Das jüngste in weitesten Sinne songorientierte Studioalbum “If A City Is Set Upon A Hill” (House of Mythology 2022) zeigte die Band, ähnlich wie dessen Vorgänger “The Light Is Leaving Us All” (The Spheres 2018) in reduzierter, elegischer Form mit Piano, gezupfter Gitarre, dezenten Drones und einer durchgehenden, prägenden Violine sowie Tibets eindringlichem Gesang, thematisch kreisten die Stücke um apokalyptische Bilder, alte religiöse und mythologische Texte und die Ambivalenz von Schöpfung und Zerstörung. Das experimenteller angelegte “Sketches Of My Nightmares And Dreams Occurring” (Cashen’s Gap 2024), das wiederum an eine andere Traditionslinie innerhalb des Oeuvres anknüpfte, stellte dem fragmentarische Stücke aus Loops, Samples, Feedback und vereinzelten Gesangspassagen gegenüber.

Samstag, 26.09.2026
Beginn 20:00 Uhr
Silent Green
Gerichtstraße 35
13347 Berlin

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Vor wenigen Wochen veröffentlichte die im Raum Barcelona beheimatete Geigerin und Komponisten Aloma Ruiz Boada ihr Debütalbum als Solomusikerin. “Septem Verba”, das sich inhaltlich mit den sieben letzten Worten Jesu am Kreuz befasst, ist ein beeindruckendes Werk und sticht aus den vielen Strings and Loops-Veröffentlichungen der letzten Jahrzehnte heraus. Wenn man seine Stärken ganz knapp auf den Punkt bringen wollte, dann könnte man vielleicht sagen dass hier das emotional Berührende und die ästhetische Weite, von der man sich als Hörer seiner eigenen Erkundung überlassen fühlen kann, in einer beinahe perfekten Balance gehalten sind. “Septem Verba” eröffnet einen heterotopischen Raum, in welchem die Hörerinnen und Hörer die Erfahrung von Verlassenheit, Schmerz, aber auch von einem entschlossenen Loslassen rituell nachempfinden können. In dem folgenden Interview sprechen wir mit der Künstlerin neben diesen Themen auch über ihre vielen anderen Aktivitäten im Kontext des Theaters und diverser zum Teil bekannter Musikgruppen. 

English Version

Vor kurzem hast du dein Soloalbum “Septem Verba” veröffentlicht, nachdem du in den letzten Jahren in verschiedenen Ensembles und Bands mitgewirkt hast. Ist diese Arbeit unter eigener Regie eine neue Erfahrung für dich oder hast du vorher schon solo gespielt?

Ich habe schon früher an Projekten gearbeitet, bei denen ich die einzige Musikerin und Komponistin war, aber das war, als ich in Theater- und Tanzensembles spielte. “Septem Verba” ist mein Solodebüt.

Was kannst du uns über die ersten Jahre deiner Karriere als Geigerin und Komponistin erzählen?

Ich habe 2008 meinen Abschluss als Geigerin an der Escola Superior de Música de Catalunya gemacht. Seitdem habe ich in Sinfonie- und Kammerorchestern gespielt, sowohl als Tutti als auch als Solistin, sowie in kleineren Ensembles wie Streichquartetten und Klavier- und Violinduos. Obwohl meine Ausbildung vor allem in klassischer und zeitgenössischer Musik erfolgte, habe ich mich schon immer auch für andere Stile und andere Facetten interessiert, die über das Musizieren hinausgehen. Im Jahr 2003 begann ich mehrere Projekte mit dem Theaterregisseur Xavier Martínez Soler, dessen alternatives und zeitgenössisches Theater stets neue Sprachen und sehr interessante und inspirierende Perspektiven der darstellenden Kunst erforscht. Obwohl ich nicht der einzige Musiker war, war dies mein erster Einstieg in die Kreation von Musikstücken oder Klangwelten und als Mitglied eines Ensembles für darstellende Künste. Die Arbeit mit Xavi war auch meine erste Erfahrung mit einer experimentellen Sprache jenseits des klassischen Stils. 2015 begann ich mit der erstaunlichen und innovativen Tänzerin und Choreografin für zeitgenössischen Tanz Eulàlia Bergadà Serra zu arbeiten. Ihre Projekte gaben mir die Möglichkeit, mein kreatives Komponieren weiterzuentwickeln, insbesondere als ich begann, Loop- und Effektpedale zu verwenden. Zu dieser Zeit war ich auch in der Cal Teatre Company, die Kinder- und Familienshows aufführt, die auf einer erforschenden und reflektierenden Sicht der Fantasiewelt von Kindern basieren. Dank ihnen fand ich eine Verbindung zu einer unschuldigeren, naiven kreativen Seite. Du spielst seit einigen Jahren auch in experimentelleren Musikgruppen wie Current 93. Ist dieser Bandkontext auch etwas, das du von Anfang an gemacht hast, oder ist das eher zufällig passiert?

Bevor ich 2012 anfing, mit Current 93 zu spielen, hatte ich mich bereits mit Xavi Martinez Soler auf eine experimentellere Musiksprache eingelassen, aber auch auf Jams im Folk-Stil. Es war eine Kombination, die mich in dieser Art von Musik bereichert hat, aber Current 93 war für mich die erste Band, die sich mit diesem Stil beschäftigte.

Wie lange haben die Ideen und die Musik von “Septem Verba” gebraucht, um sich zu entwickeln und bis zum endgültigen Stadium zu reifen?

Ich beschäftige mich schon seit Jahren leidenschaftlich mit diesen Ideen und hatte schon überlegt, etwas über die Septem Verba zu machen, die sieben letzten Worte, die Jesus am Kreuz sagte, aber erst 2018 beschloss ich, mit der konzeptionellen, emotionalen und klanglichen Recherche zu beginnen, die zu diesem Album führte. Ich begann allmählich zu erforschen, was jedes der sieben Worte zu mir sagte, sie neu zu interpretieren und sie durch eine Seele, die sie durchläuft, in Besitz zu nehmen. Um all diese Erfahrungen und Emotionen auf die musikalische Ebene zu bringen, begann ich zusätzlich zu den Effektpedalen, die ich bereits besaß, die Musikprogrammierung und die Computertechnik mit Midi-Controllern und Loopern zu erforschen, was mir mehr Freiheit und kreative Möglichkeiten gab. Es dauerte ziemlich lange, bis ich mich mit diesen neuen Werkzeugen zurechtfand. Im März 2020 hatte ich eine Menge davon im Griff, und als der Lockdown und die Pandemie es endlich zuließen, konnte ich alle Tracks fertigstellen und die Aufnahmen und den Mix machen. Kurze Zeit später habe ich alles Demian Recio übergeben, damit er es mastert. Er ist ein brillanter Musiker mit immenser Erfahrung, und es war ein sehr reibungsloser Prozess. Danach begannen wir, mit Raúl und Eva vom Label Grabaciones Sentimentales zusammenzuarbeiten, die mich unterstützten und mir viel Hilfe bei der Verwaltung und Veröffentlichung des Albums leisteten und auch die Verbindung zu Hidden Track Records für die rechtlichen und anderen Aspekte darstellten. Eva *Grace* Galdón war eine der ersten Personen, denen ich die Musik gab, nachdem ich sie fertiggestellt hatte. Sie kann ihre ganze Weisheit und Mystik mit einem perfekten Stil für “Septem Verba” in Sprache übersetzen, also schlug ich ihr vor, mit mir an diesem Projekt zu arbeiten und einen Text zu schreiben, der von jedem Track inspiriert ist. Das Ergebnis sind sieben außergewöhnliche literarische Perlen, die aus ihrer Beziehung zu Septem Verba hervorgegangen sind. Damals, im Jahr 2020, begann ich auch den gesamten Prozess des Album-Artworks mit Gerardo Masanti, einem vielseitigen und äußerst kreativen Künstler, der die Sprache der Bilder sehr gut beherrscht. Ich teilte ihm meine Idee mit, aus verschiedenen Inspirationsquellen zu schöpfen. Eine davon war das Farbspektrum der Steine Tigerauge und Lapislazuli. Diese Mineralien waren mir in meinem Leben sehr wichtig, und ich interessierte mich auch für die Dualität der charakteristischen Töne jedes Steins: Blau/Braun und Himmel/Erde. Die zweite Quelle waren die Glasfenster in Kirchen, um die herum das Kunstwerk entstand. Dies ist ein architektonisches Merkmal, das mich fasziniert, und ich mag das Konzept der Buntglasfenster als Eintrittspunkt für Gottes Licht, um die Dunkelheit zu erhellen; Gottes Botschaft durch Licht. In der Bedeutung von “Septem Verba” sah ich sie als die ursprünglichen Fragmente eines Juwels, die durch einen harten Aufprall in tausend Stücke zerbrochen wurden. Diese Scherben wurden aufgesammelt und wieder zusammengesetzt, um ein neues Stück zu schaffen, was eine Parallele zu Tod und Auferstehung darstellt. Es war eine echte Suche, die Gerardo mit einem großartigen Kunstwerk abschließen konnte.

