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Sharron Kraus war auf diesen Seiten schon häufig Thema und ist sicher eine der originellsten Stimmen des zeitgenössischen Folks, die immer (wieder) allzu einge Genregrenzen aufgebrochen hat und gerne mit anderen zusammengearbeitet hat. Sie selbst schreibt dann auch, dass eine Gemeinsamkeit von ihr und Muddyman „a shared love of and respect for traditional music, coupled with an eclecticism and experimental approach“ gewesen sei.

Aufnahmen wurden zwischen den beiden ausgetauscht, man überlegte gemeinsam, welche Stücke man interpretieren wolle: „We were both big fans of Shirley Collins and Martin Carthy, so drew on their repertoires. Dave had just ordered the 20 CD Voice of the People anthology from Topic Records, so that gave us a lot to wade through and I’d been digging around in books for lesser known traditional songs to sing at my local folk session. Most of the songs we ended up working with were ones we took from Shirley Collins and Martin Carthy, one exception being the Child Ballad ‘Brown Robin’ with its story of love, deception and cross-dressing involving a king’s daughter and her lover, which we were keen to include. We could find neither a recorded version of that song nor a tune associated with the words, so I wrote a tune for it and we recorded it. Our recording process for each song involved Dave building up layers of sound that I would then sing and add the occasional analogue instrument to. He would send me CDs of his work in progress and was sometimes anxious that I’d be shocked at how unorthodox his experiments were, so would email to let me know what he was sending so as to forewarn me.“

Die beiden beschrieben damals ihre Herangehensweise folgendermaßen: „The idea behind Birdloom is to mix ancient with even more ancient and tradition with modern. To take traditional English folk songs and enhance their stories with cinematic tendencies. To breathe rhythmic life into the cobwebs and create a new twenty-first century folk music.”

Damals hatte kein Label an den Aufnahmen Interesse. Sie sind jetzt auf Sharron Kraus’ Bandcampseite erhältlich.

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Ihr neues Album „Kin“, der eigentliche Nachfolger von dem 2018 erschienenen „Joy’s Reflection Is Sorrow“, knüpft an den Vorgänger von der Stimmung durchaus an, hieß es doch hier über dieses Album:  „Kraus selbst bezeichnet das Werk als fröhlicher und lebensbejahender als viele ihrer früheren Aufnahmen, und in den Texten stellt sie der Dunkelheit, in die man durch persönlichen Verlust, aber auch durch die großen Ereignisse in der Welt gestoßen wird, den Fokus auf Freude am Bestehenden und Möglichen entgegen.“ „Kin“ ist ebenfalls tatsächlich weniger stark im teils doch dunkle(re)n Frühwerk verankert. Zugleich verlässt Kraus auf “Kin” mit der Instrumentierung zum Teil einen allzu engen Folkkosmos stärker als auf dem Vorgänger, zumindest auf einigen Stücken.

