offene Tür für befreundete Künstler und Musiker, und war jemand in Not, konnte er dort auch ein provisorisches zuhause finden. Einer dieser Freunde war der Musiker Daniel O’Sullivan, der in Bands wie Mothlite, Guapa, Æthenor, Grumbling Fur und Ulver spielte, und nachdem im letzten Jahr auch Johnstone verstarb, war er es, der sich um die Hinterlassenschaften kümmerte.

Dass daraus, aus der Trauer, dem Ordnen von Gegenständen und der Zeit in Johnstones Haus ein Album hervorgehen sollte, war nicht geplant, es ergab sich beinahe wie von selbst, als O’Sullivans Freund Massimo Pipillo, Bassist u.a. bei Zu und Ardecore, auf einen Besuch vorbeikam und man sich gemeinsam all den starken Emotionen hingab. Irgendwann floss all dies in eine ganz neue kreative Bahn, und die Band Laniakea war geboren, ein Projekt, das sich ganz dem Channeln und Umwandeln starker emotionaler Energien verschrieben hat.

„A Pot of Powdered Nettles“ ist ein Album voller Melancholie geworden, das gleichzeitig vor Kraft und Schönheit geradezu übersprudelt, ein Amalgam aus verwaschenen Soundbrocken, Song-Ansätzen im Downtempo und jeder Menge etherischer Schönheit, das nie ganz zu einer Einheit verschmilzt, und dessen Stimmung Himmel und Hölle eher überblendet, als sie ineinander aufzulösen. Im eröffnenden „The Contagious Magick Of The Superabundance“ klingen in den Ritzen monumentaler Dröhnwellen pittoreske Regenfälle an, und ätherische Chorgesänge und sanfte Melotron-Passagen erreichen mit einfacher Klangrhetorik eine große, sich graduell steigernde Intensität, die mit Pupillos Bassknarren in einem lodernden Brand gipfelt.

In allen vier Stücken offenbart ich über lange Strecken ein Widerstreit zwischen Lieblichem und rauer Dunkelheit, und lange Drones, deren Richtung immer vage bleibt, halten zusätzliche Spannung aufrecht. Dennoch entsteht der Eindruck, dass in all dem Harmonie und das Gefühl vom Linderung am Ende obsiegt. In „The Sky is an Egg“ winden sich aus infernalischem Rauschen und einer Vielzahl erratischer Streicher Pupillos gedämpfte Akkordfolgen heraus, und die entspannte, eher fragile Stimme O’Sullivans erreicht auch hier im glühenden Aufruhr die Verwandlung ins Schöne. Ähnlich „Zone in Parallel Rose“, das schrägste, zugleich aber auch am ehesten songorientierte Stück des Albums, bei dem sich die Echolalien verrückter Frauen und bedrohlich ratternde Takte in ein „kosmisches“ Vokalstück verwandeln. Auch hier füllt O’Sullivan alles mit einer Trauer, die einer diffusen Hoffnung Raum gibt.

Doch „A Pot…“ hat wenig von einer Schnulze mit einem simplen Happy End, und so wirft einen das ausladende „Calcite“ ein weiteres mal in einen undefinierbaren emotionalen Strudel. Freilich, das liebliche ist hier noch durchgehender präsent, in den Vocals des von Coils „The Ape of Naples“ her bekannten Contertenors Francois Testory, im Bimmeln von Glöckchen, aus denen sich pastorale Akkorde herauswinden, in den entrückten Klängen einer asiatischen Flöte, doch Dinge irgendwo zwischen Verfremdung und Realitätsschock sind nicht weit, wenn es quietscht und schleift, wenn ein Kind unverständliches auf einen AB spricht und einmal mehr wenn Pupillio seinen abgründigen Bass knarren lässt.

Wenn diese musikalische Wunderkammer eines kann, dann eine Vorstellung davon zu geben, welche Wunderkammer Johnstones Kosmos gewesen sein muss, idyllisch, aber – etwas profan gesprochen – mit Ecken und Kanten, bei der Schalk und comic relief hinter zahlreichen Kuriositäten hervorlugen. Letztlich eine liebevolle Hommage, die – natürlich primär wegen des Bezugsg zu John Balance – auch in einem Atemzug mit Myrninerests „’Jhonn’, Uttered Babylon“ genannt werden kann. (U.S.)

Label: House of Mythology