Wie der Titel “Septem Verba” andeutet, beziehen sich die Stücke stark auf die Kreuzigung Christi, und die meisten Titel bestehen aus Versen aus dem Lukas-Evangelium, die von dieser Episode berichten. Gab es einen bestimmten Impuls, der dich dazu brachte, dieses Sujet in deiner Musik zu erforschen?

Obwohl ich nicht religiös bin, berühren mich die Sieben letzten Worte, die Jesus kurz vor seinem Tod sagte, sehr. Für mich symbolisieren diese Worte den Höhepunkt des menschlichen Gefühls des Leidens und der Verletzlichkeit, da sie von der Person gesagt wurden, die sich als Sohn Gottes fühlte. Verlassenheit, Schmerz, Traurigkeit, Enttäuschung, Einsamkeit auf dem Höhepunkt. Es gibt keine Grenzen mehr, wenn du denkst, dass Gott als dein Vater und du als Messias dich verlassen hast, nachdem du dich ganz und gar für ihn geopfert hast. Ich wollte diese Gefühle wirklich verarbeiten und sie mit Hilfe der Musik erkunden. Ich war auch sehr an der Idee des Opfers als Akt der Hingabe an den Glauben und die Hoffnung in diesem Kapitel der Bibel interessiert, wo das Annehmen von Leiden ein fester Bestandteil des Opferprozesses ist.

Ist das Album als eine Art Zyklus konzipiert? Die glockenartigen Klänge im ersten und letzten Stück implizieren vielleicht so etwas wie eine Schwelle, durch die man einen bestimmten Erfahrungsraum betritt und wieder verlässt… Wenn du dem zustimmst, welche Art von Erfahrung kann dieser heterotopische Raum (für dich und für die Hörer) bieten?

Für mich symbolisiert dieses Album das Opfer von Tod und Auferstehung in einer Reise durch die sieben Tracks des Albums. Es ist ein Ritual, das von einer sterbenden, erschöpften, traurigen, verlassenen und müden Seele vollzogen wird, die sich in dieses menschliche Leiden und diesen Schmerz vertieft und sich ihm stellt, indem sie zu seiner eigentlichen Essenz wird, und die sich dem Glauben und der Hoffnung hingibt, als reiferes, weiseres Wesen zurückzukehren, das sich dem Leiden und dem Schmerz stellen, sie akzeptieren und sich mit ihnen versöhnen kann. Der gesamte Prozess der Aufopferung wird zur Heilung als inhärente Lektion des Lebens. Deshalb enthält jeder Track etwas, das den Herzschlag, das Leben darstellt. Das Herz schlägt sogar im Abgrund. In diesem Zusammenhang stehen die Glocken für den Tod, die Stimme Gottes. Sie wird im ersten Stück (“Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen?”) als Beginn des Rituals angekündigt und eingeführt, in einem Dialog zwischen den Glocken/Gott/Tod und der Violine, in dem die Stimme der Seele durch das Leiden gebrochen wird. Gegen Mitte der Reise, auf dem Stück lV (“Ich sage dir, heute wirst du mit mir im Paradies sein”), während die geopferte Seele das Paradies mit ihrem Herzen streichelt, das Licht, den Frieden genießt, für immer an diesem Ort sein möchte… trifft sie plötzlich, wie ein kalter Luftzug, wieder das Leid und lässt sie in den Abgrund stürzen. Die Glocken beginnen zu läuten, wie ein Messer, das in sein Herz sticht, um ihn an den bevorstehenden Tod zu erinnern. Nach drei Glockenschlägen fragt die Violine, die Stimme der Seele, mit einer gewissen Wut und Hilflosigkeit wiederholt Gott: “Warum? Warum geht das Leiden weiter”? (dieses Motiv wird in Titel VI weiter entwickelt). Im letzten Stück (“In deine Hände lege ich meinen Geist”) verkünden die Glocken, dass die Zeit gekommen ist, die Zeit, sich dem Tod, Gott zu ergeben, diesmal im Dialog mit der Violine. Schließlich übergibt sich die Seele, deren Stimme heiser und gebrochen ist von dem, was sie durchgemacht hat, allein, mit dem letzten Atemzug des Leidens, an Gott. Ich sehe das Stück also nicht als Zyklus, sondern eher als kathartisches Ritual, als einen Raum, aus dem man verändert herauskommt, wenn man hineingegangen ist.

Während dein Hauptinstrument die Geige ist, gibt es auf dem Album auch eine Menge Effekte, Mischungen und vielleicht andere elektronische Details. Hat die Zusammenarbeit mit Demian Recio einen starken Einfluss darauf gehabt? Wie war die Zusammenarbeit bei den Stücken?

Demian Recio ist ein Musiker, den ich sehr bewundere. Elektronische und akustische Klänge voller Gefühl, Zartheit und Kraft zusammen mit Texten reiner Poesie schaffen eine einzigartige und wunderbare musikalische Persönlichkeit. Einflüsse wie Demians Musik sind in meiner kreativen Vorstellungskraft präsent, wenn ich meine eigene Sprache erforsche und kreiere. Als ich den endgültigen Mix aller Tracks hatte, gab ich ihn Demian für sein Feedback, weil ich seine Erfahrung als Musiker und Produzent seiner eigenen Alben mit Ô Paradis und anderer sehr schätze. Wir haben vor allem an der Gesamtlautstärke des Mixes der einzelnen Tracks gearbeitet, denn bei meinen klassischen Einflüssen war die Lautstärkeschwelle zwischen dem niedrigsten und dem lautesten Pegel zu breit. Ich wollte, dass das Endergebnis so nah wie möglich an dem Original bleibt, das ich ihm gegeben hatte, denn während des gesamten Prozesses der Kreation, Aufnahme, Produktion und Abmischung war ich besessen von der Suche nach dem spezifischen Klang jeder Stimme, jeder Schicht, jedes Elements und jeder Klangebene in jedem Moment. Mit seiner Erfahrung und Magie war Demian in der Lage, die Lautstärken anzupassen und den ursprünglichen Klang beizubehalten, ja sogar zu verbessern.

Wie ist zum Beispiel der Klang eines sehr elektronischen Stücks wie “Pater dimitte illus…” entstanden?