„Tell Me Death“ eröffnet das Albun mit einem Gespräch mit dem titelgebenden „Tod“ und hat durch Einsatz von E-Gitarre und Schlagzeug Folkrockcharakter. „The Way We Hurt“ beginnt mit dezenter, leicht schleppender Perkussion, etwas Bass kommt hinzu. Das Ambivalente des Titels wird im Text direkt aufgegriffen: „How shall we count the ways/We hurt each other/How shall we count the ways/We hurt“, um am Ende die direkte (und nicht beantwortete oder beantwortbare) Frage zu stellen: „And can we change?“ Ihre Stimme steht in diesem Stück klar im Zentrum. „The World Within The World“ mit einer pastoralen Flöte und an ein Akkordeon erinnerndes Keyboard klingt  dem Text entsprechend unbeschwert: “While the storm/Rages around you/There’s a calm/Centre”. „Do It Yourself“ löst sich mit elektronischen Beats von einem konventionellen Folkidiom. Dagegen ist „The Trees Keep On Growing“ mit dem ruhigen Fingerpicking und der melancholischen Flöte im weitesten Sinne traditioneller und auch dunkler: Hier wird  eine von Menschen entvölkerte Welt gezeigt: „Who will mourn us?/Who will mourn?“. „The Locked Garden“ ist dagegen wieder elektronischer und erinnert thematisch entfernt an Blakes „The Garden of Love“. Wo es in Blakes Text die Prieser sind, die (naturgemäß) die Verbote aussprechen, sind es bei Kraus die „men at the entrance“, an denen sie sich vorbeischleichen muss, um in den Genuss der „scents“ und „trees“ zu kommen. „Weft and Warp“ wäre sicher auch auf einem frühen Album Kraus’ nicht fehl am Platz gewesen. Auf dem eher direkten Liebeslied „More Of Your Thoughts“ hört man im Hintergrund leicht mysteriöse Synthsounds und ein paar Gitarrentöne. Das schöne Folkstück „Shot Thorugh With You“ endet mit Zeilen, die wie ein mehr als adäquater Kommentar zur volatilen Gegenwart wirken: „We may not make it through/These dangerous times/I may not see you again/Except whenever I close my eyes“. „A Kind (Of Human)“ schließt das Album dann aber  trotz der Beschreibung des Menschen als „rotten through and through“ positiv ab: „There’s something to strive for too“. (MG)

Label: Nightshade Records

„Isolation Jams is proud to present : Spirit Of Clive – A tribute to the music of Clive Palmer & COB. Clive Palmer is a mystery. He was Incredible, he was Original, but he chose to not be Famous. His influence permeates through the British folk revival of the 1960s, the progressive ‘acid folk’ of the 1970s and the experimental free-folk of the 1990s and 00s, yet few people know his name. A beatnik rather than a hippy, Clive chose total freedom over a career in the music industry and spent much of his later life quietly painting, building instruments and being free, in Cornwall and later in France.
His high-profile friends such as Bert Jansch, John Martyn and Billy Connolly often spoke of Clive’s importance and influence, and his experimentation and restless creativity has influenced some of the most interesting musicians of today. This tribute album captures the spirit of Clive and highlights his continued and often overlooked influence. All money raised from this tribute album is going to the restoration of recently discovered rare recordings of Clive from the 1960s onwards, and to the production of a documentary about Clive Palmer.“

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Mit dem Autoren Justin Hopper (u.a. „The Old Weird Albion“) arbeitete sie schon auf der Ghost Box-Veröffentlichung „Chanctonbury Rings“zusammen, “poetical, autobiographical and psychogeographical account of his experiences at Chanctonbury Ring on the West Sussex Downs” und auch “Swift Wings”, die neue Zusammenarbeit der beiden, ist wieder konzeptionell dicht ausgefallen. Auf dem Album vertonen die beiden Gedichte des englischen Autors Victor Neuburg, der u.a. Dylan Thomas verlegte und Alistair Crowley verfiel, mit dem er unter dem magischen Namen Frater Omnia Vincam in der algerischen Wüste die Entität Choronzon heraufzubeschwören versuchte. Für das vorliegende Album bzw. die zugrundeliegenden Texte spielt The Great Beast aber keine Rolle bzw. höchstens als Negativfolie, denn das schmale Gedichtbändchen “Swift Wings” beschäftigte sich primär mit der Landschaft von Sussex, wo Neuburg frisch verliebt im Haus seiner Tante in Steyning lebte. Im Begleitext heißt es, diese Region sei eine „new spiritual landscape” geworden, die dort von ihm wahrgenommene “Magie des Lichts” habe dazu geführt, dass er sich “frei” gefühlt habe. Es ist wahrscheinlich auch ein (nicht nur) atmosphärischer Unterschied, ob man unter der sengenden Sonne Algeriens Dämonen beschwört oder aber verliebt auf die South Downs blickt.