In diesem Stück (“Vater, vergib ihnen, sie wissen nicht, was sie tun”), obwohl Jesus diese sehr mitfühlenden Worte über die Menschen sagte, die ihn auf dem Weg zur und während der Kreuzigung verurteilten, folterten, misshandelten und verhöhnten, empfindet die Seele, die sich dem Ritual unterzieht, das während des Albums durchgeführt wird, tiefe Wut und Zorn gegenüber den Menschen, gegenüber ihrer potenziellen Fähigkeit, anderen Schmerz und Leid zuzufügen. Sie hat das Bedürfnis, all diese Wut herauszulassen, die Wut selbst zu sein und sich bis zum letzten Tropfen auszukotzen, indem sie die verrückte Schlussmelodie schreit, die auf dem Dies Irae-Motiv basiert. Sie spuckt die Wut aus, um sich mit dem Menschen zu versöhnen. Mit sich selbst. In diesem Zusammenhang brauchte Track V aggressivere, explosivere und gewalttätigere Klänge als die anderen Stücke des Albums. Bei der elektrischen Geige experimentierte ich mit Pedalen für verschiedene Arten von Verzerrung, Overdive und Delay, sowohl für das Zupfen als auch für die Schlussmelodie. Bei der Basslinie, die von Anfang an dabei ist, habe ich mit dem Ableton-Programm ebenfalls nach einem verzerrten und aggressiven Sound gesucht, der zusammen mit dem Beat das rhythmisch beschleunigte, wütende Atmen und Schlagen des Herzens beinhaltet.

Bist du auch von anderen Werken der (liturgischen und anderen) Musik inspiriert, die sich mit diesem speziellen Thema befassen?

Ich höre oft orthodoxe Gesänge, und sie haben mich wahrscheinlich beim Aufbau und der Suche nach Spiritualität durch Melodien beeinflusst, die mit einem Pedalpunkt verbunden sind, der für einige dieser Gesänge sinnbildlich ist. Arien aus der Oper, die mir sehr am Herzen liegen, mögen auch bei der Suche nach Lyrik in den Melodien der Violine, der Stimme der Seele, eine Rolle gespielt haben.

Du hast zwei weitere musikalische Quellen als Teile der Kompositionen verwendet. Während sich der Choral “Vexilla Regis” ebenfalls auf das Motiv des Kreuzes bezieht, stammt die Arie aus Camille Saint-Saens’ Oper Samson y Delilah aus einem anderen biblischen Kontext. Siehst du die Verbindung eher auf einer ästhetischen Ebene?

Ich hatte schon andere Arbeiten gemacht, bei denen ich meine Musik mit Samples von Chören und Stimmen gemischt habe, und es hat mir sehr gut gefallen, also wollte ich mit dieser Idee auf diesem Album weiter experimentieren. Ich fand den gregorianischen Gesang “Vexilla Regis” als Teil von Track I konzeptionell und ästhetisch interessant, als Dialog mit den anderen Klängen und Melodien, da er sich auf das Kreuz Jesu als Frauenchor bezieht, und um die sakrale und intime Klangfülle zu verstärken, die für diesen Track charakteristisch ist. Die Arie “Mon coeur s’ouvre á ta voix” aus der Oper Samson und Delilah von Camille Saint-Saëns habe ich unter anderem deshalb in Track III aufgenommen, weil sie eines meiner Lieblingsstücke ist. Lange Zeit habe ich es mir immer wieder angehört, fast wie besessen. Es ist sehr wertvoll für mich, und ich wollte, dass es in irgendeiner Weise Teil dieses Projekts ist. Außerdem passte diese Arie sehr gut in den Hintergrund dieses Stücks. Sitio (“Mich dürstet”), das Wort, das Jesus am Kreuz sagte, als er durstig war. Anstelle von Wasser gaben ihm die Römer einen in Essig getränkten Schwamm, um die Wunden in seinem Mund zu stechen. Dies symbolisiert den Durst/die Sehnsucht Jesu nach seinem Tod und der anschließenden Auferstehung, den Durst/die Sehnsucht nach dem Ende des Leidens. Parallel dazu versucht Delila mit dieser Arie Samson zu verführen und dazu zu bringen, sich in sie zu verlieben, um das Geheimnis seiner Stärke zu enthüllen. In diesem Spiel der Verführung benutzt Delilah den Gesang, um Samson zu bitten, sie zu lieben, ihrem Ruf nach Liebe zu folgen. Sehnsucht nach Liebe, Durst nach Liebe. Sitio. Die geopferte Seele des Albums “Septem Verba” dürstet nach Liebe, sie dürstet nach Tod und Auferstehung, sie dürstet nach Heilung, ein Durst, der bisher nur mit Essig gestillt wurde.

Gibt es Ideen für die Aufführung von “Septem Verba” in einem Live-Kontext? Was wäre dein Lieblingsort / Kontext, um diese Musik auf die Bühne zu bringen?

Ich bin derzeit auf der Suche nach Veranstaltungsorten, an denen ich “Septem Verba” live spielen kann. Für mich ist es wichtig, “Septem Verba” zu spielen, weil es der Live-Ausdruck des Rituals ist, aus dem das Album entstanden ist. Das Septem Verba-Ritual live erleben zu können, ist die Fortsetzung und der Höhepunkt des bisherigen Prozesses. Mir schweben Räume vor, in denen die Stille die Musik begleitet. Idealerweise würde ich es gerne in Kirchen aufführen, aber das sind nicht die einzigen Orte, die ich im Auge habe.

Wie du schon sagst, hast du in der Vergangenheit mehr in Gruppen mit anderen Musikern oder in einem Theaterkontext gespielt. War die Aufnahme eines Soloalbums eine Herausforderung für dich?

Der Start meiner Solokarriere war eine echte Herausforderung. Es war ziemlich entmutigend, zum ersten Mal vor einer leeren Leinwand zu stehen, aber mein unbändiger Drang, es zu tun, trieb mich Schritt für Schritt voran. Das Angebot des Labels Grabaciones Sentimentales, mein Album bei ihnen zu veröffentlichen, hat ebenfalls einen großen Anteil daran, dass ich mich dieser Herausforderung gestellt habe, in der Hoffnung, dass sie sich in irgendeiner Weise verwirklichen lässt. Sie haben von Anfang an an mich geglaubt, und dank ihnen hat dieses Album das Licht der Welt erblickt.

Siehst du eine direkte Auswirkung deiner Gruppenerfahrungen auf deinen Ansatz als Solomusikerin?

Es macht mir sehr viel Spaß, zu spielen, zu kreieren und die Bühne mit anderen Künstlern zu teilen. Der Kontakt mit anderen Energien bereichert und verbindet. Jedes künstlerische Gruppenprojekt formt mich als Mensch und Musiker. Im Laufe der Jahre entwickelt man seine eigene innere Sprache, auch in der Interaktion mit anderen Künstlern. Die Suche nach dem eigenen inneren Klang, die Entdeckung von Werkzeugen wie Loop- und Effektpedalen, Körperlichkeit, Raum und Bewegung, vor allem in den Tanz- und Theaterprojekten, an denen ich beteiligt war, sind durch die Zeit hindurch architektonische Merkmale, die in den musikalischen Kreationen präsent sind. All diese Erfahrungen weckten in mir das Bedürfnis, meine eigene Sprache in völliger Freiheit zu erforschen, aus meinen Inspirationen, meinen Intuitionen, meinen Strukturen zu schöpfen und mich noch tiefer mit meinem innersten Wesen zu verbinden. Es war eine Einsamkeit, Introspektion und Intimität, die ich wirklich brauchte.

Ich denke, dass dein Beitrag zu Current 93′s neuestem Album und den jüngsten Konzerten sehr fruchtbar ist. Was ist das Inspirierendste an der Zusammenarbeit mit David und den anderen Musikern?