Dies alles spiegelt sich auch in der musikalischen Umsetzung wider: Das ganze, recht kurze Album – die insgesamt acht Stücke sind zwischen zwei und dreieinhalb Minuten lang -  ist tatsächlich geprägt von einer Leichtigkeit, einer Unbeschwertheit und die meisten Stücke haben einen fast schon pastoralen Charakter ohne aber dabei jemals verkitscht oder eskapistisch zu klingen. Justin Hopper rezitiert die Gedichte, zum Teil zusammen mit Sharron Kraus, die mal singend, mal flüsternd zu hören ist. Auf dem Eröffnungsstück “Ivory” hört man beide zusammen, untermalt von Streichern und Flöte. Auf dem “Orchard Songs” hört am Kraus lachen, während Flöte und Synth für eine unbeschwerte Atmosphäre sorgen. Im “Frenchlands” rückt die Flöte ins Klangzentrum, auf “Rock Pool” sorgen die Synthklänge für entrückt-kristalline Momente. Das abschließende “Rottingdean” überrascht durch den Einsatz von Schlagzeug.

Wer sich näher mit Neuburger und seinem Verlag The Vine Press beschäftigen möchte, der kann das  mit dem demnächst bei Strange Attractor Press erscheinenden Band “Obsolete Spells” machen, der von Hopper editiert wurde. (MG)

Label: Nightshade Records

Auf der Zusammenstellung, die sehr gut zur musikalischen Ausrichtung von The Terrascopaedia passt, ist Trappist Afterland vertreten (Cole steuert einen Song von seinem Album „Seaside Ghost Tales“ bei), Songs Of Blood And Bone interpretieren das Traditional „Twa Corbies“, man hört fragil-entrückten Folkambient von Pefkin (die u.a. bei Meadowsilver mitwirkt). Lauter wird es mit dem Psychrock von Tangle Edge, ruhiger mit Allysen Callery und ihrem melancholischen Folk oder Sharron Kraus, die mit einem Livestück dabei ist, Experimentelles gibt es mit den Drones von The Electric Nature, dem verhallt-mysteriösen Ambientrack “A Study In Undulation” von The Phoenix Cube oder den seltsamen Loops von Insect Factory. United Bible Studies besingen, live im Cafe OTO aufgenommen, a capella „Poison Beer“, The Kitchen Cynics “Farm Lads”. Mit einem sehr schönen Stück ist Moongazing Hare zu hören: “Wild Nothing” ist ein getragenes Folkstück, auf dem das Zusammenspiel von Gitarre und Tarhu zu begeistern weiß.

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Cleeve House, Trowbridge Road, SN12 6PG Seend, Wiltshire, Großbritannien

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Informationen zu den Musikern auf Folkradio.co.uk

In ihren frühen Aufnahmen machte die Britin Kraus keinen Hehl daraus, dass sie neben den Traditionen ihrer Heimat auch von der Musik der anderen Seite des Atlantiks wie Apallachian Folk geprägt wurde, spielte neben der Gitarre öfters Banjo und kollaborierte mit amerikanischen Musikern wie Meg Baird oder Greg Weeks. Im Vergleich zu jüngeren Soloarbeiten tritt dies wieder deutlicher in den Fokus, mit dezenten Orgeln, E-Bass und einer allgegenwärtigen Slideguitar sorgt ihre sechsköpfige Begleitband für einen Americana-Sound, der bei Songs wie “Figs and Flowers” so weit ins Rock’n'Roll- und Roadmovie-Terrain geht, dass es angesichts des Artworks fast Wunder nimmt.