Die Current 93-Familie ist erstaunlich, auf menschlicher, emotionaler, künstlerischer, musikalischer und poetischer Ebene. Zu ihr zu gehören und all dies zu erleben, erfüllt mich mit Freude. Und in der magischen Atmosphäre, die mit ihnen allen geschaffen wurde, fließt alles, wenn es darum geht, meinen Teil beizutragen und Melodien mit der Geige zu erschaffen und all die Schönheit aufzusaugen, die von der Current 93-Familie ausgeht.

Ich hoffe, du planst, deine Soloarbeit fortzusetzen. Was sind die nächsten Schritte auf deinem Plan?

Erstens, nach Konzerten zu suchen und “Septem Verba” oft und an vielen Orten live erleben zu können. Parallel dazu möchte ich weiterhin mit meiner geliebten Geige und all dem Zubehör wie Pedalboards, Loops, Midis und so weiter nach Klängen und Emotionen suchen, so dass ich bereits über das nächste Album nachdenke. Es könnte eine Weile dauern, bis es fertig ist, aber die Saat ist gelegt.

Fotos © Dani Álvarez und Eva Grace Galdón

Interview: Uwe Schneider

Aloma Ruiz Boada @ Grabaciones Sentimentales | Discogs | Youtube | Spotify

A few weeks ago, Catalan violinist and composer Aloma Ruiz Boada released her debut album as a solo musician. “Septem Verba”, which deals with the seven last words of Jesus on the cross, is an impressive work and stands out from the many Strings and Loops releases of the last decades. If one wanted to sum up its qualities very succinctly, then one could perhaps say that here the emotionally touching and the aesthetic expanse, of which the listener can feel abandoned to his own exploration, are held in an almost perfect balance. “Septem Verba” opens up a heterotopic space in which listeners can ritually recreate the experience of abandonment, pain, but also of a determined letting go. In the following interview, we talk with the artist not only about these topics but also about her many other activities in the context of theatre and various music groups, some of which are well-known.

German Version

Just a couple of days ago, you released your solo album Septem Verba after contributing to various ensembles and bands in the past years. Is this work under your own direction a new experience for you or did play solo before?

I’d worked on projects before where I was the only musician and composer, but that was when I was in theatre and dance companies. “Septem Verba” is my solo debut.

What can you tell us about the initial years of your career as a violinist and composer? It’s known that you played for theat companies for quite some years…

I graduated as a violinist from the Escola Superior de Música de Catalunya in 2008. Since then I’ve played in symphony and chamber orchestras, both as tutti and soloist, as well as in smaller ensembles such as string quartets and piano and violin duos.
Although my training was predominantly in classical and contemporary music, I’ve always been interested in other styles and other facets beyond performing.
In 2003 I embarked on several projects with the theatre director Xavier Martínez Soler, whose theatre is alternative and contemporary, always exploring new languages and very interesting and inspiring performing arts perspectives. Although I wasn’t the only musician, this was my first inroad into creating musical pieces or sound environments and as a member of a performing arts company. Working with Xavi was also my first experience of an experimental language beyond the classical style.
In 2015, I started working with the amazing and innovative dancer and contemporary dance choreographer Eulàlia Bergadà Serra. Her projects gave me the chance to develop my creative composing further, especially when I started using loop and effects pedals.
At that time I was also in the Cal Teatre Company, which does children’s and family shows based on an exploratory and reflective view of the imaginary world of children. Thanks to them I found a connection to a more innocent, naive creative side.

You also play in experimental music groups like Current 93 for some years now. Is this band context also something you did from the beginning, or did it happen more incidentally?

Before I started playing with Current 93 in 2012, I’d already got into more experimental language with Xavi Martinez Soler, as well as more folk-style jams. It was a combination that enriched me in this type of music, but Current 93 was the first band per se with this style.

How long did the ideas and the music of Septem Verba take to develop and ripen up to it’s final stage?

I’ve been passionate about it for years and had been considering doing something on the Septem Verba, the Seven Last Words that Jesus said on the cross, but it was in 2018 when I decided to start the conceptual, emotional and sound research that led to the album. I gradually started delving into what each of the Seven Words said to me, reinterpreting them and taking ownership of them through a soul that would run through them.
To take all these experiences and emotions to the musical level, in addition to the effect pedals I already had, I started exploring music programming and computing with midi controllers and loopers, which gave me more freedom and creative options. It took me quite a long time to get to grips with these new tools. By March 2020, I had a lot of it under my belt and when lockdown and the pandemic finally permitted, I was able to finalise all the tracks and do the recording and mixing.
Not long after that I gave it all to Demian Recio for him to master it. He’s a brilliant musician with immense experience and it was a very smooth process.
After that, we started working with Raúl and Eva from the record label Grabaciones Sentimentales, who supported me and gave me a lot of help with managing and releasing the album, as well as being the link to Hidden Track Records for the legal and other aspects.
Eva *Grace* Galdón was one of the first people I gave the music to once I’d finished it. She can translate her entire whole of wisdom and mysticism into language with a perfect style for Septem Verba, so I suggested she work with me on this project with a text inspired by each track. The outcome is seven extraordinary literary gems that have come out of her relationship with Septem Verba.
At that time in 2020 I also started the whole album artwork process with Gerardo Masanti, a multifaceted and highly creative artist with a huge command of the plastic arts. I told him my idea to draw on several sources of inspiration. One was the colour spectrum of tiger eye and lapis lazuli stones. These minerals were really important to me at one point in my life, and I was also interested in the duality of the characteristic tones of each stone: blue/brown and heaven/earth. The second was stained glass windows in churches to build the artwork around. This is an architectural feature that fascinates me, and I like the concept of stained glass windows as the entry point of God’s light to illuminate the darkness; God’s message through light. Within the meaning of Septem Verba I saw them as the original fragments of a jewel that have been shattered into a thousand pieces by a hard impact. These shards were gathered up and put together again to create a new piece, paralleling death and resurrection. It was a real quest that Gerardo managed to culminate with a great work of art.

As the title “Septem Verba” suggests, the pieces strongly refer to the crucifixion of Christ, and most track titles consist of verses from the Gospel of Luke reporting this episode. Was there a certain impulse that lead you to explore this sujet in your music?

Although I’m not religious, the Seven Last Words that Jesus said just before he died move me deeply.
For me, these words symbolise the height of the human feeling of suffering and vulnerability as they were said by the person who felt himself to be the Son of God. Abandonment, pain, sadness, disappointment, loneliness at its peak. There is no limit beyond this if you think that God, as your father and you as the Messiah, has abandoned you after sacrificing yourself for him wholly and utterly.
I really wanted to work on these feelings and explore them through music.
I was also very interested in the idea of sacrifice as an act of surrender to faith and hope from this chapter of the Bible, where accepting suffering is an inherent part of the process of sacrifice.

Is the album conceived as a kind of cycle? The bell-like sounds in the first and last piece perhaps imply something like a threshold through which one enters and exits a certain experiential space…If you agree with this, what kind of experience can this heterotopic space provide (for you and for the listeners)?

For me this album symbolises the sacrifice of death and resurrection in a journey through the seven tracks on the album. It’s a ritual carried out by a soul who is dying, exhausted, sad, abandoned, tired, who delves into and faces up to this human suffering and pain, becoming its actual essence, and who surrenders to faith and hope to come back as a more mature, wiser Being who can face, accept and reconcile with suffering and pain. The whole process of sacrifice becomes healing as an inherent lesson of life. That is why each track contains something that represents the heartbeat, life, living. The heart beats even in the abyss.
In this context, the bells represent death, the voice of God. It is announced and introduced in the first track (My God, My God, why have you forsaken me?) as the beginning of the ritual, in a dialogue between the bells/God/death and the violin, where the soul’s voice is broken by suffering. Towards the middle of the journey, on track lV (I say to you, today you will be with me in Paradise), while the sacrificed soul is caressing Paradise with her heart, savouring the light, the peace, wanting to be in this place forever… suddenly, like a breath of cold air, suffering hits her again, sending her plummeting into the abyss. The bells start ringing, like a knife stabbing his heart to remind him of impending death. After three bells, the violin, the voice of the soul, with a degree of anger and helplessness, repeatedly asks God, “Why? Why does the suffering go on? (this motif is further developed in track VI).  By the last track (Into your hands I commit my spirit), the bells are announcing that the time has come, the time has come to surrender to death, to God, this time in a dialogue with the violin. Finally, alone, the soul, whose voice is hoarse and broken by what she has been through, surrenders to God, at the last breath of suffering.
So rather than a cycle, I see it more as a cathartic ritual, a space that you come out of changed from when you went in.

Whereas your main instrument is the violin, there’s also a lot of effects, mixing and perhaps other electronic details on the album. Did working with Demian Recio leave a strong effect on this? How was your cooperation on the pieces?

Demian Recio is a musician I truly admire. Electronic and acoustic sounds replete with feeling, delicacy and strength together with lyrics of pure poetry create a unique and wonderful musical personality. Influences like Demian’s music are in my creative imagination when I’m investigating and creating my own particular language.
When I had the final mix of all the tracks, I gave it to Demian for his feedback because I really value his track record as a musician and producer of his own albums like Ô Paradis and others. We mainly worked on the overall volume of the mix of each track, because with my classical influences, the volume threshold between the lowest and loudest level was too wide. I wanted the final result to sound as close as possible to the original I’d given him because throughout the process of creating, recording, producing and mixing that I did, I was obsessive in the search for the specific sound of each voice, each layer, each element and sound plane in every moment. With his experience and magic, Demian was able to adjust the volumes and keep the original sound, even to enhance it.

How for instance did the sound of a very electronic piece like “Pater dimitte illus…” develop?

On this track (Father, forgive them, they know not what they do), although Jesus said these very compassionate words about the people who were judging, torturing, mistreating and jeering him on the way to and during the crucifixion, the soul who undergoes the ritual carried out during the album feels deep anger and rage towards human beings, towards their potential capacity to cause pain and suffering in others. She feels the need to get all this rage out, to be the rage itself and vomit herself to the last drop by screaming the crazy final melody based on the Dies Irae motif. She is spitting out rage to reconcile herself with the human being. With herself.
In this context, track V needed more aggressive, explosive and violent sounds than the other tracks on the album. With the electric violin I was experimenting with pedals for various types of distortion, overdive and delay, both for the plucking and the final melody. With the Ableton programme, the bass line that features from the beginning also has the search for a more distorted and aggressive sound behind it, and together with the beat holds the more rhythmically accelerated, more furious breathing and beating of the heart.

Did you also draw influence from other works of (liturgical and other) music that dealt with this particular subject?

I often listen to orthodox chants and they’ve probably influenced me in building and finding spirituality through melodies connected to a pedal point, which are emblematic of some of these chants. Arias from opera, a genre so dear to me, may also have been present in the search for lyricism in the melodies of the violin, the voice of the soul.

You used two other musical sources as parts of the compositions. As the chorale “Vexilla Regis” also refers to the motif of the Cross, the aria from Camille Saint-Saens’ opera Samson y Delilah originates in a different biblical context. Do you see the connection more on an aesthetic level?

I’d done other work mixing my music with samplers from choirs and voices and I had really liked it, so I wanted to continue experimenting with this idea on this album.
I thought the Gregorian chant “Vexilla Regis” was conceptually and aesthetically interesting as part of track I, as a dialogue with the other sounds and melodies, since it refers to the Cross of Jesus as a female choir, and to reinforce the sacred and intimate sonority that is characteristic of this track.
With regard to the aria “Mon coeur s’ouvre á ta voix”, from Camille Saint-Saëns’ Samson and Delilah opera, I put it in track III partly because it is one of my favourite pieces. For a long time I listened to it over and over kind of obsessively. It’s very precious to me and I wanted it to be part of this project in some way. Also, this aria really fitted in to the background of this track. Sitio (I thirst), the word that Jesus said on the cross when he was thirsty. Instead of water, the Romans gave him a sponge soaked in vinegar to sting the wounds in his mouth. This symbolises the thirst/desire that Jesus had for his death and consequent resurrection, the thirst/desire for the end of suffering. In parallel, Delilah tries to seduce and make Samson fall in love with her with this aria, to reveals the secret of his strength. In this game of seduction Delilah uses song to beg Samson to love her, to answer her call of love. Desire for love, thirst for love. Sitio. The sacrificed soul of the Septem Verba album is thirsty for love, thirsty for death and resurrection, thirsty for healing, a thirst that had so far only been met with vinegar.

Are there any ideas for performing Septem Verba in a live context? What would be your favorite place / context to bring this music on stage?

I’m currently looking for venues where I can play Septem Verba live. For me it’s important to perform Septem Verba because it’s the live expression of the ritual that the album stems from. Being able to experience the Septem Verba ritual live is the continuation and culmination of the process so far.
I have in mind spaces where silence accompanies music. Ideally, I would like to perform it in churches, but they’re not the only places I am looking at.

As you said, you preferred to play in in groups with other musicians or in a theatre context in the past. Was recording a solo album a challenge for you?

Launching my solo career has been a real challenge. It was quite daunting to face a blank canvas for the first time but my fierce need to do it drove me on step after step. The record label Grabaciones Sentimentales’ proposal to release my album with them was also a big part in taking on this challenge, with the enthusiasm that it could be materialised in some way. They believed in me from the outset and thanks to them this album has seen the light.

Do you see a direct effect of these group experiences on your approach as a solo musician?

I get a great deal out of playing, creating, sharing the stage with other artists. Being in contact with other energies enriches and unites. Every group artistic project shapes me as a person and musician. Over the years you develop your own inner language, including by interacting with other artists. The quest for your personal inner sound; discovering tools like loop and effect pedals; corporality, space and movement, above all in the dance and theatre projects I was involved in, are architectural features through time that are present in your musical creations. All these experiences stirred my need to explore my own language with total freedom, to create from my inspirations, my intuitions, my structures, connecting even more deeply to my most intimate essence. It was a solitude, introspection and intimacy that I really needed.

I think that your contribution to Current 93′s newest album and the recent concerts is very fruitful. What is the most inspiring thing in working with David and the other musicians?

The Current 93 family is amazing, on the human, emotional, artistic, musical and poetic levels. Belonging to it and experiencing all this fills me with joy. And in the magical atmosphere created with all of them, everything flows when it comes to doing my bit and building melodies with the violin, soaking up all the beauty that radiates from the Current 93 family.

I hope that you plan to go on with your solo work. What are the next steps on your schedule?

Firstly, to look for concerts and be able to experience Septem Verba live many times and in many places. In parallel I really want to continue investigating and looking for sounds and emotions with my beloved violin and all the accoutrements of pedalboards, loops, midis and so on, so I’m already thinking about the next album. It may take a while to finish but the seed has been planted.

Fotos © Dani Álvarez and Eva Grace Galdón

Interview: Uwe Schneider

Aloma Ruiz Boada @ Grabaciones Sentimentales | Discogs | Youtube | Spotify

Alles in dieser Musik strebt nach oben, selbst wenn das monotone Pulsieren einsetzt, welches das Motiv der Glocken wieder aufgreift. Das vielleicht zentrale Moment, das reine Gefühl, bricht sich am Ende Bahn durch die einfachen melodischen Ornamente auf den höheren Seiten der Violine. In diesem merkwürdigen Zwischenbereich bewegt sich das erste Stück auf Aloma Ruiz Boadas Album “Septem Verba”. Sein Titel “Eloi, Eloi, lama sabactani?” (dt: “Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen?”) entstammt dem Markus-Evangelium des Neuen Testaments und führt mitten in einen der dramatischsten und zugleich rätselhaftesten Stoffe der Religionsgeschichte, die Kreuzigung Christi und die letzten Worte des Erlösers.