Lässt die subtil verfremdete Stimme und ein hypnotischer Takt diesem Stück noch eine leicht unkonventionelle Note, so folgen mit “The Man Who Says Goodbye” und dem melancholische Titelstück zwei Songs, denen man guten Gewissens Popappeal attestieren kann (oder angesichts der elektronischen Downtempobeats bei erstgenanntem vielleicht sogar muss). Kitsch? Durchaus nicht, wenngleich es immer wieder Kritiker gab, die nur den Fehler sehen wollen, sobald Folkmusik schön und schwärmerisch gerät, aber das muss nicht Sharron Kraus’ Problem sein. Letztlich ist es aber vor allem die der Instrumentierung und Produktion geschuldete Üppigkeit, die das Album von früheren Aufnahmen der auch sonst selten wirklich experimentellen Musikerin unterscheidet, in geringerem Maß vielleicht noch der Stimmeinsatz, der diesmal mehr denn je auf Harmonie getrimmt ist. Innerhalb dieses Rahmens finden sich jedoch etliche kleine Brüche, die die Musik interessanter machen: leichtes Feedbackdröhnen bei “My Danger”, dessen Takt darüber hinaus nur scheinbar zu Melodie und Harmonie passen will, etwas unterschwellig Desolates im leicht soundscapigen “Sorrow’s Arrow”, leichte Unsicherheiten im Tempo bei “Death and I”, das dem Album einen vielleicht morbiden, aber doch versönlichen Ausklang bereitet.

Kraus selbst bezeichnet das Werk als fröhlicher und lebensbejahender als viele ihrer früheren Aufnahmen, und in den Texten stellt sie der Dunkelheit, in die man durch persönlichen Verlust, aber auch durch die großen Ereignisse in der Welt gestoßen wird, den Fokus auf Freude am Bestehenden und Möglichen entgegen. Die daraus zwangsläufig resultierende Ausgewogenheit, bei der weder Licht noch Schatten verleugnet werden, ist sicher ein wesentlicher Energiebrunnen, von dem die Musik auf “Joy’s Reflection is Sorrow” zehrt. Irgendwelche “Quo Vadis”-Fragen erscheinen da sekundär. (U.S.)

Label: Sunstone Records / Nightshade Records

„Time Takes Away“ verknüpft erneut den Stil und die unterschiedlichen Stärken der beiden Musikerinnen, die hier von einer Handvoll Instrumentalisten begleitet werden, und der Titel und das Coverartwork legen bereits nahe, dass es ein Album über die Zeit und die Kontingenz alles Bestehenden ist. Rein textlich macht sich dies aber erst nach und nach bemerkbar, denn viel mehr noch geht es in den Songs um die Liebe.

Das eröffnende „Cast a Spell“ lässt unter rituell-repetitiven Folkklängen einen klassischen Liebeszauber entstehen und macht zugleich deutlich, dass man auf diesem Album keine simplen Lovesongs erwarten darf – was hier evoziert wird, ist von einer gewaltsamen Wucht, die gezielt auf den Willen zweier Menschen einwirkt, und die verzweifelte Note, die dem ganzen innewohnt, ist durchgehend spürbar. Unerbittlich ist der Lauf der Dinge, und es gehört eine obsessive Entschlossenheit dazu, sich dem in den Weg zu stellen. Im eruptiven Höhepunkt aus Geschrei und wildem Rocksound ist dann jeder Zweifel beiseite geschoben.

Nach diesem rituellen Einstand sind die Sinne bestens geschärft für Rusalnaias Panorama der Liebe im Zeichen der Zeit. In den meisten Stücken wird deutlich, wie sehr diese an der Verbundenheit nagt und letztlich auch den Sieg davon trägt, und doch ist viel Raum für in Tragik getränkte Schönheit, wenn man ihr für Momente zu trotzen vermag. „Take me Back“ brandmarkt das Scheitern der Liebe als Schwäche und endet, gleichwohl ein Apell, im nebulösen Fadeout. Das Duett „The Love I Want“ zeichnet das Bild einer begehrten Person im Steeleye Span-Sound, „Driving“ zeichnet die Liebe als stetige Zu- und Wegbewegung und macht sie so zu einem Ort zwischen den Orten.