“Septem Verba” ist das auf Violine und Elektronik basierende Solodebüt der katalanischen Geigerin und Komponistin Aloma Ruiz Boada, die in ihrer Heimatregion um Barcelona bereits seit Jahren als Theatermusikerin von sich reden macht und auch schon in einigen lokalen Bands – u.a. Ô Paradis und Comando Suzie – zu hören war, und die einem internationalen Publikum sicher seit einigen Jahren als Mitglied von Current 93 bekannt ist. Gerade dem jüngsten Album “If a City Is Set Upon A Hill” hat sie mit ihren wehmütigen Violinparts auch ihren eigenen Stempel aufgedrückt. “Septem Verba” ist ein zyklisch aufgebautes Werk, das sich, wenn man nach den Titeln geht, ganz den letzten Worten des gekreuzigten Christus widmet, wie sie in den drei synoptischen Evangelien und v.a. bei Lukas festgehalten werden, und auch der Gesang im Opener entstammt mit “Vexilla Regis” einem Choral mit Passionsbezug. Es ist ein emotional ungemein berührendes Werk geworden, dessen zum Teil recht unterschiedliche Tracks dem Hörer keinen Leerlauf gönnen.

Es mag eine ganze Weile dauern, bis man “Septem Verba” so weit verarbeitet hat, dass man über so etwas wie einen stimmungsmäßigen roten Faden sprechen kann. Eine gewisse Emporgehobenheit fast aller Stücke offenbart sich allerdings schon früh. Dabei ist es ganz gleich, ob es sich um getragene Komponenten handelt, wie das kurz vor dem Finale für Besinnung und Dramatik gleichsam sorgende “Consummatum est” mit seinem berührenden Solo, oder um pulsierende, hypnotische Stücke wie “Mulier ecce filius tuus, ecce mater”, bei dem das Verhältnis zwischen elektronischer Bearbeitung und akustischen Violinparts zunächst zugunsten der Elektronik auszufallen scheint. In einem Setting knapp über dem Erdboden bringt eine Geigenmelodie wieder reines Gegühl ins Spiel, und wie bei klassischer Minimal Music kommen immer wieder neue perkursive Details und Streichermotive hinzu. Es scheinen die wunderschönen melodischen Ornamente zu sein, die dem Stück die dornengespickte Krone aufsetzen. Ähnliches kann man von “Sitio” sagen, zumindest vordergründig, aber hier überraschen beinahe abrupte Wendungen in Gangart, Melodie und Klangfarben. Letztlich nimmt das nicht Wunder, denn bereits die Arie aus Camille Saint-Saëns’ Oper Samson und Delilah, die zu Beginn als verwehtes Sample zu hören ist, gibt dem Song eine breite Polysemie.

Nach “Amen dico tibi hodie mecum eris in paradiso”, das in ruhiger Spannung das Glockenmotiv des Anfangs wieder aufgreift und in seiner wartenden Struktur einiges an Aufruhr und Dramatik zulässt, beginnt mit “Pater dimitte illis, non enim sciunt, quid faciunt” das vielleicht ungewöhnlichste Stück. Sicher nicht ganz ohne den Einfluss des an der Aufnahme beteiligten Demian Recio beginnt das Stück fast wie Elektro Clash und entpuppt sich als kompaktes, poppig-treibendes Stück, das wie eine Klang gewordene Bereitschaft mit gelassenem Mut durch gefahrvolle Stationen braust, bis zur rauen Klimax eines elektrifizierten Geigensolo. Das finale “Pater in manus tuas commendo spiritum meum” (dt: “Vater in deine Hände, ich empfehle meinen Geist”) ist einigen sicher schon von der letztjährigen Single-Auskopplung bekannt. Hier scheint die ganze Vielfalt aus Andächtigkeit und Aufruhr noch einmal komprimiert zu sein.

Man könnte viel zu “Septem Verba” sagen: Man könnte seine beeindruckende Tiefe gerade bei einem Debüt hervorheben, die Frage nach einer traumartigen Struktur stellen, Vergleiche zu einigen Arbeiten Max Richters ziehen oder einen theologischen Diskurs bemühen. “Septem Verba” allerdings ist ein Werk, das zum pathosfreien Schweigen einläd, und nur so kann man es immer wieder neu erkunden und entdecken. (U.S.)

Schaut man in die Entwicklung Current 93s, dann ist es sicher kein Zufall, dass viele der als Referenzwerke gesehenen Alben aus den 90ern, die nicht unerheblich zum Kultstatus des Projekts um David Tibet beigetragen haben, durch eine relativ stabile Kernbesetzung eingespielt wurden und darüberhinaus eine Vielzahl starker – solch ein Begriff mag bezogen auf Current 93 vielleicht etwas profan anmuten – Songs enthielten. Die Qualität der einzelnen Stücke trug dann auch sicher nicht unerheblich dazu bei, dass das 2018 erschienene „The Light Is Leaving Us All“ das vielleicht stärkste Album seit “Black Ships Ate The Sky” war.

Seit “The Light…”  erschienen die weitgehend instrumentalen, von Soundscapes durchzogenen Alben „Invocations Of Almost“, „If A Star Turns Into Ashes“ sowie die beiden Soloalben Tibets („Ferelith“ und „Fontelautus“), die in ihrer somnambulen (Alp-)Traumatmosphäre und atmosphärischen Dichte zumindest zum Teil an das Verstörende und Irritierende des Frühwerks anknüpften.

Das schon vorab veröffentlichte das Album eröffnende „If A City…“ legt den Ton, die Stimmung fest: Im Zusammenspiel von Drones, Klavier und Geige entsteht ein elegisch-melancholisches Stück und Tibet, der hier – wie schon auf seinen Soloalben – nur noch unter seinem Vornamen firmiert, intoniert: „If under G+D’s Wing/By the JawBone and HeeHaw/The donkey creeps silently/Through the door in the hall/Then plague and mice/And the woodlice stream…“. Wenn man einem Instrument eine tragende und zentrale Rolle zusprechen will, so dann sicher der von Aloma Ruis Boada gespielten Geige, die das gesamte Album prägt. Auf „There Is No Zodiac“ setzt der dezente Einsatz von E-Gitarre leicht dissonate Akzente. Auf dem dann folgenden „Joke Moon“ gibt es ein fantastisches Zusammenspiel von Alisdair Roberts wunderschön gezupfter Gitarre und der Violine. Auch auf „A Column Of Dust“ erzeugen Gitarre und Geige und der dramatische Gesang Tibets eine beeindruckende Atmosphäre – man möchte dem von ihm besungenen “Final Express Train” nicht unbedingt begegnen. „The Child, And Fire” erinnert mit seinen Pianopassagen entfernt an „Soft Black Stars“.

Textlich finden sich die thematischen Obsessionen, die das Werk Current 93s seit Jahr(zehnt)en prägen: Apokalyptische Szenarien werden entworfen: „It it rains razors, and murders, and slaughters“, „The Moon is dead now—Joke Moon!“, „A castle or Moloch“, „And the noise in your eyes/Has the rumours of wings/And the fly and the hornet/From the Scorpion RainBow“, „In the walls the colourful cartoons/Are covered with sores“), das Zusammenspiel von Profanem und Erhabenem („In time for tea, in time for end“), Nursery Rhymes („By the butcher, and the baker, /And the candlestick maker“, “Just memories stretched out/From nursery rhymes or spectres”), (der) Gott in all seiner Ambivalenz: „Vengence in His Eye/I AM THE LORD! – THE KILLER AND THE CREATOR“.