Rusalnaia stimmen jedoch kein Lamento an, und das gar nicht so wehmütige „Honeymoon“ bricht die Lanze für eine reife Abgeklärtheit als Antidot zu Regression und Resignation. Wenn in „Lullaby for a Future Generation“ ein trostreicher Abgesang auf den Trennungsschmerz folgt, so geschieht das mit einem Blick nach vorn, und so entpuppt sich das Stück geradezu als Loblied auf die Zeit. „Time Takes Away“ ist auch keineswegs eine wehmütige Nostalgieplatte und musikalisch noch eine Spur dynamischer als das Debüt. In einem oftmals folkrockigen Gewandt und den gelegentlichen fuzzigen Eruptionen ist es teilweise nah an Chadwicks Band Ex-Reverie und alles in allem eine recht schmissige Sache (A. Kaudaht)

Label: Cambrian Records

Unter anderem lernte sie dort auch die Sängerin Gillian Chadwick kennen, die mit ihrer Band Ex Reverie eine ebenso dynamische wie eingängige Folkvariante spielte. Die beiden wurden Freundinnen und schienen sich auch musikalisch zu verstehen, jedenfalls war bald das Duo Rusalnaia geboren, dessen Name auf eine Gruppe bösartiger Wassernymphen zurückgeht, die die zweifelhafte Gewohnheit pflegen, nichtsahnende Verirrte zu Tode zu kitzeln. Auf dem Debüt, das 2008 in Australien bei Camera Obscura erschien, war eine Musik zu hören, die von der spröden Fragilität der Engländerin ebenso lebte wie von der eingängigen Geschmeidigkeit Chadwicks, und doch passierte hier weit mehr als die bloße Zusammenführung zweier Stile.

In den Songs von meist getragener Gangart, die mal von ruhigem finger style, seltener von feurigem strumming beider Gitarren in Bewegung gehalten werden, entstehen interessante Duette, in denen die immer etwas säuerliche Stimme Sharron Kraus’ mit der poptauglicheren Gillian Chadwicks nur selten zusammen quasi im Chor erklingen. Viel lieber stimmen sie einen Wechselgesang an, bei dem sich beide Stimmen kanonartig überlappen.

Mit urigen Rasseln und in entrückten a cappella-Passagen kommt schnell die Vorstellung einer naturnahen Heterotopie auf. Die allerdings wird eher geheimnisvoll als idyllisch gezeichnet, am deutlichsten wird dies in den oft zwischen Suche und Abgeklärtheit changierenden, nichtsdestoweniger mystischen Texten und in Momenten, in denen die Musik in Repetition oder gar in kurze Atonalitäten kippt. Ob der andernorts gezogene Vergleich mit Comus nicht dennoch etwas weit geht sei dahin gestellt.

Nachdem das Album nun seit ein paar Jahren vergriffen ist, wird es nun erstmals auf Vinyl und später wohl auch auf CD wiederveröffentlicht, und Fans der beiden Sängerinnen dürfen sich zusätzlich über das Gerücht bezüglich eines bald fertig gestellten zweiten Albums freuen.

Ich möchte das Debüt außerdem den etwas aufgeschlosseneren Neofolkern ans Herz legen, die dank In Gowan Ring und anderen mitbekommen haben, dass es gute mystische Folkmusik auch außerhalb der zugeknöpften Dark Clubs gibt – vorausgesetzt, sie fürchten sich nicht vor dem letzten Lachkrampf, wenn sie von den beiden Nymphen auf recht originelle Art ins Jenseits befördert werden. Die werden nämlich mit dem finalen “The Wild Summer” belohnt, einer furiosen Feier des Zyklus der Jahreszeiten, so beschwörend wie ein heidnisches Ritual aus irgendeinem mit goldenen Ähren bewachsenen Hochland, das auf keiner Landkarte zu finden ist. (U.S.)

Label: Feeding Tube Records