Muss man beim Titel des Albums vielleicht unweigerlich an die von John Winthrops aus der Bergpredigt (“You are the light of the world. A city set on a hill cannot be hidden“) entlehnte Fortmulierung denken, der so eine zentrale Rolle beim Selbstverständnis der amerikanischen Nation zukommt, denken, erfährt man im Booklet, dass die Inspiration für das Album ein akkadischer Text namens „If A City Is Set Upon A Height“ ist. Passenderweise dankt Tibet im Booklet seinen Hebräisch-, Akkadisch-, Koptisch- und Ugaritischlehrern, erneut sein Interesse an (ur-)alten Sprachen, am logos betonend, der ja “im Anfang” war.

Letztlich ist es so erfreulich wie erstaunlich, dass nach dem fast 40-jährigen Bestehen Current 93s, “your favourite hallucinatory skipping-rope”, wie es auf dem Albumcover heißt, noch immer Alben entstehen, die beeindrucken können und beeindruckend sind und ein Spätwerk einläuten, das viel verspricht. (MG)

Label: House Of Mythology

@ Links

Wäre Demian Recios Musik so berühmt, wie sie sein sollte, würden einige diesen Zug zu imitieren suchen und dabei im Labyrinth ihrer Versuche verloren gehen. Die meisten jedoch würden sich an den poppigen Seiten Ô Paradis orientieren und im Indie-Radio landen mit solider Musik, die in ihrer Heruntergebrochenheit an die Coil-Cover zahlreicher Dark Ambient-Projekte oder an Depeche Mode-Klone der 90er erinnern würde. So gesehen gut, dass Ô Paradis nach wie vor die Aura eines gut gehüteten Geheimnisses umgibt.

Ich kam auf diesen Gedanken durch den “La Placa Bella” – der schöne Ort – betitelten Song auf dem neuen Album “Liquido”, hinter dem sich eine Schicht grobkörniger Elektronik versteckt, durchzogen von verquer gebrochenen Takten, die in ihrer immer noch leicht tribalen Bewegung seltsam ungreifbar bleiben. Dies gilt auch für Demians zunächst eher introvertierten Gesang, der erst mit der Zeit zu etwas mehr Pathos ansetzt und der Unruhe der Musik entgegenwirkt. Die Schönheit, die dabei entsteht, ist herausfordernd und würde von Gelegenheitshörern, die man seinerzeit mit Songs wie “Medio Angel” oder “Mejor Que La Muerte” noch anfixen konnte, nur mit einer gewissen Anstrengung erkannt werden, denn erst die wehmütige Klage einer Violine sorgt für eine etwas deutlichere Harmonie.

“Liquido” erscheint in einer sehr aktiven Zeit für Ô Paradis, kein Jahr nach dem deutschsprachigen Album “Weiter Weg”, nach dem noch ein Album des Seitenprojektes Les Paradisiers folgte und die Wiederveröffentlichung seiner Kollaboration mit Nový Svět. Begleitet von der v.a. von Current 93 her bekannten Geigerin Aloma Ruiz Boada (sowie visuell von Vater Ricard, Carles Gomila und Zoë Valls) entstand ein freis Werk, dessen spontane Machart durchgehend spürbar ist.

Wie bei einem Labyrinth mit zahlreichen Eingängen, von denen jeder irgendwann ins Zentrum führen könnte, gibt es zahlreiche Einfallstore zu “Liquido”, und eines, das mich besonders beeindruckt hat, sind die Vielzahl an rhythmischen Motiven, die dem meist doch sanften spanischen Gesang und den besinnlichen Streicherparts, die diesmal das ganze Album durchziehen, einen “experimentelleren” Aspekt beigeben. Sie eröffnen das Album durch spannungsvolles Rasseln und monumentale Trommelwirbel und werfen die Hörer in einen Stoff der Gegenreformation des 16. Jahrhunderts, während fließendes Wasser und die mäandernde Geige das eigentliche Leitmotiv andeuten. Im folgenden “Afán de adivino” hält metallene Perkussion die paradoxe Balance zwischen Spannung und Gelöstheit, während heiserer Gesang über schwülen Orgeln die Erschöpfung feiert. Einmal mehr vermögen erst die durch Mark und Bein gehenden Geigenparts all dies zu versöhnen.

Nicht nur zu Gesang und Streichern setzt die “rhythm section” Kontraste, im aufgewühlt brummenden Walzer “Inerte” mit seinem entrückt-ekstatischen Gesang befeuern und behindern peitschende Detonationen den Fluss der rauen Sounds. Zahlreiche solcher Spannungsgefüge machen jeden Song zu einem kleinen Kontinent, der von den wahrhaft Neugierigen entdeckt und erkundet werden will, aber natürlich stechen auch hier bestimmte Momente besonders hervor. Da wäre zum einen das Lord Henry Wotton, dem mephistophelischen Mentor und Verführer des Dorian Grey gewidmete Stück, das um ein Filmsample gebaut ist und von Snaredrum-Polyrhythmen vorangetrieben wird – “losing” ist das zentrale Wort des eingespielten Filmdialogs. Zum anderen “Las cajas de cartón”, das in seinem Pappkarton einen fast hippiesken Popsong mit Akustikgitarre präsentiert.

Beim nachdenklichen Ausklang von “La estatua del niño estudiante” mit seinem schwermütigen Loop mag man sich fragen, was man da gerade hinter sich gelassen hat, und ob es ein Zurück gibt. Vermutlich nicht, da man ohnehin bei jedem Hören Neues entdeckt, und auch für Demian scheint diese Platte im zwanzigsten Bandjahr im Zeichen eines Neuanfangs zu stehen. Als solcher ist “Liquido” ein wunderbares Omen, für das man sich Zeit nehmen muss und sollte. (U.S.)

Label: Dark Vinyl

In “Corazon o Plomo”, dem neuen Album der katalanichen Comando Suzie geht man auf eine Reise, die am Pier eines mediterranen Hafens beginnt, der Seewind weht Erinnerungen herbei, oder sind es die Whatsapp-Nachrichtungen zweier Liebender? Kurz darauf flaniert man küssend durch die Hotspots von Barcelona und landet auf einem Neofolk-Konzert. Umweht von üppigem Myrrheduft erscheinen Fermando Rey und Catherine Deneuve und ziehen einen in die von Krankheit und Neurosen stickige Luft von Buñuels Tristana, doch schon bald fühlt man sich der Erde so fern wie der Stierstern Aldebaran. Liebe und Tod, wahre Schönheit, fliegende Funken flickern auf, und es ist ein bisschen wie wenn man ein Tagebuch in einer fremden Sprache ließt, das geöffnet auf einem Tisch liegt. Die Reise geht weiter nach Bilbao, nach Kopenhagen, Turin, Stockholm und Berlin zu Nicos Grab im Grunewald. Was am Ende bleibt, ist eine Feier der Lebensfreude, des Joie de vivre. Kein Score würde besser zu dieser imaginären Reise passen wie der von der Erinnerung an New Romantic durchdrungene Elektropop Comando Suzies, der feinsinnig ist in seiner entrückten Wehmut und in seiner kraftvollen Kantigkeit zugleich frei vom gelackten Bübchenstolz der meisten Synthiebands unserer Tage – eine Musik, über die wie bereits im Interview mit Raul Lopez, dem Sänger und Musiker hinter dem Namen sprachen. An “Corazon o Plomo” bastelte er bereits seit fast vier Jahren, und es ist als eine Art Sequel seines Debüts “El Hombre Sentimental” gedacht, dessen Themen um Liebeslust und Liebesleid hier nach zehn Jahren erneut angegangen werden.

Wer frühere Aufnahmen, v.a. das Vorgängeralbum “Principias y Salidas” kennt, wird Lopez Sound besonders in den ersten Tracks wie “Espigón”, aber auch später in “En La Frente” und dem Goth-angehauchten “Y todo saldrá bien” wiedererkennen, in den Refrains zum Mitsingen und den kraftvollen, z.T. monumentalen Synthies. Schnell merkt man jedoch, dass sich unter der eingängigen Oberfläche einiges mehr ereignet. Ungewöhnliche Objekte erzeugen Rhythmus im atemlosen “Nubecita y tormenta”, in “Huele a mirra” kontrastieren die nur leicht melodisch eingefärbten Spoken Words mit dem tanzbaren Takt, während chansongetränkte Synthies bunte Tupfer an eine Weiße Wand malen. Hoch klingelnde Synthies lassen sanfte schwarze Sterne am Firmament aufleuchten, wie es einem Song wie “Aldebarán” gebührt, und stets hat man das Gefühl, das in den Melodien etwas durch unsere Welt schleicht und sich umsieht. In einigen Stücken, vielleicht am meisten in “Belleza Real” macht Raul etwas ganz eigenes, indem er, meist am Ende der Strophen, sein Gesangstempo verschnellert und wie von einer inneren Notwendigkeit getrieben noch ganz viele Worte in die Verse packt und so in der Atemlosigkeit noch mehr emotionales Charisma entstehen lässt.

“Belleza Real” ist auch eines der Stücke, bei denen der Beitrag der anderen Musiker deutlich wird, zumindest schien das gesamplete Stimmenchaos, das unter der Oberfläche durchscheint und dem Popcharakter des Songs noch eine Portion Tiefe gibt, statt ihn in Hektik zu ertränken, auch die Handschrift Demian Recios (Ô Paradis) zu tragen, der als Mitmusiker einiges beigetragen hat. Vielleicht kann man hier auch eine Spur des Industrial finden, an den viele seltsamerweise wegen des Bandnamens denken, und in ausgewählten Momenten der Vergangenheit habe sich solche Spuren tatsächlich Bahn gebrochen. Im Downtempo von “Saltan Chispas”, dessen Worte wie die Wellen einer sanften Brandung hervorgestoßen werden, fügt sich die unprätentiöse Geige Aloma Ruiz Boadas (Current 93) perfekt ein. Der größte Beitrag kommt allerdings von Rauls Partnerin Eva Grace, die weitere Synthieparts beisteurt sowie das weibliche Element durch ihren Gesang, der sich in mehreren Songs als Backing Vocals einfügt und in “Aviones” einen größeren Raum erhält.

Schon beim versöhnlichen Abspann von “Joie de vivre” könnte man registrieren, dass viele Melodien aus “Corazon o Plomo” im Kopf bereits ein Eigenleben entwickelt haben und einen lange begleiten. Das freilich sollte nicht davon abhalten, das Album erneut aufzulegen. (U.S.)

Label: El Genio Equivocado

Schon seit längerem durch einen Teaser angekündigt, erscheint nun „The Light Is Leaving Us All“, das, soviel vorweg, vielleicht stärkste Album Current 93s seit „Black Ships Ate The Sky“. Das hängt sicher mit der Quaität der Songs zusammen. „Thunder Perfect Mind“, eines der Referenzwerke der Band, war natürlich ein Album, das deswegen eine unglaubliche Resonanz gefunden hat, weil es zwar sicher ein Füllhorn an Ideen war, aus denen andere Bands gleich mehrere Alben gemacht hätten, aber es enthielt eben auch einfach fantastische Stücke. Bei “The Light Is Leaving Us All” sehen das nicht alle genau so, aber meines Erachtens ist die Zahl der “Hits”, falls dieses Wort nicht fast schon zu profan im Zusammenhang mit Current 93 klingt, diesmal sehr hoch.

Thomas Ligotti, auf dem Myrninerestalbum als “Emperor Of the non-existent Knife of Night” apostrophiert, ist auf “The Birds Are Sweetly Singing”, dem weitgehend instrumentalen Opener, der aus Samples, field recordings, Theremin, Klavier und E-Gitarre besteht, kurz zu hören. Das dann folgende  “The Policeman Is Dead” wird von Alisdair Roberts gezupfter Gitarre durchzogen und knüpft wie einige andere Stücke auf “The Light Is Leaving Us All” durchaus an Current 93s Arbeiten aus den 90er Jahren an. Die vorab veröffentlichte Single “Bright Dead Star” ist vielleicht als Song noch eingängiger, ist ein wahrlich catchy tune. Seltsame Perkussion leitet „A Thousand Witches“ ein, das von der Art des Vortrags etwas an die letzten Stücke von „Of Ruine Or Some Blazing Starre“ erinnert. Das wunderschöne “Your Future Cartoon” mit dem Zusammenspiel von Gitarre und Klavier rührt zu Tränen und auch „The Bench and the Fetch“ mit Ben Chasny an der „doppelgänger“-Gitarre würde in einem anderen, besseren Universum an der Spitze der Charts stehen. Wem “Fair Weather” mit dem todtraurigen Geigenspiel von Aloma Ruiz Boada keine Schauer über den Rücken jagt, der ist vollends abgestumpft.

Neben diesen recht harmonischen Stücken gibt es das etwas sprödere „30 Red Houses“ mit dramatischem Gesang Tibets oder das leicht dissonante „The Postman is Singing“ mit monotoner Gitarre und dunkler Geige, die das Bedrohliche, das sich in Zeilen wie “The LORD is on the Storm/He is the Storm” oder “When you turn out your Light/How’s Baal in the BedRoom” manifestiert, besonders unterstreichen. Geige und Dudelsack hört man auf  “The Kettle’s On”, auf dem ein weiteres apokalyptisches Szenario entfaltet wird: “Cain moves our jaws/Cain is tongue in our mouth/Our hands stretch link/With Cain’s tendons [...] Dust storm and bone storm/TwiLit skies”. Daran knüpft das von Drehleier und Geige dominierte “The Milkmaid Sings”, mit dem das Album endet, an: “The lambs so sweet on grass/A thousand ded horsies/Hover over their skulls”.

Auf “The Light Is leaving Us All”  sind die einzelnen Stücke durch Textzeilen und immer wiederkehrende Motive miteinander verwoben. Gleichzeitig finden sich Verwiese auf frühere Arbeiten (“SeaHorses”, “Signs in the Stars”, “Horsies”, “Aleph” oder “Cain” tauchen auf). Hier wird eine gefallene Welt besungen: „And please read the First Book/And consider the fall“ („The Policeman is Dead“), es werden Apokalypsen kosmischen Ausmaßes beschrieben: „WatchTowers arise from sand/Bring in storms in and out/Then to death chariots arise/As bone of stars“ („Fair Weather“) und alle Vorbereitung ist letztlich Makulatur: “The farm is boarded/Against the storm/But in the spaces InBetween/Wood and Brick and wood/The squeak awaits”(“Your Future Cartoon”). Gleichzeitig sind der Titel des Albums und die bemalten Fotografien des Artworks sicher ambivalent. Tibets Art des Textens macht ein Dekodieren letztlich aber fast unmöglich. Hier verdichtet sich die Privatmythologie zu einem Universum aus Chiffren. (MG)

Label: The Spheres / House of Mythology (Tape)

13.10. London – O2 Shepherds Bush Empire (mit Nurse With Wound)
22.11. Bern – Dampfzentrale (im Rahmen des Saint Ghetto-Festivals)
08.12. Berlin – Funkhaus

DavidTibet.com